The Grotesque

When commonly used in conversation, grotesque means strange, fantastic, ugly or bizarre, and thus is often used to describe weird shapes and distorted forms such as gargoyles on churches or Halloween masks.[1] The term originated in the visual realm as a style of ornamentation characterized by fanciful combinations of intertwined forms. The first to use it in a literary context was Walter Scott in his extended analysis of the work of E.T.A. Hoffmann: On the Supernatural in Fictitious Composition (1827).

Polysemy. Because of its inherent characteristics, grotesque may refer to 1. ornamentation, 2. appearance, attitude or behavior, 3. aesthetics.
1. Ornamentation (grottesche). In architecture and decorative art, the grotesque is an ornamental style of painting or sculpture involving mixed animal, human, and plant forms.
2. Look or behavior. Something or somebody whose appearance or movements are unexpected, extraordinary, ridiculous, bizarre, exaggerated, uncanny. Grotesque appearance can involve hybridity, deformation, or both. Grotesque behavior may have to do with excess or affectation.
3. Aesthetics. Like te the sublime and the picturesque, also the Grotesque pertains to the domain of aesthetics.

Etymology. The word "grotesque" comes from the Latin grotto, meaning a cave, either natural or artificial. The expression comes from the unearthing and rediscovery of ancient Roman decorations in caves and other buried sites in the 15th century. Such "caves" were in fact the rooms and corridors of the Domus Aurea, an unfinished palace complex started by Nero after the great fire from 64 AD.

History of Art. In art, the grotesque is a type of decoration characterized by its heterogeneity and strageness. Grotesques were fashionable in ancient Rome and were used chiefly in frescoed wall and ceiling decoration. They were described by Vitruvius (around 30 BCE), who in dismissing them as meaningless and illogical, offered quite a good description of them: "reeds are substituted for columns fluted appendages with curly leaves and volutes take the place of pediments, candelabra support representations of shrines, and on top of their roofs grow slender stalks and volutes with human figures senselessly seated upon them."

A fashionable form of ornamentation in ancient Rome, grotesques consisted of loosely connected motifs, often incorporating human figures, birds, animals, and monsters, and arranged around medallions filled with painted scenes. As Nero's Domus Aurea was inadvertently rediscovered in c. 1480 (buried in fifteen hundred years of fill, so that the rooms had the aspect of underground grottoes), the ancient decorations in fresco and stucco were had the effect of a revelation.[2] Fifteenth-century artists such as Perugino, Signorelli, Filippino Lippi, and Mantegna copied the ancient Roman examples. They were also studied by artists such as Pinturicchio, Domenico del Ghirlandaio and Raphael Sanzio. Together with his assistant, Giovanni da Udine, Raphael developed the grottesche into a complete system of ornament (Loggias in the Vatican Palace, Rome), which became immensely famous and influential all over Europe.[3]

"Les grotesques sont une catégorie de peinture libre et cocasse inventée dans l'Antiquité pour orner des surfaces murales où seules des formes en suspension dans l'air pouvaient trouver place. Les artistes y représentaient des difformités monstrueuses créées du caprice de la nature ou de la fantaisie extravagante d'artiste : ils inventaient ces formes en dehors de toute règle, suspendaient à un fil très fin un poids qu'il ne pouvait supporter, transformaient les pattes d'un cheval en feuillage, les jambes d'un homme en pattes de grue et peignaient ainsi une foule d'espiègleries et d'extravagances. Celui qui avait l'imagination la plus folle passait pour le plus doué."[4]

Typography. Grotesque (generally with an upper-case G) is the style of the sans serif types of the 19th century. Capital-only faces of this style were available from 1816. The name "Grotesque" was coined by William Thorowgood, who was the first to produce a sans-serif type with lower case in 1832.

Grotesque sensibility in Literature. In fiction, a character is usually considered a grotesque if he induces both empathy and disgust.[5] Obvious examples would include the physically deformed and the mentally deficient, but people with cringe-worthy social traits may also be included. Victor Hugo's Hunchback of Notre Dame is one of the most celebrated grotesques in literature.

