tag:blogger.com,1999:blog-62324449328513460452024-03-05T11:32:25.200-03:00ImaginariumThe fictitious image entails its own truth. Giordano Brunoakermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.comBlogger166125tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-58309578521539840812018-02-02T16:16:00.000-03:002018-02-02T19:01:19.155-03:00Sherlock Holmes: Grotesque<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-PNbkZiCOGX8/WnS3sk0ZbwI/AAAAAAAA0oQ/8tv_MmBaOvo01m4huyPZgg5JjwSsRHVQQCLcBGAs/s1600/Wisteria_Lodge.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="764" data-original-width="1020" height="300" src="https://2.bp.blogspot.com/-PNbkZiCOGX8/WnS3sk0ZbwI/AAAAAAAA0oQ/8tv_MmBaOvo01m4huyPZgg5JjwSsRHVQQCLcBGAs/s400/Wisteria_Lodge.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div style="text-align: justify;">Arthur Conan Doyle, <i>The Adventure of Wisteria Lodge</i>, 1908: *The Singular Experience of Mr. John Scott Eccles*<br />
<br />
"I suppose, Watson, we must look upon you as a man of letters," said he. "How do you define the word 'grotesque'?" <br />
"Strange--remarkable," I suggested. <br />
He shook his head at my definition.<br />
"There is surely something more than that," said he; "some underlying suggestion of the tragic and the terrible. If you cast your mind back to some of those narratives with which you have been afflicted a long-suffering public, you will recognize how often the grotesque has deepened into the criminal. Think of that little affair of the red-haired men. That was grotesque enough in the outset, and yet it ended in a desperate attempt at robbery. Or, again, there was that most grotesque affair of the five orange pips, which led straight to a murderous conspiracy. The word puts me on the alert."<br />
"Have you it there?" I asked.<br />
He read the telegram aloud.<br />
"Have just had most incredible and grotesque experience. May I consult you? - Scott Eccles, Post-Office, Charing Cross."<br />
<br />
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="180" src="https://www.youtube.com/embed/SKMiZJA-dec?rel=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<a href="https://www.arthur-conan-doyle.com/index.php?title=The_Adventure_of_Wisteria_Lodge">Doyle Encyclopedia: The Adventure of Wisteria Lodge</a><br />
<br />
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="180" src="https://www.youtube.com/embed/NNp3DmO4cpM?rel=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
Imagino, Watson que podríamos considerale a usted un hombre de letras. <br />
¿Cómo definiría usted la palabra ‘grotesco’?<br />
¿Grotesco? Pues, raro, chocante.<br />
No, no, no. Creo que abarca algo más. Subyace una idea de algo trágico, terrible.<br />
Si repasa los relatos con los que ha martirizado tanto a un público por demás paciente vera con frecuencia que la palabra grotesco es sinónima de criminal.<br />
Holmes, me habla del caso de los pelirrojos. Su inicio fue muy grotesco. O más grotesco aún, las semillas de naranja.<br />
Que acabo con varias vidas. Es esa palabra: me pone alerta.<br />
¿Esta es la lista?<br />
"He tenido una experiencia muy grotesca e increíble. ¿Puedo consultarle? -Scott Eccles, Oficina de Correos de Charing Cross."<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-1JFXfb8bJ24/WnTZ0wshz8I/AAAAAAAA0oc/alZ6Y9TLK48ZoxQ2UXRBwynKdANkG8TSQCLcBGAs/s1600/Holmes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="655" data-original-width="1006" height="260" src="https://4.bp.blogspot.com/-1JFXfb8bJ24/WnTZ0wshz8I/AAAAAAAA0oc/alZ6Y9TLK48ZoxQ2UXRBwynKdANkG8TSQCLcBGAs/s400/Holmes.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sherlock Holmes on the notion of <i>grotesque</i><br />
Jeremy Brett, 1988</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-GRqZRhztNzs/WnTdzhGT4sI/AAAAAAAA0oo/Hs6XxuSM0pAKo4CRJaZ7JWaCl_Zl75GugCLcBGAs/s1600/A_Face.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="506" data-original-width="441" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-GRqZRhztNzs/WnTdzhGT4sI/AAAAAAAA0oo/Hs6XxuSM0pAKo4CRJaZ7JWaCl_Zl75GugCLcBGAs/s400/A_Face.jpg" width="349" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">There was a face looking in at me through the lower panel<br />
<i>The Adventure of Wisteria Lodge</i><br />
Illustration by Arthur Twidle, 1908</td></tr>
</tbody></table><br />
Doyle, <i>The Hound of the Baskervilles</i>, 1901, Chapter 15: A Retrospection<br />
<br />
The more <i>outré</i> and grotesque an incident is the more carefully it deserves to be examined, and the very point which appears to complicate a case is, when duly considered and scientifically handled, the one which is most likely to elucidate it.<br />
<br />
<iframe allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" height="180" src="https://www.youtube.com/embed/fYqWjuLTVXE?rel=0&showinfo=0" width="425"></iframe><a href="https://www.arthur-conan-doyle.com/index.php/The_Hound_of_the_Baskervilles#Chapter_15_:_A_Retrospection"><br />
Doyle Encyclopedia: The Hound of the Baskervilles</a></div><br />
akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-81609766303834081562018-01-27T06:40:00.002-03:002018-02-06T04:01:18.484-03:00Fin de Siècle<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj4NLYVq8int_wWrN1En59ljdMM1RVGAqX3OK7Jommjjn0TwVScAADL2OmcF3JaqWtY8A6M3Bm4dx_j6T8gyVFPknvSLatGBPuqlQQAZ5uL7DifL19HzVT5Np5ObSmeVuWoVfzEXyazFs/s1600/1874_Whistler_Nocturne_in_black_and_gold.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="767" data-original-width="577" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj4NLYVq8int_wWrN1En59ljdMM1RVGAqX3OK7Jommjjn0TwVScAADL2OmcF3JaqWtY8A6M3Bm4dx_j6T8gyVFPknvSLatGBPuqlQQAZ5uL7DifL19HzVT5Np5ObSmeVuWoVfzEXyazFs/s400/1874_Whistler_Nocturne_in_black_and_gold.jpg" width="301" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">James Abbott McNeill Whistler, <i>Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket</i>, 1874. Oil on canvas, 60.3 × 46.4 cm. Detroit Institute of Arts</td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;">James Abbot McNeill Whistler. […] Wit, dandy and aesthete, he provoked outrage and astonishment in […] Victorian art and society. […] His musical titles – Symphony, Arrangement and later the famous Nocturnes – stress his notion of the harmonics of tone, colour and line – the equivalent of a kind of mood music. […] In spite of his emphasis […] on purely formal values, and elsewhere in his work on instantaneity, Whistler was never really at one with Impressionist theory or practice: he was essentially subjective rather than objectively descriptive. […] His confrontation with established British art and the public came to a climax in 1876 with the exhibition in London of Nocturne in Black and Gold: Falling Rocket. Painted about 1874, it is a lyrical exclamation of delight at the effect of fireworks, raining coloured fire through the night at a display in a London pleasure garden. The English critic John Ruskin was revolted by it, for reasons that are not entirely clear. […] Ruskin in a famous article denounced Whistler for flinging “a pot of paint … in the public’s face”. [… Yet, Whistler] was a pioneer in simplification, sweeping out Victorian clutter, using clear and plain colours. | In Whistler’s words, “The masterpiece should appear as the flower to the painter … with no reason to explain its presence – a joy to the artist.” Aestheticism had no room for art expressing the goodness of Nature, as Ruskin saw it (David Piper, <i>The Illustrated History of Art</i>, London: Bounty Books, 2004, pp. 344-45).<br />
<br />
It was the lack of interest in the subject matter, the freedom of the handling of paint, and the lack of 'realistic' description that enraged Ruskin; Whistler's evidently rapid method of painting also conflicted with the Victorian ideal of hard and painstaking work (Norman Reid, <i>The Tate Gallery: An Illustrated Companion</i>, London: Tate Gallery, 1979, p. 62).<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-gGv_J2UyiT4/WmxIHSaXbxI/AAAAAAAA0l8/aweFQxNc0B8haauu0zbb8UAAKdmKuxDOACLcBGAs/s1600/1882%2BF%25C3%25A9licien_Rops_Les_Sataniques_Satan_semant_l%2527ivraie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="531" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-gGv_J2UyiT4/WmxIHSaXbxI/AAAAAAAA0l8/aweFQxNc0B8haauu0zbb8UAAKdmKuxDOACLcBGAs/s400/1882%2BF%25C3%25A9licien_Rops_Les_Sataniques_Satan_semant_l%2527ivraie.jpg" width="276" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Félicien Rops, <i>Les Sataniques: Satan semant l'ivraie</i>, 1882. Acquatint, 25.7 × 18 cm. Musée provincial Félicien Rops, Namur</td></tr>
</tbody></table><br />
"To clothe the idea in perceptible form," proposed the poet Jean Moreas in his 1886 "Manifesto of Symbolism". It was in France and Belgium, the cradles of literary Symbolism, that Symbolist painting was born. It plunged headlong into the cultural space opened up by the poetry of Baudelaire and Mallarmé and by the operas of Wagner. Symbolist painters sought not to represent appearances but to express "the Idea," and the imaginary therefore plays an important part in their work. "Dream" was their credo; they execrated, with a fanatical hatred, impressionism, realism, naturalism, and the scientistic. The main principle of Symbolism, that of "correspondences," was to attain harmony between all the different arts, or even to realise the total work of art (Gesamtkunstwerk) that Wagner had dreamt of creating. What we rediscover today, after a period of neglect, is this: Symbolist painting is essential to our understanding of modern art, not only because it spread across the world like wildfire, creating disciples from Russia to the United States, from Northern Europe to the Mediterranean, but because it was the source of a series of mutations without which modern art would not be what it is (Michael Gibson, <i>Symbolism</i>, 1997).<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-QEYeOx9Krek/WmxLabIN3lI/AAAAAAAA0mI/4QcnaYWSwTYIK7erFgtRkqDIHu3y_mQIwCLcBGAs/s1600/1883_Redon_Fleur.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="708" data-original-width="564" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-QEYeOx9Krek/WmxLabIN3lI/AAAAAAAA0mI/4QcnaYWSwTYIK7erFgtRkqDIHu3y_mQIwCLcBGAs/s400/1883_Redon_Fleur.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Odilon Redon, <i>There was perhaps a first vision attempted in the flower</i> (Il y eut peut-être une vision première essayée dans la fleur), 1883. Lithograph. National Gallery of Art, Washington DC </td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTUgichsA_HGiWkYqvDHNUFnTSDfyPcAgTqBehWLr1yjD2qZHnUcemjJgS7z_ldCsueHZ96YXMu78qbHmTLSa-s7vFJaRyw2TPqrdPXauldxurHK5suEX249pK47eJszmanr5vxSUpo6o/s1600/Redon_Cyclops.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1033" data-original-width="806" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTUgichsA_HGiWkYqvDHNUFnTSDfyPcAgTqBehWLr1yjD2qZHnUcemjJgS7z_ldCsueHZ96YXMu78qbHmTLSa-s7vFJaRyw2TPqrdPXauldxurHK5suEX249pK47eJszmanr5vxSUpo6o/s400/Redon_Cyclops.jpg" width="312" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Odilon Redon, <i><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/The_Cyclops_(Redon)" target="_blank">The Cyclops</a></i>, c. 1898-1914. Oil on board, 65.8 × 52.7 cm. Kröller-Müller Museum, Otterlo</td></tr>
