Coquelin

Claire Papon, Quai des orfèvres, Gazette-Drouot, France, 2006.

Au centre d’une vente classique, cette plaque de lumière est l’une des rares pièces de forme d’orfèvrerie civile du début du XVIIe siècle.

Antoine Coquelin, Applique en argent fondu, forgé, repoussé et ciselé, Paris, 1622-23

Bien des points demeurent obscurs concernant les orfèvres, malgré l’existence des poinçons. Ceux-ci sont souvent muets, car illisibles, incomplets ou, bien sûr, non identifiés. Tel n’est pas le cas de cette applique : sa marque nous indique une oeuvre d’Antoine Coquelin, reçu maître à Paris en 1610, établi sur le Pont-au-Change et dont une patène et un calice sont conservés dans une église de l’Eure. Cette pièce est probablement née d’une commande d’un amateur, venu avec le dessin de la plaque proprement dite, et faisait sans doute partie d’une paire, voire d’une série. La composition – aux formes libres et asymétriques du style auriculaire répandu en Flandres et en Angleterre – se retrouve dans une planche gravée par l’Anversois Pierre Furens, installé à Paris au début du XVIIe. Quant au créateur du motif, il s’agit d’un Italien dont la carrière fut internationale : Federico Zuccaro (1540-1609). Antoine Coquelin réalise donc en métal précieux l’ornement central sur les instructions de son client et ajoute le bras, sur lequel est fixé le binet supportant la bougie et la coquille de la partie supérieure, qui sert elle aussi à renvoyer la lumière. Nous n’en sommes en effet qu’aux balbutiements des accessoires d’éclairage, l’usage de la torche n’est pas bien loin. Bras, plaques et appliques se répandent en ce tout début du XVIIe siècle, ainsi que les girandoles, bougeoirs, chandeliers et même lustres d’argent. Autant d’objets en parfaite harmonie avec le mobilier d’argent en vogue à l’époque. Les plaques sont les plus nombreuses et les plus caractéristiques, mais elles ne se rencontrent que chez les grands personnages.

The Cute and The Creepy

The drawings of Yuka Yamaguchi are delicate yet disturbing. Much of them are biographical and very personal. With her coloured pencil and ballpoint pen drawings, Yamaguchi shares intimate details with the viewer.
Born in Japan, Yamaguchi considers her drawings are inward-looking, reaching both extremes of the cute and the grotesque.
Gazzola says Yamaguchi's work blurs the line between humour and horror, indicating that "some works incorporate both of these seemingly disparate concepts," eg., Inseparable [2006], where a cute, pre-teen couple are tying themselves together by their respective hanging tendons and muscles, which hang in ribbons from their severed calves. Both are smiling, and seem pleased with the arrangement, and I am reminded of the Japanese horror film Audition, which was really a love story, with the classic admonition that "you must love only me."[1]

A self-taught artist, but with a degree in Social Work, Yamaguchi has been aiming to turn "everything around you cute and fun."[2] But the cute and fun components of her drawings coexist with others suggesting cruelty. A sense of humor is also present in the work, although such humor is chiefly black. A case in point is All I Can See (2006), a memorable image, which is at once funny and creepy.[3]

"In my drawing," writes Yamaguchi, "a boy is having breasts sewn over his eyes. [And] he’s happy about it. [... That is,] being made more feminine." She explains that "usually, that means taking something away (castration). But this [case] is an addition, not a subtraction. I think femininity, including traditional [...] motherhood, is a positive thing. Men and women are both better off if they can [in one way or another] be feminine. Not instead of other things, but in addition to them."

One is neither horrified nor delighted, but both. Yamaguchi's paradoxical imagery is grotesque. As Gazzola aptly indicates, her work persistently blurs line between humor and horror. Or, as Jahsonic likes to put it, Yamaguchi's work is "an uncanny mix of cruelty and innocence."[4] The result is both benign and unsettling. Subtly reminiscent of the Chants de Maldoror (1868-69), the art of Yuka Yamaguchi is beautiful as the chance encounter of an umbrella and a sewing machine on a dissecting table.