Dr. Frankenstein's monster and the Phantom of the Opera can be considered grotesques. Other instances of the romantic grotesque are also to be found in E.A. Poe, Hoffmann, and the Sturm and Drang movement. Significantly, romantic grotesque is usually far more terrible and somber than medieval grotesque, which used to relate to laughter and fertility. In Alice in Wonderland, Lewis Carroll managed to make the grotesque characters not too frightful and suited them for children's literature, although they remain still utterly strange al along the story.

Southern Gothic is the genre most frequently identified with grotesques and William Faulkner is often cited as the ringmaster. Flannery O'Connor wrote, "Whenever I'm asked why Southern writers particularly have a penchant for writing about freaks, I say it is because we are still able to recognize one."[6]

By connotation: aberrant - abnormal - absurd - ambivalence - amusement - bizarre - black comedy - burlesque - carnivalesque - demon - deviant - disgust - eccentricity - exaggeration - excess - extraordinary - extravagance - fantastic - fantastique - fear - freaks - gargoyle - horror - humor - incongruous - laughter - ludicrous - macabre - monstrous - outlandish - ridicule - strange - supernatural - surreal - terror - travesty - uncanny - unconventional - unusual - weird.

Practitioners. Francis Bacon, Carlos Nine, Julia DeVille, Sergio Menasché, Heinrich Hoffmann, Cachi Verona, Marko Maetam, Quino, Javier Inga, Yuka Yamaguchi, Alfredo Genovese, Till Nowak, Elvio Gervasi.

Connoisseurs. François Rabelais, John Ruskin, Wolfgang Kayser, Mikhail Bakhtin, Philip Thomson, Joyce Carol Oates, David Lavery, Ian McCormick, Robert Storr, Pamela Kort.

Paul Rumsey (b. 1956) is a British graphic artist who works in the tradition of the Imaginary. Most of his work is made in charcoal. His imagery is powerful, sinister and acid, ambiguous and disturbing. Many of his ideas come from the History of Art, but also from dreams and nightmares. His influences are summed up in his autobiography: "The tradition of the grotesque is particularly alive in prints. The fantastic is especially suited to the graphic medium, and it is possible to track almost its entire history in etchings, engravings and woodcuts. A fine book The Waking Dream: Fantasy and the Surreal in graphic Art 1450-1900 charts this progress through Holbein’s Dance of Death, the macabre prints of Urs Graf, the engravings of Callot, seventeenth-century alchemical prints, scientific, medical and anatomical illustration (I adapted the embryonic development diagrams of Ernst Haeckel for my drawing Species/Gender), emblems, the topsy-turvy world popular prints, Piranesi’s Prisons (which influence my architectural fantasies), Rowlandson, Gillray (whom I studied for guidance on how to draw caricature for drawings like my Seven Sins) , Goya, Fuseli and Blake, and into the nineteenth century with Grandville, Daumier, Meryon, Dore, Victor Hugo’s drawings and Redon. The tradition continues with the Symbolists and Richard Dadd, Ensor and Kubin, through to Surrealism, which recognised many of the artists of the grotesque and fantastic tradition as precursors. It is via Surrealism that much of this work has come to be appreciated. In the twentieth century this type of imagery has permeated culture, and is found everywhere, in diverse art forms including: the satiric installations of Keinholz, the drawings of A. Paul Weber, the cartoons of Robert Crumb, the animated films of Jan Svankmajer, photographs by Witkin, plays by Beckett, science fiction by Ballard, fantastic literature like Meyrink’s The Golem, Jean Ray’s Malpertuis, the art and writings of Bruno Schulz and Leonora Carrington, films by Lynch, Cronenberg and Gilliam; all are part of a spreading network of connections, the branching tentacles of the grotesque. This is the tradition to which my work belongs."[7]
Rumsey's imagery is filled with incredible landscape-characters and all sorts of bizarre creatures. His monochrome technique is remarkable. Some of the blurred out, smeared faces he depicts certainly add to the suggestive quality of his art.[8]