</tbody></table><br />
A la fin de sa vie, Odilon Redon ajoute à son iconographie des sujets tirés de la mythologie grecque. Il représente ainsi <i>La naissance de Vénus</i> ou <i>Le char d’Apollon</i>, visions optimistes célébrant la beauté de la création.<br />
Dans <i>Le Cyclope</i>, il choisit un sujet plus sombre inspiré des Métamorphoses d’Ovide : le cyclope Polyphème était tombé amoureux de Galatée, mais la nymphe de la mer aimait Acis. Les découvrant ensemble, le cyclope écrasa Acis sous un rocher. Dans le tableau, ce dernier est représenté en bas à droite de la composition, à peine discernable. La belle Galatée se cache dans la végétation, non loin du corps de son amant, tandis que Pylophème la recherche de son œil gigantesque.<br />
Redon retrouve ici plusieurs ressorts de ses œuvres de jeunesse : la vision effrayante, les êtres hybrides ou monstrueux – il a déjà utilisé le motif du cyclope, mais souriant, dans une lithographie de l’album Les Origines en 1883 –, le paysage montagneux. La silhouette gigantesque et effrayante surgissant d’entre les montagnes évoque aussi une œuvre de Francisco de Goya, <i>Le Géant</i> de 1818. Redon avait dédié en 1885 un album à l’artiste espagnol, son devancier dans la gravure fantastique.<br />
Au point de vue de la thématique, Redon renoue donc avec ses amours de jeunesse, en les alliant à son goût nouveau pour la mythologie grecque. Le traitement quant à lui utilise toutes les ressources de la fin de son œuvre : les touches associent subtilement des coloris variés, et le rendu de texture presque minéral souligne la matérialité de la peinture (<a href="https://www.cineclubdecaen.com/peinture/peintres/redon/cyclope.htm">Cécile Thézelais</a>).<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-3nIz7trsbnc/WmxXuw8GQxI/AAAAAAAA0nM/-kkyJbZl-OMWva2Da_KfJvGMvhD5-bf9wCLcBGAs/s1600/1886_Watts_Hope.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1268" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-3nIz7trsbnc/WmxXuw8GQxI/AAAAAAAA0nM/-kkyJbZl-OMWva2Da_KfJvGMvhD5-bf9wCLcBGAs/s400/1886_Watts_Hope.jpg" width="317" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">George Frederic Watts and assistants, <i>Hope</i>, 1886. Oil on canvas, 142.2 x 111.8 cm. <a href="http://www.tate.org.uk/art/artworks/watts-hope-n01640">Tate Gallery, London</a> (<a href="http://www.tate.org.uk/art/research-publications/the-sublime/george-frederic-watts-hope-r1105604">Nigel Llewellyn & Christine Riding</a>).</td></tr>
</tbody></table><br />
Artistically ambitious was 'England's Michelangelo', George Frederic Watts. […] His most famous painting, <i><a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Hope_(painting)" target="_blank">Hope</a></i>, which has been almost always on public exhibition since Watts himself presented to the Tate [Gallery] in 1897, reveals an aspect of his work other than the grandeur of Renaissance art, an aspect modern critics have compared with the Symbolism of his contemporaries in France and Belgium. The emotional intensity and self-conscious meaningfulness of Hope certainly go beyond the range of the academic grand manner (Norman Reid, <i>The Tate Gallery: An Illustrated Companion</i>, London: Tate Gallery, 1979, p. 60).<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-OvcVRXz0dwM/Wmy0mP_t8OI/AAAAAAAA0n0/pu-FhROMcdk5T-hBYk78_cn50A8qa_bVwCLcBGAs/s1600/1889_Gauguin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="767" data-original-width="493" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-OvcVRXz0dwM/Wmy0mP_t8OI/AAAAAAAA0n0/pu-FhROMcdk5T-hBYk78_cn50A8qa_bVwCLcBGAs/s400/1889_Gauguin.jpg" width="257" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paul Gauguin, <i>Self-Portrait with Halo and Snake</i>, 1889. Oil on canvas, 79 x 51 cm.<br />
National Gallery of Art, Washington DC</td></tr>
</tbody></table><br />
First used in reference to literature, the term <i>symbolism</i> appear no latter than 1886, when the writer Jean-Moréas published a Symbolist manifesto in <i>Le Figaro littéraire</i>. Moréas identified a new sensibility in music and literature that rejected the everyday, contemporary world explored by Realism in favor of timeless reveries and myths. The critic Georges Albert Aurier applied this perspective to the visual arts in an article in the <i>Mercure de France</i> of March 1891, in which he identified Paul Gauguin as the pioneer Symbolist. Although other terms such as Synthetism, Cloisonism, and Nabis were already in use, the more embracing Symbolism has become a blanket term for such subjective, anti-Realist tendencies in art and literature at the end of the nineteenth century.<br />
Symbolism is more an approach or attitude than a recognizable style. It is grounded in the Romantic tradition of the early nineteenth century and shares with that sensibility an interest in the exotic, the "primitive," and the otherworldly. […] The titles of haunting Symbolist allegories by the painters Edvard Munch and Gauguin—<i>The Dance of Life</i> (1900) and <i>Where Do We Come From? What Are We? Where are We Going?</i> (1897), respectively—communicate the introspective mind-set of […] many artists of the day.<br />
Symbolism's emphasis on interior states was a reaction against the philosophical positivism, rapid industrialization, and increasing secularism of the nineteenth century. Nontraditional forms of spiritualism proliferated. The metaphysical Rosicrucian fraternity of Paris, for instance, staged annual saloons between 1892 and 1897 that showcased the most subjective Symbolist art, such as Fernand Khnopff's <i>I Lock the Door upon Myself </i>(1891) […]. <br />
The role of dreams was also central to Symbolism. Although Sigmund Freud had begun his pioneering exploration of the unconscious by the 1890s, his work was not widely known at the turn of the century (Robert Atkins, <i>Art Spoke</i>, New York: Abbeville, 1993, pp. 205-6).<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-VmWq0iiSZZM/Wmyr0qVnCDI/AAAAAAAA0ng/-Bw2hW4i-BoUDpjs9AqdX-uZb0imBOfvACLcBGAs/s1600/1892_Maurice_%2BDenis_April.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="726" data-original-width="1200" height="242" src="https://2.bp.blogspot.com/-VmWq0iiSZZM/Wmyr0qVnCDI/AAAAAAAA0ng/-Bw2hW4i-BoUDpjs9AqdX-uZb0imBOfvACLcBGAs/s400/1892_Maurice_%2BDenis_April.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Maurice Denis, <i>April</i>, 1892. Panel. Kröller-Müller Museum, Otterlo</td></tr>
</tbody></table><br />
The phrase <i>l'art pour l'art</i> (Fr. "art for art's sake") was coined by French philosopher Victor Cousin in 1818. It referred to the belief that art need to serve no moral or social purpose, or—as […] Whistler put it later in the century—that art "should stand alone and appeal to the artistic sense of eye and ear without confounding this with emotions entirely foreign to it, as devotion, pity, love, patriotism and the like." […] Art for art's sake ultimately derives from the eighteenth-century German philosopher Immanuel Kant, whose conviction that art was to be judged by its own standards was taken up by such French critics of the mid-nineteenth century as Théophile Gautier. The most complete expression of the attitude is the Symbolist artist's withdrawal from the world in pursuit of a subjective, even mystical, vision. The Nabi artist Maurice Denis's dictum that "a picture—before being a war horse, a female nude, or some anecdote—is essentially a flat surface covered with colors assembled in a particular order" translated that subjectivity into formal terms. [… An] exaggerated cult of beauty and aestheticism […] sprang up in London during the last quarter of the nineteenth century […; such] attitude was known as Aestheticism, and its exemplars were sometimes referred to as Aesthetics or even Decadents (Robert Atkins, <i>Art Spoke</i>, New York: Abbeville, 1993, p. 62). <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-HgCOz6lsUlc/WmxTy0hpA4I/AAAAAAAA0nA/MI0tbznm7lQCM-VXgNmfxVZVKNZmlokXACLcBGAs/s1600/1893_Lautrec_jardin_de_paris.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1096" data-original-width="784" height="400" src="https://4.bp.blogspot.com/-HgCOz6lsUlc/WmxTy0hpA4I/AAAAAAAA0nA/MI0tbznm7lQCM-VXgNmfxVZVKNZmlokXACLcBGAs/s400/1893_Lautrec_jardin_de_paris.jpg" width="286" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Henri de Toulouse-Lautrec, <i>Jane Avril au Jardin de Paris</i>, 1893. Poster, 130 × 95 cm. <a href="http://collections.vam.ac.uk/item/O80097/jane-avril-au-jardin-de-poster-toulouse-lautrec-henri/">V&A, London</a>; <a href="https://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/32.88.15/">MET, NY</a></td></tr>
</tbody></table><br />