• Lo lindo y lo espeluznante
Los dibujos de Yuka Yamaguchi son delicados y preocupantes. Gran parte de ellos son autobiográficos y muy personales. Mediante sus dibujos en lápiz color y bolígrafo, Yamaguchi comparte asuntos íntimos con el espectador.
Nacida en Japón, la dibujante explica acertadamente que sus trabajos son una especie de mirada instrospectiva, motivada por los extremos de lo bello y lo grotesco.
El trabajo de Yamaguchi desdibuja la línea entre el humor y el horror. Algunas obras de sus obras incorporan conceptos considerablemente dispares. Tal es el caso de Inseparables (2006), donde los miembros de una mutilada pareja pre-adolescente se atan sus respectivos tendones y músculos. Ambos sonrien y parecen satisfechos con el acuerdo. Recuerdan una historia de amor de personajes del cine de terror japonés y su clásica advertencia, "debes amarme sólo a mí."[1]
Artista autodidacta, pero graduada como asistente social, Yamaguchi busca volver "lindo y divertido" aquello que halla a su alrededor.[2] Mas lo "lindo y divertido" de sus dibujos coexiste con otros elementos que insinúan no poca crueldad y sufrimiento. Cierto sentido del humor es detectable en su obra, aunque dicho humor es por lo general bastante negro. Un ejemplo de ello es Todo lo que puedo ver (2006), una imagen memorable, simultáneamente divertida y espeluznante.[3]
"En mi dibujo," escribe Yamaguchi, "un niño tiene senos cosidos sobre los ojos. Y es feliz por eso. [Es decir,] volviéndose más femenino." Explica la autora que "por lo general, eso significa perder algo (castración). Pero en el caso en cuestión, se trata de algo que se agrega, no de una sustracción. Creo que la feminidad, incluyendo la maternidad tradicional, es algo positivo. Hombres y mujeres se vuelven mejores si logran [de un modo u otro] ser femeninos. No en lugar de otras cosas, sino además de ellas."
Ante la obra de Yamaguchi, el espectador no se asusta ni queda encantado, sino ambas cosas a la vez. Paradójicas, las imágenes de Yamaguchi son además grotescas. Como indica Gazzola, el trabajo de Yamaguchi consiste en desdibujar la línea que separa al humor del horror. O, como bien percibe Jahsonic, su trabajo es "una extraña mezcla de crueldad e inocencia."[4] El resultado es una imaginería benigna pero inquietante. Y, en cierto sentido, ella recuerda a los Cantos de Maldoror (1868-69), ya que su corte es bello como el encuentro fortuito de un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de disección.

References | Notas
1. Bart Gazzola, Yamaguchi's work blurs line between humour, horror, Planet S Magazine, 26.5.2007
2. Interview, Milk Magazine 302, Hong Kong, 3.5.2007
3. The image was requested by The Kyoto Journal Magazine for an issue on gender in Japan. | La imagen le fue encomendada por la Kyoto Journal Magazine para ilustrar una nota dedicada las cuestiones de género en Japón.
4. Jahsonic, Introducing Yuka Yamaguchi, Wordpress, 7.2.2009

The four color pencil and ballpoint pen drawings by Yuka Yamaguchi illustrated in this post are Inseparable (2006), All I Can See (2006), My Inner Elephant (2006), and A New Seedling (2008).

Ref. Uncanny, Surrealism, Strange, Bizarre, Weird, Unusual, Experimental, Incongruous, Transgressive, Unconventional, Irrationality, Excess.