1. However, when not used as drainspouts, the grotesque forms on Gothic buildings should not be called gargoyles, but rather referred to simply as grotesques, or chimeras.
2. "The decorations astonished and charmed a generation of artists that was familiar with the grammar of the classical orders but had not guessed till then that in their private houses the Romans had often disregarded those rules and had adopted instead a more fanciful and informal style that was all lightness, elegance and grace" (Peter Ward-Jackson, "The Grotesque" in "Some Main Streams and Tributaries in European Ornament from 1500 to 1750," The Victoria and Albert Museum Bulletin, June 1967, pp. 58-70, p. 75; Esti Sheinberg, Irony, Satire, Parody and the Grotesque in the Music of Shostakovich: A Theory of Musical Incongruities [1998], Aldershot: Ashgate, 2000, p. 378).
3. "First revived in the Renaissance by the school of Raphael in Rome, the grotesque quickly came into fashion in 16th-century Italy and became popular throughout Europe. It remained so until the 19th century, being used most frequently in fresco decoration. Although the animal heads and other motifs sometimes have heraldic or symbolic significance, grotesque ornaments were, in general, purely decorative" (Grotesque, Encyclopædia Britannica Online, 2011).
4. Giorgio Vasari, On Painting (c. 1550), Technical Introduction, chapter XIV.
5. A character who inspires disgust alone is simply a villain or a monster.
6. "Some Aspects of the Grotesque in Southern Fiction," 1960. In her short story "A Good Man Is Hard To Find," the Misfit, a serial killer, is clearly a maimed soul, utterly callous to human life, but driven to seek the truth.
7. Paul Rumsey, Introduction to Essex, Chappel Galleries, Drawings from the Imagination, October-November 2005
8. Cf. Aeron Alfrey, Paul Rumsey, Monster Brains, 12.3.06

Online Resources
Auguste, Catherine. Des grottesques aux grotesques, Meuble peint, France (11.1.2011).
Beautiful Grotesque; Facebook
Jahsonic 2006-9
Coulthart, John. Feuilleton
Fenris, Franz. Grotesques, Meuble peint (11.1.2011).
Geerinck, Jan. Fantastic and Grotesque, Jahsonic, 1996-2006; Grotesque, Art and Popular Culture, 22.2.2011
McCormick, Ian. Encyclopedia of the Marvelous, the Monstrous, and the Grotesque, 7.10.2000
Rumsey, Paul. Gallery at Angelfire, 1988-2005. And his charcoals and etchings exhibited at Galerie Béatrice Soulié and the Chappel Galleries in 2005. See also Morbid Anatomy
Wikipedia; Wikimedia Commons
Victoria & Albert Museum, London. Collections: Grotesques


Fileteando el Asunto

Sergio Menasché conoce el arte del fileteado como la palma de su mano e indudablemente es un talentoso trabajor en su oficio. Desarrolla sorprendentes imágenes en las que el realismo mimético coexiste con el ingenio de la fantasía. Y es precisamente en su mundo fileteado donde el acanto espiralado soporta sin problemas al carro que el lechero bonaerense dejó solo para llevar a cabo su reparto.

De su tarea nos informa el texto en esgróstica que acompaña tanto al carro como al filete: "Con el candil apagado no hay negra que sea fea." Pero, ¿a quién pertenece tamaña sabiduría sino al mismísimo lechero? Porque sabido es que en el filete porteño por regla general es el dueño del vehículo quien le proporciona el lema al artista. Curiosamente, en la sugestiva obra de Menasché reina la claridad. Con el candil seguramente ya apagado en 2007 (que es cuando se pintó este trabajo) y hoy a plena luz matinal, uno no puede dejar de preguntarse: ¿qué pinta tendría ahora la negra en cuestión?