Art Nouveau. S. Bing's shop L'Art Nouveau […], which opened in Paris in 1895, is the source of the name for this distinctive style of late-nineteenth century architecture, design, and art. The style itself, however, originated more than a decade earlier, and by the end of the century it boasted a multitude of names. […] Art Nouveau works are characterized by the use of organic imagery, emphasis on sinuous line, and union of ornament and structure. […] Art Nouveau's radical accomplishment was its rejection of Academic revivalism that dominated nineteenth-century art and design. Its sources are nonetheless eclectic: elements from the slightly earlier British Arts and Crafts movement, Symbolism, and Japonisme were seasoned with dashes of the past dating back to ancient Egypt and eighteenth-century rococo. An erotic undercurrent is also common. […]<br />
Art Nouveau is a term usually applied only to design and architecture, but it is impossible to understand art by Aubrey Beardsley, Paul Gauguin, Gustav Klimt, Edvard Munch, and Henri de Toulouse-Lautrec, among many others, without taking it into account (Robert Atkins, <i>Art Spoke</i>, New York: Abbeville, 1993, pp. 63-64). <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-_PCwI7-bDhk/WmxQ9nm338I/AAAAAAAA0mo/-iiaDnisNSYy9JCr2WPzrUtQdxUjb2omACLcBGAs/s1600/1894_beardsley_the_climax.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="912" height="400" src="https://4.bp.blogspot.com/-_PCwI7-bDhk/WmxQ9nm338I/AAAAAAAA0mo/-iiaDnisNSYy9JCr2WPzrUtQdxUjb2omACLcBGAs/s400/1894_beardsley_the_climax.jpg" width="285" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Aubrey Beardsley, <i>The Climax</i>, 1894. Print, 34.3 x 27.3 cm. <a href="http://collections.vam.ac.uk/item/O187319/the-climax-print-beardsley-aubrey-vincent/">V&A, London</a></td></tr>
</tbody></table><br />
The concept of the dandy emerged in London during the first quarter of the nineteenth century. […] It soon became associated not just with dress and manners but with a system of values that prized artificiality, self-consciousness, and disdain for bourgeois properties––expressed through satirical wit, intellectual skepticism, and a withdrawal from conventional politics. Dandyism both rejected the traditional idea that art imitates nature and the […] charitable preoccupations of the Victorian era. Its emphasis on amorality, play, and art offered an escape from the social problems caused by the squalid new world of industrialism. [… In] mid-nineteenth century […], the term <i>dandy</i> became linked with the idea of art for art's sake. The height of dandyism in art occurred at the end of the nineteenth century, when some artists and writers began to see themselves as a virtual extension of their art […]. Detachment, irony, and artifice characterized their efforts. The mannered poses and brittle wit of the circle surrounding the writer Oscar Wilde and the artist Aubrey Beardsley in London constitute [an] example [… of this]. | Dandyism is an attitude rather than a style. […] Dandyism's legacy in modern art was a sense of often-narcissistic playfulness that challenged the traditional understanding of art making as an invariably serious endeavor (Robert Atkins, <i>Art Spoke</i>, New York: Abbeville, 1993, pp. 90-91).</div><br />
<br />
<br />
Resources: <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/James_McNeill_Whistler">Whistler</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Works_by_F%C3%A9licien_Rops">Rops</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Odilon_Redon">Redon</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:George_Frederic_Watts">Watts</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Works_by_Paul_Gauguin">Gauguin</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paintings_and_art_works_by_Maurice_Denis">Denis</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Henri_de_Toulouse-Lautrec">Toulouse-Lautrec</a>, <a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Aubrey_Beardsley">Beardsley</a><br />
<br />
Delville<br />
Hodler<br />
Khnopff<br />
Klinger<br />
Munch<br />
Toorop<br />
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akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-29396960365456999492017-10-18T11:37:00.002-03:002017-10-19T04:03:15.654-03:00Library Research<br />
<a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/23922012198/in/datetaken-public/" title="monkeys_as_judges"><img alt="monkeys_as_judges" height="425" src="https://farm5.staticflickr.com/4471/23922012198_084575ce2f.jpg" width="425" /></a><br />
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Ferrante, Luigi. <i>Teatro italiano grottesco</i>. Bologna: Cappelli, 1964.<br />
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PQ 6086 M65 2009<br />
Insúa-Cereceda, Mariela, and Peres, Lygia. <i>Monstruos y prodigios en la literatura hispánica</i>. Madrid: Iberoamericana, 2009.<br />
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N 6310 B19<br />
Baltrusaitis, Jurgis. <i>Réveils et prodiges : le gothique fantastique</i>. Paris: Armand Colin, 1960.<br />
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N 6555 R64<br />
Rodríguez Prampolini, Ida. <i>El surrealismo y el arte fantástico de México</i>, 2nd. ed., México: Universidad Nacional Autónoma de México, Instituto de Investigaciones Estéticas, 1983.<br />
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N 8217 G8 C3<br />
Caillois, Roger. <i>Au coeur du Fantastique</i>. Paris: Gallimard, 1965.<br />
<br />
N 8217 G8 C66 2014<br />
Connelly Frances S., <i>The Grotesque in Western Art and Culture: The Image at Pla</i>y, Cambridge y Nueva York: Cambridge UP, 2012.<br />
1. Introduction: entering the Spielraum<br />
2. Improvisation <br />
I: grottesche<br />
3. Improvisation <br />
II: arabesques <br />
4. Subversion: the carnivalesque body <br />
5. Trauma: the failure of representation <br />
6. Revelation: profound play<br />
This book establishes a fresh and expansive view of the grotesque in Western art and culture, from 1500 to the present day. Following the non-linear evolution of the grotesque, Frances S. Connelly analyzes key works, situating them within their immediate social and cultural contexts, as well as their place in the historical tradition. By taking a long historical view, the book reveals the grotesque to be a complex and continuous tradition comprised of several distinct strands: the ornamental, the carnivalesque and caricatural, the traumatic, and the profound. The book articulates a model for understanding the grotesque as a rupture of cultural boundaries that compromises and contradicts accepted realities. Connelly demonstrates that the grotesque is more than a style, genre, or subject; it is a cultural phenomenon engaging the central concerns of the humanistic debate today. Hybrid, ambivalent, and changeful, the grotesque is a shaping force in the modern era.<br />
<br />
N 8217 G8 D3<br />
Daniel, Howard. <i>Devils, Monsters, and Nightmares: An Introduction to the Grotesque and Fantastic in Art</i>. London: Abelard-Schuman, 1964.<br />
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N 8217 G8 G76 2012 <br />
Málaga, Museo Picasso, <i>The Grotesque Factor</i>, 2012-2013.<br />
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N 8217 G8 H85<br />
Hyman, Timothy, et al. <i>Carnivalesque</i>. London: Hayward Gallery, 2000.<br />
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N 8217 G8 K33<br />
Kayser, Wolfgang. <i>The Grotesque in Art and Literature</i>, translated by Ulrich Weinstein. Bloomington: Indiana UP, 1963.<br />
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N 8217 G8 K23<br />
Kayser, Wolfgang. <i>Das Groteske: Seine Gestaltung in Malerei und Dichtung</i>. Oldenburg: G. Stalling, 1957.<br />
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N 8217 G8 K235<br />
Kayser, Wolfgang. <i>Lo grotesco: su configuracion en pintura y literatura</i>. Buenos Aires: Editorial Nova, 1964.<br />
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N 8217 G8 K655 2008<br />
Kommerell, Viktor. <i>Metamorphosed Margins: The Case for a Visual Rhethoric of the Renaissance Grottesche under the Influence of Ovid's Metamorphoses</i>, 2008.<br />
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N 8217 G8 S86 2004 <br />
<i>Disparities & Deformations: Our Grotesque</i>, The Fifth International SITE Santa Fe Biennial, Santa Fe, New Mexico, 2004-2005<br />
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NA 7756 M29 W46<br />
Wengiel, Rubén. <i>The Place in between: Grotesque Characteristics and Encoded Messages in the Palazzo Te</i>.”, thesis, Hebrew University of Jerusalem, 2011.<br />
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NA 8460 C6<br />
Conrads, Ulrich, and Hans Günther Sperlich.<i> The Architecture of Fantasy: Utopian Building and Planning in Modern Times</i>. New York: F. A. Praeger, 1962.<br />
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Bridaham, Lester Burbank. <i>Gargoyles, Chimères, and the Grotesque in French Gothic Sculpture</i>, 2nd ed., rev. and enl. ed., New York: Da Capo, 1969.<br />
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NB 615 B65 2009<br />
Frommel, Sabine, et al. <i>Bomarzo: il sacro bosco</i>. Milan: Electa archittetura, 2009.<br />
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NC 242 B384 S66<br />
Snodgrass, Chris. <i>Aubrey Beardsley: Dandy of the Groteque</i>. New York: Oxford UP, 1995.<br />
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NC 257 L553 C53 2002 <br />
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Tristan, Frederick, et al. <i>Le monde a l'envers : étude et anthologie</i>. Paris: Hachette-Massin, 1980.<br />
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ND 2755 Z3513 2008<br />
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Barasch, Frances K., <i>The Grotesque: A Study in Meanings</i>, The Hague: Mouton, 1971.<br />
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<a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/23922012198/in/datetaken-public/" title="monkeys_as_judges"><img alt="monkeys_as_judges" height="425" src="https://farm5.staticflickr.com/4471/23922012198_084575ce2f.jpg" width="425" /></a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-44709362032956962922017-09-02T12:03:00.003-03:002017-10-18T10:56:43.712-03:00Définition du mot « GROTESQUE »Métamorphoses d'un terme particulier dans la langue Française<br />
<b><br />
GROTESQUE</b>. Extraordinaire <br />
1) Fantaisie, orignal, impossible, fantastique, incroyable, merveilleux, excentrique<br />
2) Aberration, chaotique, étrange, bizarre<br />