Resources
• Plastique Monkey Gallery
• Paradoxical Times
• Artistic Imagination
• The Grotesque, photo-album
• Art & Popular Culture: grotesque, cognitive dissonance, uncanny

Artistic Imagination

by Mariano Akerman

In Greek, mimesis stands for "imitation" • Still Life by Justus Junker


The imaginary often involves fantasy • Then Lilies turned to Tigers


The imaginary may also relate to the fabulous • A Renaissance Gryphon


At times imagination finds expression in terms of grotesqueness • A Fertile Man by Fontanarrosa


Disconcerting is the effect of the grotesque • Object, by Meret Oppenheim


The grotesque is a structure • Italian grotteschi


As a structure, the grotesque is usually a visual paradox • Treu: Enthusiasm is Not Enough


It combines or fuses incompatible elements • Santos Maschen: Dragon


Grotesque strategies literally attack by surprise • Anonymous: Hand


The grotesque frequently violates norms and conventions • Marcelo Bordese: Jonah and the Whale


It involves ambiguity • Bacon: Lying Figure in a Mirror


The grotesque suggests the monstrous • Giuseppe Arcimboldo: Water


Sometimes it relates to black humor • Bacon: Figure with Meat


Although there are some playful grotesques too • Jake Crees: Oops


Thus, a grotesque can be amusing • "Just don't expected it to roar"


But it can be unsettling as well • Carlos Nine: Colored Relief


The grotesque is a game with the absurd • Death and Soap Bubbles


Significantly, the grotesque defies interpretation • Bacon: Study for Figure at the Base of a Crucifixion, detail


As Giordano Bruno puts it, the fictitious image entails its own truth.

Favorite resources

.
BibliOddyssey, by PK

MIDDLE AGES
• Treasures of Troyes
• Cantigas de Santa Maria
• Chansons d'Amour

RENAISSANCE
• The Graphic Mercenary
• Grotesque Alphabet
• Pantagruel I + II

BAROQUE and ROCOCO
• Callot
• French Ornamental Prints, 17th Century
• Ornamental Typography

MODERNITY
• Caprichos
• Paris, 19th century
• Sergey Tyukanov

VARIETE
• Codex Laud
• Hell Plus
• Tripartite Jerusalem
• Death's Dance
• Engeneering Renaissance
• Michelagelo - Hercules & Antaeus
• Maritime Curios
• Grandville
• Coins and Conscience
• Remarkable Persons
• A Twist of Reed
• National Museum, Japan
• Lubok
• Meguillat Esther

BOOKS
Treasury of Fantastic and Mythological Creatures
Picture Book of Devils, Demons and Witchcraft

ARTICLE
Biomediale

Investigandos grotescos

On Beautiful Grotesqueness
Domus Aurea
Estilo fantasía de la antigua Roma
I sogni dei pittori
Raphael: The Vatican Loggia
Palazzo Vecchio



UFFIZI

- The Vasari Corridor. The building of the Uffizi ordered by Cosimo I (de' Medici) and supervised by Giorgio Vasari was commenced in 1560. The idea was to get the thirteen Guilds and Magistrates who administered the City under one roof or ... in closer proximity to Cosimo so he could control them better. As a collateral benefit the Medicis were to get the top floor for their art, theatre, etc. without paying anything.
At the same time Cosimo's wealthy wife, Eleanor of Toledo, had bought and was extending the Pitti Palace on the other side of the Arno. So, in 1565, well before the Uffizi had been completed, Vasari was also set to work building his "corridor" - a collection of linked galleries between the Palazzos Pitti and Vecchio which lent a new meaning to the phrase "journey to work" for Cosimo ... no more bodyguards or mixing with the masses, and plenty of opportunity to secretly spy on the activities of his subjects - a control freak's paradise! Cosimo even ordered the closure of the smelly butchers' shops then on the Ponte Vecchio (Paradoxplace).

- Ceiling painted with grotesques. It was Francesco I who decided to use the long loggia on the top floor of the Uffizi to set up a Gallery to house ancient statues and portraits of the Medici family and of illustrious men. Between 1579 and 1581 the ceilings of the Gallery were frescoed with grotesque motifs. This was a type of decoration which had spread at the end of the fifteenth century, being inspired by the Roman wall paintings discovered in the archaeological excavations, especially those in Nero's domus aurea. The work was begun by Antonio Tempesta and continued by Alessandro Allori, with the assistance of a group of collaborators that included Ludovico Buti, Giovanmaria Butteri, Giovanni Bizzelli and Alessandro Pieroni (Uffizi).