Mientras que la pinta de la negra no puede ser sino asunto de especulación (y acaso acalorado debate), muy distinto es el caso de don Timoteo Gordillo, a quien en 2010 retrató Menasché en apaisada pintura mural y con todas las de la ley. Se trata de una composición simétrica, presidida por un retrato oval flanqueado por paisajes rurales y custodiado por heráldicos seres fantásticos. El retratado nos observa y nosotros observamos a sus custodios, cuyos orígenes se remontan al Estilo Fantasía de la Antigüedad. Fue entonces que críticos de la talla de un Horacio o de un Vitruvio criticaron a los plásticos de su época por abandonar las imágenes que reflejaban el mundo real para dedicarse con esmero a pintar seres fabricados por los caprichos de su propia imaginación. Según Horacio imprudente era el cruzar serpientes con aves (Ars Poetica). Según Vitruvio, los bicharracos en cuestión simplemente no eran, no serían ni jamás habrían sido (De Architectura). Pero, por supuesto, los pintores no se inhibieron por tales comentarios e hicieron lo que que se les dió la reverendísima gana. Empezando por Fabullus que fileteó sin asco la Domus Aurea de Nerón, llenándola de insuperables caprichos y hasta Menasché que le sigue dando duro al filete hasta el día de hoy, ahora sí, ya bien entrados nos en el XXI. Y, reconózcanselos, pues son los suyos extraordinarios bicharracos.

Porque, a decir verdad, los guardianes del retrato de Gordillo podrían bien descender de la Quimera de Arezzo,[1] ese fabuloso híbrido animal en el que se combinan partes de león, cabra y serpiente. Claro que Menasché parece haberles impuesto un aggiornamento un tanto drástico, posiblemente para adaptarlos a una Argentina hoy ya rumbo al Tricentenario. Así, el león quedó león pero con melena de acanto, la cabra se volvió caballito criollo, y la serpiente pasó a ser una rara mezcla de delfín trucho y distinguida mojarra riachuelense. No obstante, y pese a todo el suflé, reina la simetría, siendo también ella quien reaparece en Tangozando.

Sorprendente danza es la desplegada entre firuletes, cintas y pajaritos. Argentinísimo el asunto del tango. Y además como Dios manda: a calzón quitado. A calzón, a sombrero no. La cosa está fuerte. Bien empulpadita ella y él sabe como agarrala. Es Tangozando. Claro que también goza quien percibe el suculento bifacho central y la ensalada completa que los circunda. Una vez más la realidad viene acompañada de un marco de prestigiosa fantasía. En este sentido, Menasché descolla. No trata lo familiar vuelto inquietante sino que a lo inquietante lo torna él familiar. Tal idea se da particularmente en su serie de trabajos en pequeño formato de 2010: en ellos el pintor representa formas caprichosas y antinaturales en términos tradicionales.

Ornamentales y aludiendo a seres vivos de naturaleza extraordinaria, los firuletes de Menasché son articulados como interesantes juegos de curvas y contracurvas. Y una forma espiralada suele encontrar su complemento en otra, que es contra-espiralada. La imaginería del fileteador es en este caso orgánica y sugiere plantas y animales. Tal como sucede con las flores y los pajaritos, los cielos pintados por Menasché son de corte realista, indudablemente distinto del Estilo Fantasía que caracteriza a los sofisticados protagonistas de estas pequeñas obras. Se trata de figuras artificiales. Estilizadas, las figuras son desde el punto de vista de lo imaginario deliciosas fabricaciones artísticas. Pero, de ser consideradas como reales, se volverían inquietantes aberraciones genéticas.

Algunas de ellas son híbridas y sugieren de la cruza de reinos que en la Naturaleza permancen siempre estrictamente separados. Ello ocurre cuando, por ejemplo, una enrulada configuración vegetal adquiere por culminación el aspecto de un equino (Nos. 3, 7-8). Sogni dei pintori era la expresión empleada durante el Renacimiento italiano para referirse a los motivos híbridos que eran un poco juguetones y otro tanto desaforados. Por supuesto, es en este sentido en particular que el arte de Menasché recuerda al desarrollado por Rafael de Urbino y Giovanni da Udine en la Logias vaticanas. Memorables ambos, tanto por su originalidad como por su doble-filo. Hablamos entonces de un fascinate asunto grutesco,[2] asunto que entra dentro de los alcances de lo grotesco (entendido ahora como categoría estética).[3]

"Sacudile tu firulete" exige una imponente milonga ya desde 1958.[4] Con sus trabajos en pequeño formato, Menasché cumple este requisito al pie de la letra y en su quehacer, además, se destaca.