3) Burlesque, ridicule, burlesque, farce, bouffonnerie, plaisanterie, drôle, comique, clown <br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
ETYMOLOGIE<br />
<br />
<div style="text-align: justify;"><b>GROTESQUE</b>, adj. et subst.<br />
<b>Étymol. et Hist.</b> 1. 1532 subst. crotesque « ornement capricieux » (<i>Invent. de Florimond Robertet</i>, p. 31 ds Gay : Une grande cuvette [...] où sont de ces gentilles <b>crotesques</b> nouvellement inventées, qui jettent miles fleurons à petits jambages tortus); 1540-50 <i>grotesque</i> « figure caricaturale ou fantastique » (L. de Laborde, <i>Comptes des bâtiments du roi</i>, t. I, p. 191 : pourtraits en façon de <b>grotesque</b>); <b>2.</b> 1566 adj. (peinture) grotesque « (peinture) qui présente des ornements capricieux, des figures fantastiques » (Id., <i>ibid.</i>, t. II, p. 127); d'où au fig. 1636 « qui provoque le rire par son extravagance » (Corneille, <i>L'illusion comique</i>, III, 3 ds <i>Œuvres</i>, éd. ch. Marty-Laveaux, t. 2, p. 471 : Je ne suis pas d'humeur à rire tant de fois Du <b>crotesque</b> récit de vos rares exploits). Empr. à l'ital.<i>grottesca</i>, qui désigne une décoration murale très riche et fantaisiste née en Italie vers le milieu du xves., proprement « fresque de grotte », dér. de <i>grotta</i> (<i>grotte</i>*) parce qu'elle s'inspirait des décorations de la Domus Aurea de Néron qui fut découverte par des fouilles archéologiques à l'époque de la Renaissance italienne (v. Batt.; cf. B. Cellini, <i>ibid</i>. : Queste grottesche hanno acquistato questo nome dai moderni, per essersi trovate in certe caverne delle terra in Roma dagli studiosi); le subst. ital. prit au xvies. le sens de « peinture licencieuse et ridicule » (cf. Vasari, <i>ibid</i>.), d'où le sens péj. de l'adj. fr. La forme crotesque est due à l'infl. de <i>cro</i>(<i>u</i>)<i>te</i> (<i>grotte</i>*). V. Bl.-W.5; FEW t. 2, pp. 1384b-1385a; Hope, pp. 200-201.<br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
LEXICOGRAPHIE<br />
<br />
BHVF<br />
<br />
<b>grotesque</b> adj. VALEUR - TLF (crotesque), 1636, Corn. ; R, 1ère moitié du 17e, Saint-Amant ; ND4, déb. 17e ; FEW (2, 1384b), GLLF, Lex.[75], 1657, Pascal ; L, DG, cit. Pascal ; BW6, PR[77], 17e.<br />
1604 - J. Pallet, <i>Diccionario muy copioso de la lengua espanola y francesa</i> [...] <i>Dict. tresample de la langue espagnole et françoise</i>, D VI, recto a (Paris) - R. L. rom., 41, 425.<br />
<b><br />
grotesque</b> n.m. PEINT. "art des grotesques" - ø t. lex. réf. ; absent TLF.n.pl. : FEW (2, 1384b), GLLF, 1680, <i>Rich</i>. ; TLF, cit. Chateaub., 1848 ; DHR, Gautier<br />
1699 - «<i>Pierre Breugel, surnommé le</i> VIEIL BRUGLE [...]. Il se distingua particulierement pour le <b>grotesque</b>, & on peut dire qu'il a influé par succession à Callot toutes les manieres boufonnes & plaisantes, dont le genie de ce grand Homme étoit si rempli [...].» F. Le Comte, <i>Cabinet des singularitez d'architecture, peinture, sculpture et graveure</i>, II, 255 (Picart) - P.E.<br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
<b><i>Dictionnaire de l'Académie française</i>, 1e édition, 1694, p. 545</b><br />
GROTESQUE, adj. <br />
Il se dit Des figures imaginées par le caprice d'un Peintre, dont une partie représente quelque chose de naturel, & l'autre quelque chose de chimérique. <i>Figures grotesques</i>. En ce sens on l'emploie plus ordinairement au substantif, & l'on ne s'en sert guère qu'au pluriel. <i>De belles grotesques. faire des grotesques</i>. <i>C'est un excellent Peintre en grotesques<i></i></i>. Il signifie figurément, Ridicule, bizarre, extravagant. <i>Un habit grotesque. Ce discours est bien grotesque. Mine grotesque. Cet homme est bien grotesque</i>.<br />
Grotesquement. adv. D'une maniere ridicule & extravagante. <i>Vestu grotesquement. danser grotesquement</i>.<br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
<b>M. Watelet, <i>Encyclopédie, ou Dictionnaire Raisonné des Sciences, des Arts et des Métiers<i></i></i> de Diderot et d'Alembert, 1751-82, vol. 7, p. 966</b><br />
GROTESQUES, s. f. pl. (<i>Beaux - Arts</i>.) vient du mot italien <i>grotta</i>, grotte. Ce genre de sujets de peinture, que nous nommons aussi <i>ornement & arabesque</i>, a été appellé <b><i>grotesque</i></b>, parce qu'il est une imitation de certaines peintures anciennes qui ont été découvertes dans des grottes soûterreines.<br />
Bellori nous dit, dans son <i>introduction aux peintures antiques</i>: « On voit au palais Farnese à Rome, un morceau d'ornement admirable; il représente des feuillages avec un mascaron, deux enfans, une figure dont la moitié offre le corps d'une nymphe, & l'autre moitié le corps d'un cheval. Ces figures sortent des branches, des feuillages, & cette composition est un de ces caprices que Vitruve appelle <i>monstres & figures partagées</i>, & nous autres <i>grotesques</i>. » <br />
<br />
<b>vol. 6, p. 404</b><br />
FANTAISIE, (Peinture.) Peindre, dessiner de <i>fantaisie<i></i></i>, n' est autre chose que faire d' invention, de génie: quelquefois cependant <i>fantaisie</i> signifie une composition qui tient du <b>grotesque</b>. <br />
<br />
<span style="font-size: xx-small;">D. Jaucourt, vol. 12, p. 664</span><br />
<span style="font-size: xx-small;">PITTORESQUE, composition. (Peint.) j'appelle avec l'abbé du Bos, composition pittoresque, l'arrangement des objets qui doivent entrer dans un tableau, par rapport à l'effet général de ce tableau. Une bonne composition pittoresque, est celle dont le coup - d'oeil fait un grand effet, suivant l'intention du peintre & le but qu'il s'est proposé. Il faut pour cela que le tableau ne soit point embarrassé par les figures, quoiqu'il y en ait assez pour bien remplir la toile. Il faut que les objets s'y démêlent facilement. Il ne faut pas que les figures s'estropient l'une l'autre en se cachant réciproquement la moitié de la tête, ni d'autres parties du corps, lesquelles il convient au sujet, que le peintre fasse voir. Il faut enfin que les groupes soient bien composés; que la lumiere leur soit distribuée judicieusement, & que les couleurs locales loin de s'entre - tuer, soient disposées de maniere qu'il résulte du tout une harmonie agréable à l'oeil par elle - même.</span><br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
<b><i>Dictionnaire de l'Académie française</i>, 8e édition, 1932-1935</b><br />
(1)GROTESQUE. adj. des deux genres. Qui est ridicule, extravagant. <i>Un costume grotesque. Mine grotesque. Cet homme est grotesque. Imagination grotesque. Genre grotesque.</i> <br />
Il est aussi employé comme nom et se dit de Celui qui prête à rire dans ses manières de parler et d'agir. Cet homme est un grotesque.<br />
Il signifie aussi Qui a une apparence ridicule et bizarre. <i>Son accoutrement est d'un grotesque achevé. Tomber dans le grotesque. Allier le grotesque au sublime.</i><br />
GROTESQUES. n. f. pl. Il se disait autrefois des Arabesques imitées de celles qu'on avait trouvées dans les édifices anciens et, par extension, il s'est dit, en termes de Beaux-Arts, des Figures bizarres et chargées dans lesquelles la nature est contrefaite. <i>Peintre de grotesque. Les grotesques de Callot.</i><br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
<b><i>Dictionnaire de l'Académie française</i>, 9e édition, 1992</b><br />
(1)GROTESQUE n. f. et adj. XVIe siècle, crotesque. Emprunté de l'italien (<i>pittura</i>) <i>grottesca</i>, « (peinture) de grotte ».<br />
I. N. f. pl. BX-ARTS. Personnages ou objets entremêlés d'ornements de fantaisie et d'arabesques, qui décoraient certains édifices de la Rome antique découverts à la Renaissance. Par ext. Figures bizarres et caricaturales. <i>Peindre des grotesques. Les grotesques de Jacques Callot.</i><br />
II. Adj. 1. Extravagant et ridicule. <i>Un costume grotesque, une mise grotesque. Un individu grotesque. Une mésaventure grotesque. Une prétention grotesque.</i> Subst., au masculin. <i>Cet homme est un grotesque</i>, ses façons prêtent à rire. Se dit aussi du caractère bizarre, insolite et ridicule de quelque chose. <i>Le grotesque d'un habillement, d'une situation. Tomber dans le grotesque.</i> 2. LITTÉRATURE. <i>Le genre grotesque</i> ou, subst., <i>le grotesque</i>, genre caractérisé par le goût du bouffon et du bizarre. <i>L'alliance du grotesque et du sublime chez Victor Hugo.</i> Titre célèbre : <i>Les Grotesques</i>, de Théophile Gautier (1844).<br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
<b>Pascale Bernard,<i> </i><a href="http://www.cnrtl.fr/definition/grotesque" style="font-style: italic;" target="_blank">TLFi: Trésor de la langue Fran<span style="text-align: start;">ç</span>aise informatisé</a>, Nancy: Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales et Université de Lorraine, 1971-2001.</b> http://www.atilf.fr/tlfi<br />
<b><span style="color: #e06666;">GROTESQUE</span></b>, adj. et subst.<br />
<b>A.</b> − <i><span style="color: #e69138;">BEAUX-ARTS</span></i><br />
<b>1.</b> <i>Subst. masc. ou fém</i>. (le plus souvent au <i>plur.</i>)<br />
<b>a)</b> <span style="color: #f1c232;">Ornement (dessin, peinture ou sculpture) des monuments antiques mis au jour en Italie par les fouilles de la Renaissance et représentant des sujets fantastiques, des compositions capricieuses figurant des personnages, des animaux, des plantes étranges</span> :<br />
1. L'Italie elle-même développa un élément décoratif entièrement nouveau : autour de 1480, les fouilles partielles de la Domus Aurea de Néron révélèrent pour la première fois la peinture murale antique et la décoration en stuc. Et comme on les découvrit sous les ruines, pour ainsi dire dans des grottes, on appela « <b>grotesques</b> » ces décorations. <i>Encyclop. univ.</i>t. 12, 1972, p. 236.<br />
− En partic. <span style="color: #f1c232;">Imitation de ce type ornemental.</span> <span style="color: #6aa84f;"><i>Les grotesques de Raphaël</i> (Rob.).</span><br />
<b>b)</b> P. ext. <span style="color: #f1c232;">Dessin, peinture ou sculpture représentant des formes, des personnages bizarres.</span> <i>Cette génération d'artistes qui s'arrangent eux-mêmes en croquis, en grotesques, en caricatures. Les uns portent des moustaches effroyables</i> (Chateaubr., <i>Mém.</i>,1848, p. 196). <i>Costumées comme les grotesques de Callot</i> (Goncourt, <i>Journal</i>,1856, p. 287) :<br />