- Uffizi Ceilings, 1579-81. 46 Ceilings in the East Wing of the Uffizi painted by Antonio Tempesta and Alessandro Allori - after the style of rooms decorated by Fabullus in the palace of Emperor Nero, discovered in Rome in the 1480s and then thought to be "grottoes" (Paradoxplace).

- Stanzino delle Matematiche. Small room next to the Tribuna del Buontalenti in the Uffizi Gallery, where Grand Duke Ferdinand I de' Medici (1549-1609) had installed the collection of scientific instruments begun by his father Cosimo I (1519-1574). The Stanzino was intended to house the instruments, the treatises explaining how to use them, maps, city plans, and wooden models of war machines and fortifications. The ceiling was frescoed between 1599 and 1600 by Giulio Parigi (1571-1635), with a "grotesque" decoration in which many vignettes faithfully depicted a significant part of the collection and scenes of famous inventions, ancient and modern (Museo Galileo).

REFERENCE
- N. Dacos, La découverte de la Domus Aurea et la formation des grotesques à la Renaissance, London, 1969
- Ewa Kuryluk, Salome and Judas in the Cave of Sex - The Grotesque: Origins, Iconography, Techniques, Northwestern UP, 1987
- Museo dei Ragazzi, Palazzo Vecchio
- Grotesque, Wikipedia
- Thierry Bézecourt, Grotesques, Bloc-notes, 2.10.2006
- Lynne Rutter, Grotesque Obsession, The Ornamentalist, 10.4.2008
- Grottesca, Decorative Painting Courses, Florence. The decorative style called "Grottesca (grotesque)" that characterizes many famous interiors in Florence and Rome. Grottesca (grotesque) decoration is a renaissance style which takes its name from the grottos, or archaeological digs, which took place in renaissance times. These excavations unearthed richly decorated antique Roman interiors, specifically the villa of Nerone, The Domus Aurea, excavated in Rome in 1480. The artists of the day were so taken by this lively and versatile decorative style that they incorporated it immediately in their commissioned works. Raphael decorated the Logge of the Vatican in this style and later in Florence, Vasari's workshop decorated the Palazzo Vecchio with Grottesca (grotesque) motifs. The style is infinitely adaptable and is fun for artists because it is fresh, colourful, and contains many unexpected amusing elements.

PICS

- Commons: Pompeian Painting Styles
- Commons: Roman Frescoes, Fourth Style
- Commons: Grotesque

E&J
Groenling
Lynne Rutter
MikevV
Katrin Monahan
Sinsense

- A novel form of target practice captured on one of the Grotesque ceilings decorating the East Corridor of the Uffizi Gallery (The Vasari Corridor, by Adrian Fletcher - Paradoxplace).

Addendum. Wikipedia: Grotesque and Grotesque body.

DEFINICION DE GROTESCO - Que por su deformidad, mal gusto o extravagancia produce reacciones muy distintas, como risa, burla o rechazo (El País).

“Lo Grutesco” seguido del extraño Manifiesto de las formas sin nombre hallado en el interior de unas grutas
-La forma en que se encontró la genealogía de Gargantúa en Gargantúa y Pantagruel de Francois Rabelais
-Genealogía jeroglífica e incomprensible
-El descubrimiento de la Domús Áurea del Palacio de Nerón
-Los extraños motivos ornamentales de los muros: Los Grutescos
-Fragmento: Los Grutescos de André Chastel SUMMA ARTIS Tomo XLVI
-Manifiesto de las formas sin nombre

The grotesque as structure and aesthetic category
10 Rijksmuseum Collections


Galleria degli Uffizi

Thierry Bézecourt : Ces plafonds sont une sorte d'encyclopédie visuelle du monde de la Renaissance.