¿Quién fue el raro bicho que te ha dicho, che pebete, que pasó el tiempo del firulete? Con Menasché, el tiempo del firulete evidentemente es el de hoy y, de ser necesario dejar que el corazón hiciera lo suyo,[5] aclaremos entonces que, querendones, los criollitos arabescos de Menasché pertenecen a aquellos que suelen quedar bordados en el alma.[6]

Mariano Akerman

1. Ugo Bardi, The Chimaera of Arezzo (1997), revised 2002. Acerca de la sugestividad de esta "obra abierta, que sugiere una presencia exterior sin mostrarla de hecho," véase Raúl Gómez Rioja, Quimera de Arezzo, Arte-Historia (24.2.2011)
2. Se llama grutesco (del italiano grotta, gruta) al adorno caprichoso de bichos, sabandijas, quimeras y follajes, llamado así por imitar a aquellos que se encontraron en las grutas artificiales o ruinas de palacios de la antigua Roma. Los grutescos empleados desde el Renacimiento se hallan inspirados por los motivos de las pinturas descubiertas en grutas subterráneas de la Antigüedad, principalmente en la Domus Aurea de Nerón en Roma. El hallazgo de ese edificio con salas abovedadas (que habían permanecido sepultadas unos diez siglos) reveló complejos motivos murales que interesaron a pintores tales como Ghirlandaio y Rafael. El grutesco es un motivo decorativo a base de seres fantásticos, vegetales y animales, complejamente enlazados y combinados formando un todo. Giorgio Vasari explica en el siglo XVI que "los grutescos son una clase de pintura libre y divertida inventada en la Antigüedad para decorar los muros donde únicamente se podían situar formas suspendidas en el aire. En ellas, los artistas representaban deformidades monstruosas, hijas del capricho de la naturaleza o de la extravagante fantasía de los pintores: inventaban esas formas fuera de toda regla, colgaban de un hilo muy delgado un peso que jamás podría ser soportado, transformaban en hojas las patas de un caballo y las piernas de un hombre en patas de grulla, pintaban también gran cantidad de diabluras y extravagancias. El que tenía la imaginación más desbordante parecía ser el más capacitado. Después se introdujeron las reglas y se limitó la maravilla a los frisos y a los compartimentos a decorar" (Introducción técnica, capítulo 14; Diccionario Enciclopédico Hispano-Americano, 1892).
3. Mariano Akerman, De la gruta a lo grotesco, Knol, 10.5.2009.
4. El firulete, letra original de Rodolfo Taboada y música de Mariano Mores. El tango ha sido interpretado por importantes cantores, pero la versión más famosa es la del uruguayo Julio Sosa, quien lo convirtió en un clásico. La letra de Taboada alude al lugar del tango frente a otras tendencias novedosas de la época, tales como el twist, que amenaza entonces con desplazar al tango de su lugar de hegemonía en la cultura rioplatense. Es por eso que en lo que a tango se refiere, El firulete es en esencia una milonga reivindicativa (Planet Tango, 2006; Zorzal Criollo, 2008).
5. Al preguntársele a Menasché cuál es su mensaje, el pintor responde: "Deja al corazón hacer su trabajo" (entrevista).
6. Tal como sucede con el trabajo de Elvio Gervasi, colega suyo que también desarrolla interesantísimas figuras mixtas.