2. ... des files de <b>grotesques</b> se succédaient, à chaque étage [de l'église], en de larges frises, des <b>grotesques</b> réparés et même complètement refaits, mais très habilement, par un artiste ayant eu vraiment le sens du Moyen Âge. Huysmans, <i>Oblat</i>, t. 1, 1903, p. 136.<br />
− <i>P. métaph. Il écrivait une page fourmillant de grotesques terribles, de succubes, de larves à la Goya</i> (Huysmans, <i>Marthe</i>,1876, p. 50).<br />
<b>2.</b> <i>Adjectif</i><br />
<b>a)<b></b></b> [En parlant d'un inaminé abstr.] <span style="color: #f1c232;">Qui appartient à ce type ornemental.</span> <i>Cet étranger qui s'écartait du style ampoulé à la mode alors, pour inaugurer le genre grotesque </i>(Ménard, <i>Hist. B.-A.</i>,1882, p. 229).<br />
<b>b)</b> [En parlant d'un inanimé concr.] <span style="color: #f1c232;">Qui offre ce type ornemental.</span> <i><span style="color: #6aa84f;">Figures, ornements grotesques.</span> Dans la grande salle qui précède, il y a des boiseries grotesques représentant des métiers, des masques, des dominos, tout un carnaval en bois</i> (Michelet, <i>Journal</i>,1838, p. 269).<br />
<b>B.</b> − <i>P. anal.</i><br />
<b>1.</b> [L'idée dominante est celle de bizarrerie, d'extravagance]<br />
<b>a)</b> <i>Adj.</i> <span style="color: #f1c232;">Qui prête à rire par son côté invraisemblable, excentrique ou extravagant.</span> Synon. <i>bouffon, burlesque, caricatural, cocasse, risible.Ce Scaramouche faisant la parade et se déhanchant en poses grotesques sur des tréteaux que supportent des barriques</i> (Gautier, <i>Guide Louvre</i>,1872, p. 153).<i>Les silhouettes grotesques des petits bourgeois</i> (Mauclair, <i>Maîtres impressionn.</i>,1923, p. 171).<i>L'immense phonographe au grotesque pavillon écarlate</i> (Bernanos, <i>Mouchette</i>,1937, p. 1291) :<br />
3. Ce n'est pas que je n'aime beaucoup la satire, mais en fixant l'œil du lecteur sur la figure <b>grotesque</b> de quelque ministre, le cœur de ce lecteur fait banqueroute à l'intérêt que je veux lui inspirer pour les autres personnages (...). Le lecteur est tout occupé à comparer mon portrait à l'original <b>grotesque</b>, ou même odieux, de lui bien connu. Stendhal, <i>L. Leuwen</i>, t. 2, 1835, p. 229.<br />
− <i>Emploi subst. Ce grotesque, ce bourgeois ventru, mou et blême</i> (Zola, <i>Fortune Rougon</i>,1871, p. 289).<br />
♦ <i><span style="color: #e69138;">THÉÂTRE</span></i>, vieilli. <span style="color: #f1c232;">Danseur bouffon, qui fait des pas bizarres, des gestes outrés pour égayer les entractes de certaines pièces.</span> Synon. <i>clown.Semblable à l'un des grotesques du ballet de Gustave, il est marquis par derrière et vilain par devant</i> (Balzac, <i>Mais. Nucingen</i>,1838, p. 593).<br />
<b>b)</b> <i>Subst. masc. sing. à valeur de neutre, littér.</i> <span style="color: #f1c232;">Catégorie esthétique caractérisée par le goût du bizarre et du bouffon poussé jusqu'au fantastique, à l'irréel.</span> Synon. <i>le burlesque, la charge</i>; anton. <i>le sublime</i> :<br />
4. Il est étrange que, parmi tant d'écrivains qui, dans leurs romans, ont voulu nous peindre leur siècle, il y en ait eu si peu qui soient sortis du cercle des mœurs libertines, et pas un qui ait entrepris d'être dans le genre du haut comique, ce qu'était Rabelais dans le <b>grotesque</b> et le bouffon. Marmontel, <i>Essai sur rom</i>.,1799, p. 315.<br />
<b>2.</b> [L'idée dominante est celle d'outrance et de ridicule]<br />
<b>a)</b> <i>Adj.</i> <span style="color: #f1c232;">Qui prête à la dérision par son côté outrancier et son mauvais goût.</span> Synon. <i>ridicule.Une exclamation grotesque d'écolier délivré :</i> « <i>Le ciel est mort</i> » (Mallarmé, <i>Corresp</i>.,1864, p. 104).<i>Un article aussi insolent et aussi grotesque</i> (Bloy, <i>Journal</i>,1896, p. 277).<br />
− <i>Emploi subst. Eugène passait les soirées entières dans le salon jaune, écoutant religieusement ces grotesques que lui, Aristide, avait si impitoyablement raillés</i> (Zola, <i>Fortune Rougon</i>,1871, p. 83) :<br />
5. Je parie qu'il va consulter des experts. À la rescousse toute la troupe des <b>grotesques</b>, Couard, Varinard, Belhomme, tous ceux qui ont découvert que l'écriture d'Esterhazy n'était pas d'Esterhazy. Paraissez, sinistres pantins! Clemenceau, <i>Vers réparation</i>,1899, p. 274.<br />
<b>b)</b> <i>Subst. masc sing. à valeur de neutre</i>. <span style="color: #f1c232;">Ce qui offre un côté absurde et de mauvais goût.</span> Synon. <i>l'absurde, le ridicule.Des dialogues inouïs de grotesque et de bassesse</i> (Flaub., <i>Corresp</i>.,1875, p. 280).<i>Avoir comme joie, comme adoration, comme espoir une réprouvée démente! Ce déshérité ne sentira jamais le grotesque ni l'indécent de son attachement</i> (Frapié, <i>Maternelle</i>,1904, p. 127).<br />
<b>REM. 1.</b><br />
<b><span style="color: #e06666;">Grotesquement</span></b>, adv. rare.<span style="color: #f1c232;">D'une manière grotesque.</span> Synon. <i>absurdement, burlesquement, ridiculement</i>.a) [Correspond à B 1] <i>Des imperméables qui font ressembler grotesquement ceux qui s'abritent dessous à des éléphants de mer venus sur la terre Adélie pour visiter sur des roulettes la métropole</i> (<i>Comment parlent les sportifs</i>ds<i> Vie Lang.</i>,1952, p. 177).b) [Correspond à B 2] <i>L'adultère est un crime Grotesquement ignoble à moins d'être sublime</i> (Augier, <i>Gabrielle</i>,1850, p. 412).<br />
<b>2.</b><br />
<b><span style="color: #e06666;">Grotesquerie</span></b>, subst. fém.,rare. <span style="color: #f1c232;">Caractère de ce qui est grotesque.</span> a) [Correspond à B 1] <i>Les grotesqueries de costume, les disparates d'uniformes </i>(...)<i> de cette garde nationale</i> (Verlaine, <i>Souv. et fantais</i>.,1896, p. 303).b) [Correspond à B 2] <i>L'idée du progrès </i>(...)<i> se dresse avec une </i>(...)<i> grotesquerie qui monte jusqu'à l'épouvantable</i> (Baudel., <i>Curios. esthét.</i>,1855, p. 149).<br />
<b>Prononc. et Orth.</b> : [gʀ ɔtεsk]. Ds <i>Ac</i>. 1694-1932. <b>Étymol. et Hist. 1</b>. 1532 subst. <i>crotesque</i> « ornement capricieux » (<i>Invent. de Florimond Robertet</i>, p. 31 ds Gay : Une grande cuvette [...] où sont de ces gentilles <b>crotesques</b> nouvellement inventées, qui jettent miles fleurons à petits jambages tortus); 1540-50 <i>grotesque</i> « figure caricaturale ou fantastique » (L. de Laborde, <i>Comptes des bâtiments du roi</i>, t. I, p. 191 : pourtraits en façon de <b>grotesque</b>); <b>2.</b> 1566 adj. (<i>peinture</i>) <i>grotesque</i> « (peinture) qui présente des ornements capricieux, des figures fantastiques » (Id., <i>ibid.</i>, t. II, p. 127); d'où au fig. 1636 « qui provoque le rire par son extravagance » (Corneille, <i>L'illusion comique</i>, III, 3 ds <i>Œuvres</i>, éd. ch. Marty-Laveaux, t. 2, p. 471 : Je ne suis pas d'humeur à rire tant de fois Du <b>crotesque</b> récit de vos rares exploits). Empr. à l'ital.<i>grottesca</i>, qui désigne une décoration murale très riche et fantaisiste née en Italie vers le milieu du xves., proprement « fresque de grotte », dér. de <i>grotta</i> (<i>grotte</i>*) parce qu'elle s'inspirait des décorations de la Domus Aurea de Néron qui fut découverte par des fouilles archéologiques à l'époque de la Renaissance italienne (v. Batt.; <i>cf.</i> B. Cellini, <i>ibid</i>. : Queste grottesche hanno acquistato questo nome dai moderni, per essersi trovate in certe caverne delle terra in Roma dagli studiosi); le subst. ital. prit au xvies. le sens de « peinture licencieuse et ridicule » (<i>cf</i>. Vasari, <i>ibid</i>.), d'où le sens péj. de l'adj. fr. La forme <i>crotesque</i> est due à l'infl. de <i>cro</i>(<i>u</i>)<i>te</i> (grotte*). V. Bl.-W.5; <i>FEW</i> t. 2, pp. 1384b-1385a; Hope, pp. 200-201. <b>Fréq. abs. littér.</b> : 901. <b>Fréq. rel. littér.</b> : xixes. : a) 882, b) 2 127; xxes. : a) 1 696, b) 918. <b>Bbg.</b> Cagnon (M.), Smith (S.). Le Vocab. de l'archit. en France de 1500 à 1550. <i>Cah. Lexicol.</i> 1971, no19, p. 95. - Hope 1971, p. 155, 200-201. - Hotier (H.). Le Vocab. du cirque et du music-hall en France. Paris, p. 55. - Kohlm. 1901, p. 47. - Matoré (G.). En Marge de Théophile Gautier, notes lexicol. In : [<i>Mél. Roques</i> (<i>M.</i>)]. Paris, 1946, pp. 217-219. - Quem. <i>DDL</i> t. 3 (s.v. <i>grotesquement</i>); 18. - Wind 1928, p. 4, 45, 121, 195.<br />
<br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s1600/drollerie.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="382" height="200" src="https://4.bp.blogspot.com/-hKmenurbKAc/WarH70ntz1I/AAAAAAAA0bA/jJiZgeLzFsEI3UmlUAO5Jk6yjXRuv8QEACLcBGAs/s200/drollerie.jpg" width="200" /></a><br />
<br />
<b>Synonymie</b>. ridicule, burlesque, comique, bizarre, bouffon, funambulesque, extravagant, caricatural, cocasse, risible, incroyable, extraordinaire, clownesque, aberrant, carnaval, bouffonnerie. <br />
<br />
<b>Antonymie</b>. commun, correct, habituel, normal, ordinaire, sérieux, sublime, émouvant. <br />
<br />
<b>Source consultée</b><br />
<a href="http://www.cnrtl.fr/definition/grotesque">CNRTL - Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales</a>, Nancy Université, 2005.</div>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-75539048665319170522017-09-01T14:19:00.004-03:002017-09-01T16:09:53.415-03:00Cuerpo en Imagen Grotesca<br />
Beatriz Fernández Ruiz<br />
<b>De Rabelais a Dalí: La imagen grotesca del cuerpo</b><br />
Universidad de Valencia, 2004<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-B3qTpSPO2e0/WamUuauFsHI/AAAAAAAA0aU/HYJKwpVujbA9ZClz2JzZT1ZaKrwt4SaugCLcBGAs/s1600/dali_autumnal_cannibalism.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="803" data-original-width="800" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-B3qTpSPO2e0/WamUuauFsHI/AAAAAAAA0aU/HYJKwpVujbA9ZClz2JzZT1ZaKrwt4SaugCLcBGAs/s400/dali_autumnal_cannibalism.jpg" width="398" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Salvador Dalí, <i>Canibalismo en otoño</i>, óleo sobre lienzo, 1936<br />