Enlaces a visitar
Ornamentalist

Lucas Kilian, Newes Gradesca Büchlein, 1607

Piranesi. Grabado
Capricho grotesco: la tumba de Nerón, Opere varie | Prima parte di Architetture, e Prospettive, 1750.
La ruina final de todo acto humano.
“vanidad de vanidades, todo es vanidad”, del destino perecedero de cuanto existe.
Grotteschi, los grabados grotescos, son una ventana abierta a la imaginación. Involucran vestigios ruinosos, la vegetación que irrumpe, las calaveras, las serpientes, los faunos y piedras amontonadas de antiguos pueblos.
Piranesi es “eclecticismo y excéntrica vena creativa”
En código postmoderno lo suyo sería hipertextualidad, multidisciplinaridad, mash up, copy/paste... una ensalada en un sentido absolutamente positivo.

Jonathan Prown & Richard Miller, The Rococo, the Grotto, and the Philadelphia High Chest, Chipstone, 1996.

INVESTIGANDOS

WKP: Auricular style

Commons

Knorpelwerk, Ohrmuschelstil, kwabornament, Rusia 2013

Auricular style. decorative art. German Knorpelwerk or Ohrmuschelstil, Dutch kwabornament. A 17th-century ornamental style based on parts of the human anatomy. It was invented in the early 17th century by Dutch silversmiths and brothers Paulus and Adam van Vianen. Paulus was inspired by anatomy lectures he attended in Prague, and both he and Adam became known for the style. The auricular style was adopted by other cabinetmakers and carvers in the Low Countries and Germany. Applied to chair backs, frames, cupboards, and other surfaces, the gruesome, curving motifs consisting of bones, membranes, and cartilage were arranged in arabesques, particularly in forms that suggested the human ear, after which the style is named. The flabby, fleshy forms were sometimes contorted into masks, as shown in the Neues Zieratenbuch (“New Ornamentation Book”) of the Mannerist designer Friedrich Unteutsch of Frankfurt am Main.

Knorpelwerk. Das Knorpelwerk (auch Knollenwerk) ist eine symmetrische Ornamentform mit knorpelartigen Verdickungen, eine spezifische Ausbildung des deutschen Manierismus (zweite Hälfte 16. Jahrhundert bis ins 17. Jahrhundert). Als Schöpfer des Knorpelwerks gilt der niederländische Gold- und Silberschmied Paulus van Vianen. Einen großen Anteil an der Verbreitung des Knorpelwerks hatten Cornelis Floris (Florisstil) und Christoph Jamnitzer. Man findet diese Form nur nördlich der Alpen, hauptsächlich in Deutschland, Frankreich und den Niederlanden.
Stil. Im Besonderen spielen hierbei Ohrmuschelformen und C-förmige Schwünge eine wichtige Rolle. Manchmal wird dieser Dekor von naturalistischen Formen durchsetzt, die Gesichter (Fratzen) mit knolligen Nasen, Augenwülsten und zierreichen Bärten zeigen. Regional gab die Zierform der Epoche auch den Namen Knorpelbarock (siehe auch Knorpelstil). Ex. Portaldetail des Achtermannschen Hauses in Braunschweig

Knorpelstil. Als Knorpelstil (auch: Knorpelbarock, Ohrmuschelstil) bezeichnet man einen Stil in der plastischen Kunst des 17. Jahrhunderts, der in der Nachfolge des Manierismus eine ausgeprägte Ornamentik pflegt.
Der Knorpelstil entstand aus dem niederländischen Knorpelwerk, in dem seit der Spätrenaissance symmetrisch angeordnete Ornamente in Form knorpelartiger, ineinander übergehender Verdickungen verwendet wurden. Das Knorpelwerk seinerseits ging aus dem Rollwerk hervor.
Hauptbestandteil sind ohrmuschelartig angeordnete Akanthusblätter. In manchen späten Beispielen wird der Gesamteindruck völlig vom wuchernden Ornament beherrscht, in dem der eigentliche Bildinhalt unterzugehen scheint.
Besonders in Norddeutschland, in Skandinavien und im Baltikum war der Stil von ca. 1630 bis 1680 in Kirchen und Herrenhäusern weit verbreitet. Im Knorpelstil wurden zahlreiche Altäre, Kanzeln, Epitaphien und Möbel gefertigt.
Zu seinen Hauptvertretern zählt Hans Gudewerth der Jüngere (Altäre in Eckernförde und Kappeln).
Ex. 1 barock Hauptaltar und Seitenaltäre im Knorpelstil, Pfarrkirche Offenhausen (Oberösterreich) 2. rococo - Altar im Knorpelstil von Hans Gudewerth, Eckernförde

Architektur: aus dem Muschelwerk der Renaissance erwachsene knorpelartige Zierf

Dieses Knorpelwerk gefällt mir besonders gut.