Ilustraciones, por orden de aparición
1. Sergio Menasché, Con el candil apagado no hay negra que sea fea, filete porteño, 2006-7. Esmalte y acrílico sobre hardboard, 60 x 40 cm. Colección Alberto Malovrh
2. Menasché, Timoteo Gordillo, retrato con fileteado porteño, 2010. Mural, óleo y esmalte sintético sobre metal, 122 x 244 cm. Foro de la Memoria, Mataderos, Buenos Aires
3. Escultura etrusca, Quimera de Arezzo, bronce, 380-360 BCE. Museo Archeologico Nazionale, Florencia
4. Menasché, Tangozando, filete porteño, 2005. Óleo y esmalte sintético sobre hardboard, 30 x 40 cm. Colección privada, Chile
5. Menasché, Filetes porteños, 2010. Serie en pequeño formato. Acrílico y óleo sobre hardboard, cada unidad 13 x 9 cm. Colección privada, Buenos Aires
6. Ídem., lámina analítica por Mariano Akerman
7. Ídem.

Trabajos reproducidos en el Imaginarium con el consentimiento del pintor © Sergio Menasché, con galería en Artelista.


Viva la Mezcla

Roman mosaic from Carthage, Tunisia. Bardo Museum, Tunis

Ibid., detail (David Simmer)

Gothic manuscript illumination. Zebo da Firenze: Grotesque Flutist. Oxford, Bodleian Library, MS Douce 144, France, 1408, fol. 28v

Giovannino de Grassi, Gothic letters after a model book c. 1390, oil painting. Biblioteca Civica, Bergamo

Woodcut Initial "L" from Les Contenances de la table: petit traité des manières de table à l'usage des enfants, Lyon, c. 1490-1500, f. 2. Ref. booklet with instructions on table manners for children.

Majolica Dish with Grotesques in Raphael's manner (Piatto a raffaellesche), Faenza, 16th century. Museo internazionale delle ceramiche, Faenza

Italian Renaissance pilaster with grotteschi, candelabrum arrangement. Chiesa Madre di Erice, Sicilia (geo8_ipernity)

Giorgio Andreoli, Dish with Grotesques (Piatto a grottesche), maiolica, Gubbio, c. 1525. Museo internazionale delle ceramiche, Faenza

Enea Vico, Design for an Amphora, engraving, 1543

Italian Renaissance Dish with Candelabrum and Grotesques (Piatto con candelabre e grottesche). Ceramic. Museo Estense, Modena

Daniel Hopfer, Ornamental fillet with grotesques, engraving, c. 1530

Claude Paradin, "In Utrumque Paratus," emblem from Devises héroïques (1551), Lyon, 1557. Division of Rare and Manuscript Collections, Cornell University Library. One hand holds a sword, the other a trowel; the motto, In Utrumque Paratus, means "Ready for both." In emulation of the Kings of Israel in the Bible, modern Kings must be both warriors destroying enemies of their nation, as well as builders who regenerate and embellish their realm (Warriors and Builders: The Valois Kings as Patrons).

Joos van Craesbeeck, The Temptation of St. Anthony, 1650 (Uncultural).

Jean Le Pautre, Ornamental Hybrids, 17th century. Oeuvres d'Architecture de Jean Le Pautre, Architecte, Dessinateur & Graveur du Roi, Paris: Charles-Antoine Jombert, 1751, vol. 1 (Universitätsbibliothek Heidelberg)

Foliate grotesque. Green Man, architectural detail, c. 19th century. British Columbia, Canada (Amie Roman).

Grotesque. Biltmore House, Asheville, NC., 19th century

Marre Moerel, Transfigurations, porcelain, 2008. From left to right and top to bottom: Bitch in Heat, Geb the Great Cackler, Son of Sphinx, Sexy Beast, El niño elefante (The Elephant Child), and Chicken Boy Grew an Arm (Delicate Monstrosities).

Dan Hillier, Lovers, Mother, Weird Uncle Peter, Child, and Father, etching collage, 2006-10 (Boingboing, Null, Precursor, Randomindex, Zoodisk)

Ibid., Icarus, remixed woodcut, 2010 (Boingboing)

Alfred Kubin, Every Night We are Haunted by a Dream (Jede Nacht besucht uns ein Traum), ink and wash, c. 1901-3 (New York Times; see also Mapping the Shadowy Corners of the Subconscious).

Tree-Man, digital image, 2008 (HD India)
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