Tate Gallery, Londres</td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;">Lo grotesco es una categoría estética que no se define con claridad hasta el siglo XIX, pero cuya presencia festiva y transgresora se puede rastrear en la historia del arte desde muchos siglos atrás. La historia de la palabra “grotesco” empieza en el Renacimiento italiano, con el descubrimiento de la antigua pintura decorativa romana, que jugaba con seres híbridos y sugería espacios ingrávidos. Una pintura “atrevida y ridícula” que será recreada muchas veces a partir del siglo XVI. Este libre juego con la figura humana es comparable a la distorsión del lenguaje verbal en la literatura de Rabelais, a la esquematización cómica de los personajes en el teatro de la <i>commedia dell’arte</i>, y también a la poderosa tradición popular que recorre toda la Edad Media: el carnaval, con su reivindicación festiva de un mundo al revés, y el sueño utópico de la libertad, la igualdad y la abundancia. Este libro se adentra en diversas tradiciones cómicas y encuentra en ellas unas mismas necesidades de juego y esperanza: el descrédito de la seriedad del mundo oficial, la reivindicación de las pasiones corporales, el deshacerse del miedo a través de la risa... Además, subraya la herencia de lo grotesco en la obra juvenil de Dalí, y destaca su vitalidad y vigencia transgresoras aún en la década de los noventa, con artistas como Franz West, Paul Mc Carthy o Louise Bourgeois.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-MiVFaBjoCE8/WamuIziAzQI/AAAAAAAA0ak/dHQesuX2HD4mxRX5hEZza6J20YHhUtQmgCLcBGAs/s1600/1929.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="489" data-original-width="647" height="302" src="https://1.bp.blogspot.com/-MiVFaBjoCE8/WamuIziAzQI/AAAAAAAA0ak/dHQesuX2HD4mxRX5hEZza6J20YHhUtQmgCLcBGAs/s400/1929.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Salvador Dalí, Detalle de <i>Los primeros días de la primavera</i>, 1929</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Texto</b> de Guillermo Solana publicado en <i>El Cultural</i>, 19 de mayo de 2005:<br />
<br />
Desde niños aprendemos a ocultar lo que sale del interior de nuestros cuerpos. El buen gusto censura las manifestaciones más obvias de la vida corporal: los procesos digestivos, la excitación y el placer sexual, la enfermedad y la agonía han sido sepultadas en el fondo de lo privado, perdiendo todos los vínculos con la sociedad y con el cosmos que una vez tuvieron.<br />
<br />
Una especie de canon higiénico ha pretendido alisar nuestras protuberancias, taponar nuestros orificios, ocultar los signos de ciertas funciones vitales y los intercambios del cuerpo con el mundo exterior. Pero hubo un tiempo (el final del medievo y el Renacimiento) y un mundo (el del carnaval y la cultura popular) en que las realidades del cuerpo no se escondían, sino que se celebraban como gloria y miseria a la vez de la carne humana. Mijail Bajtin, el gran teórico ruso de la literatura, investigó y rehabilitó ese mundo, que él cifraba en la idea de un cuerpo grotesco. El cuerpo grotesco es un ente que sin vergöenza fecunda y es fecundado, pare y es parido, traga y defeca, bebe y orina, agoniza y se pudre. El cuerpo lleva dentro de sí las semillas del cosmos y forma parte de las continuas metamorfosis de la vida.<br />
<br />
El núcleo de este libro de Beatriz Fernández, profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Complutense, consiste en abordar, desde esa noción bajtiniana del cuerpo grotesco, la obra de Salvador Dalí. La obsesión por los procesos digestivos como metáfora de la relación del hombre con el mundo (el canibalismo, la podredumbre, etc.) es un rasgo típicamente grotesco y carnavalesco del imaginario daliniano. Pero Beatriz Fernández estudia en particular dos regiones de ese imaginario. La primera es la fascinación de Dalí por los insectos, animales grotescos por antonomasia: las nubes de moscas y abejas (que pululan en torno a lo podrido), la langosta o príapo volador, las hormigas y la mantis religiosa (caníbal vocacional). La segunda región se refiere a la imagen del cuerpo en Rabelais y en Dalí: el vientre y el falo, el cuerpo despedazado, la boca y el ano, las vísceras e intestinos, la injuria y la risa, la locura y la tontería. <br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/6u3yPlwTtxajIzezqp8CGA?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="300" src="https://lh4.googleusercontent.com/-weRqxWggIGg/TRmdndWdPcI/AAAAAAAAN2w/IrThBBBp5J8/s400/bourgeois%252520janus.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Louise Bourgeois, <i>Janus fleuri</i>, 1968<br />
Bronce y pátina dorada, 25.7 x 31.8 x 21.3 cm</td></tr>
</tbody></table><br />
Toda esta apasionante aproximación al universo daliniano viene precedida en el libro de Beatriz Fernández por un largo rodeo: se inscribe en una extensa historia de la noción de lo grotesco en la creación y en la teoría. Desde el grotesco clásico (el origen del grotesco como arte ornamental) y su aparición en los primeros tratados de arte, pasando por ejemplo por la teoría romántica de lo grotesco, la autora nos lleva, paso a paso, con erudición y amenidad al mismo tiempo, hacia el cuerpo grotesco del siglo XX. Y la reflexión no concluye con los temas centrales de Dalí y el surrealismo: hay un último capítulo dedicado a lo grotesco en el arte de la última década, a través de la obra de artistas tan conocidos como Louise Bourgeois, Paul McCarthy y Franz West y de tópicos tan provocativos como el cuerpo sin cabeza, el color rosa de la carne o el concepto de lo informe. <br />
<br />
_____<br />
<br />
<b>Addendum. Acerca de <i>Canibalismo en otoño</i></b><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-B3qTpSPO2e0/WamUuauFsHI/AAAAAAAA0aU/HYJKwpVujbA9ZClz2JzZT1ZaKrwt4SaugCLcBGAs/s1600/dali_autumnal_cannibalism.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="803" data-original-width="800" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-B3qTpSPO2e0/WamUuauFsHI/AAAAAAAA0aU/HYJKwpVujbA9ZClz2JzZT1ZaKrwt4SaugCLcBGAs/s400/dali_autumnal_cannibalism.jpg" width="398" /></a></div><br />
On <b>Autumnal Cannibalism</b>. Painted just after the outbreak of the Spanish Civil War in 1936, Autumnal Cannibalism shows a couple locked in a cannibalistic embrace. They are pictured on a table-top, which merges into the earthy tones of a Spanish landscape in the background. The conflict between countrymen is symbolised by the apple balanced on the head of the male figure, which refers to the legend of William Tell, in which a father is forced to shoot at his son. <br />
True to his principle of taking no interest in politics, Dali viewed the civil war that war tormenting his country merely as a delirium of edibles. He observed it as an entomologist might observe ants or grasshoppers. To him it was natural history; to his countryman Picasso, by contrast, it was political reality. What Guernica was for Picasso, Autumnal Cannibalism was for Dali.<br />
<br />
_____<br />
<br />
<b>Texto</b> de Serena Vera Barrón, publicado en <i>Athenea Digital</i>, N° 9, 2006.<br />
<br />
Lo que más gratamente nos sorprende y lo que sin lugar a dudas nos engancha y nos lleva al regocijo propio de las páginas que conforman este libro, es el maravilloso viaje que recrea su autora a través de la terminología, las imágenes, la literatura, la cultura popular, y la historiografía del arte en torno a “los orígenes de la formación de un lenguaje grotesco”.<br />
Desde sus primeras páginas, con la introducción que nos traslada al hallazgo en 1480 de la Domus Aurea de Nerón en Roma, hasta la representación propia del cuerpo grotesco en el siglo XX y la “inversión carnavalesca en Dalí”, Beatriz Fernández Ruiz despliega una elocuente, prolífica y admirable historia del grotesco.<br />
Se observa pues el paso del “grutesco”, término con el que se da nombre a las pinturas de seres híbridos salientes de los follajes ornamentales que decoraban las salas subterráneas del recientemente descubierto palacio romano, al uso de estas representaciones como motivo ornamental propiamente renacentista, producto de la admiración expresa de los pintores del siglo XV y XVI quienes reprodujeron en sus cuadernos de estudio y en sus propias obras (como en la decoración de Las Logias de Rafael, realizada por Giovanni da Udine), lo que en éstas “grutas” observaron y lo que “grabaron profundamente en el corazón en la mente”.<br />
Encontramos también aquí una revisión de la tradición ornamental proveniente de la iluminación medieval de los libros y las riquísimas posibilidades ornamentales y decorativas que en ellos se recrean: seres fantásticos que se entrelazan con una fecunda vegetación en donde aparecen asimismo extraños símbolos y extraños objetos productos sólo de la imaginación en donde la necesidad de ajustarse al dibujo de la letra que inicia cada párrafo o en las exigencias que dejaban los márgenes a ser decorados en estas páginas se producen las más extrañas posturas y deformidades, representaciones muy cercanas al lenguaje propio del grutesco. Y dentro de la misma tradición medieval, el paso que significa el cambio de formato de la gigantesca Biblia románica a las Biblia en miniatura -tal como lo explica O. Päch y que la autora nos reseña aquí-, que provoca la nueva decoración: la “drôlerie gótica”, decoración marginal en donde se “satirizan los tipos humanos o sus ocupaciones”, suerte de representaciones bufonescas, “almacén sin limites de humor (...) vitalidad descontrolada”, posibles armas liberadoras de las largas e interminable jornadas de trabajo a las que eran sometidos los monjes miniaturistas.<br />