Knorpelwerk. Ornamentform des 17. Jahrhunderts, die sich aus ohrmuschelförmigen, sich knorpelartig verdickenden Gebilden und maskenhaften Motiven zusammensetzt. Das Knorpelwerk tauchte zunächst in Stichen auf und wurde bald zur plastischen Gestaltung von Bauelementen und Möbeln herangezogen, v. a. in den Niederlanden, in Deutschland und Frankreich. (Ohrmuschelstil)

Knọr|pel|werk, das (Kunstwiss.): Ornament aus unregelmäßig geformten Gebilden.

Style auriculaire. style de certaines pièces d'orfèvrerie dont le décor contourné rappelle le dessin de l'oreille humaine, particulièrement en Hollande au début du XVIIe s. Encyclopédie Universelle. 2012.

Ejemplos de uso en la prensa

Dass diese von der Stadtverwaltung offenbar genehmigt wurde, kann BZ-Leser Bernd Ohm nicht verstehen. Das Achtermannsche Haus, erbaut 1626 bis 1630 von dem Braunschweiger Baumeister Ulrich Stamm, besitzt unbestritten eines der schönsten erhaltenen Portale der Stadt mit reichem Figurenschmuck und Knorpelwerk.Dargestellt sind die Tugenden der Stärke, der Enthaltsamkeit, der Liebe, der Hoffnung und des Glaubens. (BRZ10/OKT.02388 Braunschweiger Zeitung, 05.10.2010; Leuchtreklame an historischer Fassade wurde falsch montiert)
Rückriem wurde ein besonderer Raum zugewiesen, in dem sich seine an den Wänden postierten Granit- und Dolomit-Blöcke anschweigen. man wird die Assoziation zu Grabsteinen und Friedhofsstille zuerst nicht los, später entwickeln seine gespaltenen, geschnittenen und wieder zusammengesetzten Steine eine eigentümliche, von Material und Form bestimmte Beredsamkeit. Cy Twomblys Arbeiten sind aus Atelier-Fundstücken zusammengesetzt und reine Poesie. Palmblätter werden zu Fächern gefaßt und mit einer Art barocken Knorpelwerks mit einer weißbemalten Stange verbunden. eine Rose blüht aus einem Stückchen Rohr, bronzene Blätter entfalten sich goldschimmernd über schlanken Holz- und Metallstangen. (H86/KM3.10079 Mannheimer Morgen, 09.01.1986, S. 32; Der Ausstellungsmacher setzt Zeichen der Stille)
1980 wurden Kapelle und Altar noch einmal saniert, die letzte Renovierung fand 2000 statt. Der barocke Altar im neuen Chor mit zweiteiligem Aufbau stammt aus der Mitte des 17. Jahrhunderts. Über dem Tabernakel befindet sich eine Statue der Muttergottes und an den Seiten, zwischen den gewellten Säulenpaaren, die beiden Patrone Simon und Juda. Rechts und links außen sitzen Ohrwangen mit Knorpelwerk.Das Aufsatzrelief zeigt Gottvater, darüber befindet sich der heilige Maternus mit einem Kirchenmodell. (RHZ11/DEZ.06341 Rhein-Zeitung, 06.12.2011, S. 18; Querhaus und Chor kamen später)

Adam van Vianen
Ewer 1614 Rijksmuseum, Amsterdam
Femke Speelberg, Extravagant Monstrosities: Gold- and Silversmith Designs in the Auricular Style, In Heilbrunn Timeline of Art History, New York: The Metropolitan Museum of Art, May 2014

Floris
1 2
Mosyn 3 4 5 6
fontana x rocaille
Lutma pieces