La profusa bibliografía manejada en el estudio que realiza la autora, nos presenta a la par de las expresiones ligadas al arte propiamente, la exploración etimológica de la palabra, desde su origen como sustantivo, asociado a la “gruta” -Domus Aurea-, hasta su peyorativa adjetivación en el siglo XVII en Francia y ya como término “grotesco” cargado del “sentido moderno” de la época, que expresa la calificación de “pintura grosera y descuidada”, a la cual se le suman nuevas asociaciones: “dibujos caprichosos”, “de figura ridícula”, “pintura licenciosa”, “... bizarra, extravagante, fantástica y caprichosa”, “que produce risa”, pero que con el pasar del tiempo y ya una vez superado incluso la burda asociación que en el siglo XVIII lo liga a la caricatura, adquiere, y gracias a las bondades del espíritu romántico y a la filosofía, un carácter más profundo que está íntimamente ligado con la miseria humana, que más allá de la risa que supone su persistencia en la deformación, produce el horror, y con este sentimiento se acerca a la propia tragedia griega y con ella a la aparición, finalmente, de lo grotesco como categoría estética, que se sostiene en la aceptación de lo feo y lo repugnante como “posibilidad del arte”, y que es lo que la autora señala del estudio que realiza Lessing en el Laocoonte, donde se evidencia que estas manifestaciones están presentes sólo y para “intensificar lo cómico y lo terrible” y con ello y a través del arte ser “capaz de abarcar la complejidad de lo real”, la “fuerza explosiva de lo paradójico”.<br />
A partir de entonces la autora inicia un recorrido por lo grotesco visto como desequilibrio del orden de las cosas, del orden mismo del mundo, que engendra el espanto y el caos.<br />
La persistencia de lo irreal, muy lejana ya de aquella fuente primaria que gesta la fantasía como “creación libre de combinaciones imposibles”, también lejos ya de aquel espíritu “ágil, caprichoso y fragmentario" que en este estudio se compara al “essai” de Montaigne.<br />
De aquí en adelante lo irreal existente en el germen de la propia cultura popular, en el carnaval, donde la risa y lo terrible sugieren la evasión de los principios, el divertimento, la aceptación de la imperfección y lo monstruoso, la “loca hilaridad” desenfadada e indecente, la miseria infinita, y la superioridad que le es dada al “hombre que ríe” de todo cuanto espanta.<br />
Este libro encarna pues un viaje que nos lleva de la ingenuidad y el deleite del “grutesco” propio de la cultura palaciega romana, que casi denuncia el libertinaje de las formas sin cargas más significativas que las formas mismas, propias de la decoración ornamental, hasta la “sorpresa y amenaza que subraya la fugacidad imparable de la vida”; el grotesco serio, severo, que desenmascara “los espantos de la naturaleza”.<br />
Obligatorio entonces y muy acertado supone el hecho de que la autora dedique un capítulo entero a Batjin, cuya fuente es la trasposición del lenguaje literario del carnaval como real expresión de vida, en donde lo grotesco emerge como una necesidad obligatoria, indispensable, hasta el punto de convertirse en el verdadero festejo institucionalizado que se fundamenta en la trasgresión, en la degradación que presume la estrecha relación con lo corporal, con lo que de monstruoso tiene el cuerpo, aquello que el “decoro” silencia y que el carnaval medieval permite descubrir: las protuberancias y deformidades, “la boca, el falo, la nariz”, todos aquellos orificios del cuerpo por donde asoman las excrecencias, es esta trasgresión y en esta festividad y no en otra en la que surge la obra de Rabelais que relata que: “mientras su padre bebía y se divertía con los demás, oyó el horrible grito que su hijo había dado al venir a la luz de este mundo, cuado bramaba pidiendo -¡A beber!, ¡A beber!, ¡A beber!, ¡A beber!”... había nacido pues Gragantúa.<br />
Las imágenes, los textos, las citas y en general, las voces que nos trae Beatriz Fernández Ruiz en este libro, nos llevan a la reflexión de la otra existencia, subyacente, miserable, recóndita y vergonzosa pero indisoluble de la vida misma, en donde la obra de Dalí viene a ser el lugar donde convergen todos los sustantivos, adjetivos, posturas, objetos, animales y sensaciones como una “mezcla centrífuga de lo heterogéneo”, amasijo de libertad creadora, locura y profanación.<br />
En este punto nos encontramos finalmente con la expresión daliniana del cuerpo que significa todas las posibilidades de lo grotesco y que supera la marginalidad para colocar el grotesco en el centro mismo, abarcando la totalidad de la obra: el cuerpo mutilado, la degradación, la putrefacción, la risa, el atrevimiento, la burla caricaturesca, manifiestas en el brutal y desenfrenado vómito daliniano, tan estrechamente relacionado con la literatura pantagruelica de Rabelais que en su introducción invita a los lectores a despojarse de “toda afección”, porque lo que en adelante manifestará será la trasgresión que finalmente promueve la comunión con la vida.<br />
Este libro es una excelente reconciliación con la historiografía del arte y su relación activa con el mundo real, existente y crítico, de encuentros con otras realidades paralelas que el “decoro” no permite sacar a la luz, pero que seguramente conforman parte de las fantasías y los submundos que conviven en nuestras alteridades. </div><br />
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<b>Recursos</b><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/05/fases-de-lo-grotesco.html">Fases de lo Grotesco</a><br />
<a href="http://documenta-akermariano.blogspot.com/2011/08/1.html">The Human Body in Modern Art</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-67447126836264050542017-08-30T06:36:00.001-03:002018-06-24T08:22:53.199-03:00Grotesco cartilaginoso<br />
<div style="text-align: justify;">Conferencia de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Akerman">Mariano Akerman</a> presentada en el ciclo educativo "Sueños de artistas e imaginación en el arte".[1] <br />
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Asociado al <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/08/auricular-style.html">estilo auricular</a> en decoración, el <b>grotesco cartilaginoso</b> es un tipo de adorno inspirado por las formas curvas, blandas y rugosas de la oreja, como también por las articulaciones y demás partes cartilaginosas del cuerpo humano. Eventualmente puede además evocar vísceras e intestinos.<br />
<br />
Tal ornamentación fue desarrollada en Europa durante el siglo XVII, principalmente en los Países Bajos y Alemania. Como ornamento perteneciente al período barroco y consecuente con el ampuloso gusto de esa época, el grotesco cartilaginoso es denso y profuso, presenta alta complejidad, se muestra morfológicamente complicado y, en términos semánticos, es ambiguo. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-IGs2IeQWxOM/WaaG_yzG8XI/AAAAAAAA0Zo/axoWpdNnqkAQvrv3nRJcKtX_hxNOYyPBACLcBGAs/s1600/Modelli_artificiosi_di_vasi.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="226" data-original-width="225" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-IGs2IeQWxOM/WaaG_yzG8XI/AAAAAAAA0Zo/axoWpdNnqkAQvrv3nRJcKtX_hxNOYyPBACLcBGAs/s320/Modelli_artificiosi_di_vasi.jpg" width="318" /></a></div><br />
Durante el siglo XVII y dentro del contexto europeo, notable en el desarrollo y la divulgación del estilo auricular fue el papel de la familia Van Vianen, que se dedicó a la orfebrería y al trabajo de la fundición de en plata en particular. Los Van Vianen estuvieron activos en Praga, donde Paulus trabajó en la corte de Rudolf II, en Utrecht, donde Adam tuvo su base, y en Londres, donde Christiaen dirigió su próspero taller. El estilo auricular surgió a principios del siglo XVII. Entre 1646 y 1652 Christiaen van Vianen publicó una serie de grabados con diseños en estilo auricular, todos ellos basados en el trabajo de su padre y de su tío.[2] Dichos grabados contribuyeron a la difusión del mencionado estilo ornamental por Europa. El estilo ornamental en cuestión fue aplicado principalmente en el campo de la orfebrería, pero también en grabado, talla, muebles y enmarcados, yesería, pintura y arquitectura. En Holanda se lo denominó <i><b>kwabstijl</b></i>, "estilo blando", en tanto que en Alemania se lo conoció como <i><b>Ohrmuschelstil</b></i>, "estilo del pabellón auricular". En Inglaterra, por otra parte, se lo llamó <i><b>auricular style</b></i>, "estilo auricular". Hacia 1964, Ilse M. de Brugger, en su traducción castellana de los escritos de Wolfgang Kayser, se refirió al mismo en términos de <i>estilo auricular o cartilaginoso</i>.[3]<br />
<br />
Celebrando sofisticación y extravagancia, el sorprendente estilo auricular entronca en la línea de lo grotesco en tanto que involucra considerable tensión, mezcla elementos incompatibles en un todo paradójico e insinúa, o incluso juega con, lo monstruoso. <br />
<br />
El grotesco cartilaginoso es una figura artificial. Tanto el estilo auricular como el grotesco cartilaginoso se manifiestan a través de diseños fantásticos. En tales casos lo Imaginario juega un papel decisivo, como demuestra el el portal con el título del segundo volumen de la obra de Christiaen van Vianen, publicado a mediados del siglo XVII: MODELOS ARTIFICIALES.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36743423732/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Modelli_artificiosi"><img alt="Modelli_artificiosi" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4337/36743423732_768c9830e2.jpg" width="377" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Christiaen van Vianen<br />
<i>Modelli artificiosi di vasi diversi d’argento</i><br />
Utrecht: Theodorus van Kessel, 1646–1652<br />
Portada del segundo tomo. Aguafuerte, 25.8 x 19.6 cm <br />
Rijksmuseum, Ámsterdam</td></tr>
</tbody></table><br />
Junto con los Van Vianen, Mosyn de Ámsterdam, Gerbrand van den Eeckhout y Johannes Lutma el Viejo contribuyeron al desarrollo del <b>estilo auricular</b> en los Países Bajos. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-FaLjXxgcRCI/UDZs700pH8I/AAAAAAAAYoE/P2myxcREw8c/s1600/Adam_van_Vianen_Jug_1614.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://4.bp.blogspot.com/-FaLjXxgcRCI/UDZs700pH8I/AAAAAAAAYoE/P2myxcREw8c/s400/Adam_van_Vianen_Jug_1614.jpg" width="280" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Adam van Vianen, <i>Jarra en estilo auricular</i>, 1614<br />
Rijksmuseum, Ámsterdam</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/vdOFOgWYcqVGVpkW88M5NxE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="350" src="https://lh6.googleusercontent.com/-Hef9aXVErko/TQ9Q7CImbnI/AAAAAAAAPpE/lXPyTCKQDwU/s800/van-vianen-silver-dish.jpg" width="263" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Christiaen van Vianen<br />
Fuente de plata en estilo auricular, 1635<br />
Victoria & Albert Museum, Londres</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/n7Lk9TCCYlkWVI0zeY_N3BE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh5.googleusercontent.com/-uKH7wgi2KDw/Ty6hwFEOFiI/AAAAAAAAWow/w4afmsJod7Y/s400/Mosyn.jpg" width="290" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mosyn de Ámsterdam, <i>Diseños en estilo auricular</i>, 1620<br />
<i>Kwabornament</i></td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/R-XwQ3c5cHPONMCRhaYt3xE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="365" src="https://lh5.googleusercontent.com/-viufjT8uCg0/S35wBbfZRAI/AAAAAAAAPpE/6kGDI35i5n8/s800/lutma.jpg" width="287" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Johannes Lutma<br />
<i>Cartucho auricular</i>, Ámsterdam, 1633-54<br />
BnF Paris</td></tr>
</tbody></table><br />
Posiblemente el grotesco auricular le deba no poco a la investigación anatómica desarrollada durante los siglos XVI y XVII en el campo de la disección, cultivada ante todo por Andrés Vesalio, autor de un monumental tratado, abundante en grabados. Si bien escasa es la evidencia para revelar una posible relación entre la medicina empírica y el arte ornamental, lo cierto es que tanto los anatomistas como los maestros del grabado demostraron poseer en esa época un convergente interés en las ondulantes texturas de lo auricular y lo cartilaginoso.[4]<br />
<br />
Entre 1610 y 1680, importante fue la presencia del <i>Knorpelstil</i> o <b>estilo cartilaginoso</b> en Alemania. Mas el interés por la materia cartilaginosa propiamente dicha tiene su precedente en la imaginería del flamenco Cornelis Floris, quien la incluyó en uno de los grabados que realizó a mediados del siglo XVI.[5]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/EEmxBjI3JSiq1k6rBDhe8RE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite"><img height="581" src="https://lh4.googleusercontent.com/-cNvietSDJJc/TMQKvt9liaI/AAAAAAAAPpE/6YCrlYZIKAk/s800/grotesque-engraving.jpg" width="379" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cornelis Floris<br />
Grotesco ornamental: Impreso "F"<br />
Publicado en su <i>Veelderleij Veranderinghe van grotissen ende<br />
Compertimenten ghemaeckt tot dienste van alle die de Conste beminne<br />
ende ghebruiken</i>, Amberes, 1556.<br />
Aguafuerte, 30.7 x 20.9 cm. <br />
Trabajo publicado por Hieronymus Cock<br />
<a href="http://collections.vam.ac.uk/item/O119352/veelderleij-veranderinghe-van-grotissen-ende-print-floris-cornelis-ii/">Victoria & Albert Museum, Londres</a></td></tr>
</tbody></table><br />
En su disertación de 1957 sobre lo grotesco, Kayser indica que el grotesco auricular echó extraños brotes en Alemania e ilustra la idea recurriendo a grabados realizados hacia 1680 por Simon Cammermeier y Johannes Heinrich Keller, para ilustrar aquello que en la lengua teutona se da por llamar Knorpelgroteske, es decir, el <b>grotesco cartilaginoso</b>.[6]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/r-Quvg8Rv4d_S367a9QAHRE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7y2w7cHOxLAge8HC2AvcDZ6bneDDcKKNNg0J3upXmPD7uhnC_PnWI2LO27wOnnQGBajya0zSFrMowWDZQTBbP4pqeHNuTEX838wegURhyphenhyphen105Hd_v7hnCktjIZbAA3MFrjkAbzNpIL0kA/s800/Keller.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Keller, <i>Grotesco cartilaginoso</i>, 1680</td></tr>
</tbody></table><br />
Entre los artistas teutones que cultivaron el grotesco cartilaginoso se destacan Lucas Kilian, Christoph Jamnitzer, Nikolaus Rosman y Friedrich Unteutsch.[7]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505478361/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_02_arabesque_1b"><img alt="Kilian_02_arabesque_1b" height="146" src="https://farm5.staticflickr.com/4388/36505478361_b829196845.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Lucas Kilian<br />
<i>Newes Gradesca Büchlein</i><br />
Ausburgo, 1607<br />
Detalle de aguafuerte N°2</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/FIJmeJQXEq7ua7QBRlehA65bWJ8q_3NSAwX5M4HHtwU?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh5.googleusercontent.com/-EK18CevypPI/ThcpP3ESsiI/AAAAAAAASP8/ox7FapAza0c/s400/m_27.jpg" width="260" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Christoph Jamnitzer<br />
Grotesco cartilaginoso<br />
<i>Neuw Grotteßken Buch</i> | Nuevo libro de grotescos<br />
Aguafuerte. Nüremberg, 1610</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36481697412/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624"><img alt="Kilian_NGB_1624" height="78" src="https://farm5.staticflickr.com/4407/36481697412_e9d420d575_o.jpg" width="429" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Friso con diseño en groto-arabesco cartilaginoso<br />
Kilian, <i>Newe Gradisco Buech</i>, 1624</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36526651120/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Rosman"><img alt="Rosman" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4389/36526651120_01ee9ae2d8.jpg" width="366" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Nikolaus Rosman<br />
Ornamentos en <i>Neuw Zirat Büchlein</i><br />
Coburgo, 1626</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/1jiC3A_dDSCT4Lom4I2ndBE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.googleusercontent.com/-1bh33bn2HUE/Uz__NRA6MII/AAAAAAAAj1E/62I6RjraxoQ/s400/Falck.gif" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Motivo grotesco encapsulado dentro de la inicial "O" <br />
<a href="https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/143835--akermariano/collections/falck">Auricular Style ABC</a><br />
Diseño de Johann Christian Bierpfaff<br />
<i><a href="http://hdl.handle.net/10934/RM0001.COLLECT.418474" target="_blank">Libellus Novus Elementorum Latinorum</a></i><br />
<i><a href="http://hdl.handle.net/10934/RM0001.COLLECT.418474" target="_blank">Cum AEneis picturis usui Aurifabrorum inservientib</a></i><br />
Hamburgo, 1645-50<br />
Grabado por Jeremias Falck<br />
Rijksmuseum, Amsterdam</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/EFfjiY04-Reo_RjAHa6dBxE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="375" src="https://lh5.googleusercontent.com/-y7p6MMmO5AM/Ty6hw47zzCI/AAAAAAAAWpA/MgZXbtCh3Lo/s800/Unteutsch.jpg" width="272" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Friedrich Unteutsch<br />
<i>Knorpelwerk</i> | Trabajo cartilaginoso<br />
Grabado, 1650</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/r-Quvg8Rv4d_S367a9QAHRE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="375" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7y2w7cHOxLAge8HC2AvcDZ6bneDDcKKNNg0J3upXmPD7uhnC_PnWI2LO27wOnnQGBajya0zSFrMowWDZQTBbP4pqeHNuTEX838wegURhyphenhyphen105Hd_v7hnCktjIZbAA3MFrjkAbzNpIL0kA/s800/Keller.jpg" width="244" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Johann Heinrich Keller<br />
<i>Knorpelgroteske |</i><i> </i>Grotesco cartilaginoso<br />
Grabado, 1680</td></tr>
</tbody></table><br />
El grotesco cartilaginoso continuó vigente en Alemania incluso durante el siglo XVIII, si bien para ese entonces fue adaptado a las curvilineas exigencias del espíritu rococó y su predilección por el disfraz y la rocalla ornamental. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://picasaweb.google.com/lh/photo/RQLbwgp6UGqA6VEurRAt3Q?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh4.ggpht.com/_uxVnjqldHIE/S-K4E7wOvmI/AAAAAAAAK6M/CCsoAFL67Z0/s400/Winter.jpg" width="256" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Johann Georg Hertel<br />
A partir de un diseño de Jeremias Wachsmuth<br />
<i>Invierno, Música Rococó, Baile de Disfraces</i><br />
Aguafuerte, 1750-60</td></tr>
</tbody></table><br />
En tanto que la obra de Wachsmuth y Hertel aún pertenece a la estética del grotesco cartilaginoso, el mismo parece extinguirse en aquella de su compatriota, Nilson. Es en la obra de este último donde la otrora muy viva materia orgánica inicial finalmente se transforma en algo seco y resquebrajado que se asemeja a lo que alguna vez pudo haber sido la corteza de un árbol. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/jiIJkX9dGRLBBZekGYf8jQ?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img src="https://lh5.googleusercontent.com/_uxVnjqldHIE/TXTedepPY8I/AAAAAAAAPZc/LKPa1YExb7A/s800/neues_caffehaus.jpg" width="425" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Johann Esaias Nilson<br />
<i>Neues Caffehaus</i> | Nueva casa de café<br />
Grabado 12 coloreado, Ausburgo, 1756</td></tr>
</tbody></table><br />
Consonante con la ligereza propia del estilo rococó, la imaginería de Nilson presenta no obstante una casi tácita afinidad con aquella estética propia de la portada del segundo libro de Christoph van Vianen. Tal afinidad de hecho involucra un interés común por el diseño fantástico-artificial, cuyas figuras son admiradas hasta el día de hoy en virtud de su naturaleza sorprendente e insusitada originalidad.<br />
<br />
<b>Un reflejo en el contexto contemporáneo</b><br />
<br />
<div style="text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://picasaweb.google.com/lh/photo/d6Ltt-bUMtn9FA3qR__F6A?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.ggpht.com/_uxVnjqldHIE/S3rLWokiOjI/AAAAAAAAGpc/YXu_1gEjlbk/s400/9501.jpg" width="288" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mariano Akerman, <i>Sheba</i>, sanguina, 1995</td></tr>
</tbody></table></div><br />
<b>Notas</b><br />
1. El presente texto es adaptación de escritos propios y de una selección de artículos y notas de autores diversos. Los últimos fueron presentados en la Conferencia sobre Marcos y el Estilo Auricular que tuvo lugar en Londres en octubre de 2016; <a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/about/">The Auricular Style: Frames Conference</a>, Londres, Wallace Collection, 5-6 de octubre de 2016.<br />
2. Allison Stielau, <a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/05/03/on-the-inception-of-auricular-ornament-metamorphic-bodies-and-the-fleshy-frame-an-abstract-by-dr-allison-stielau/">On the Inception of Auricular Ornament: Metamorphic Bodies and the Fleshy Frame</a>, 3 de mayo de 2016<br />
3. Wolfgang J. Kayser, <i>Lo grotesco: su configuración en arte y literatura</i> (1957), Buenos Aires: Nova, 1964. <br />
4. Stielau: "Metamorphic Bodies and the Fleshy Frame"<br />
5. Désiré Guilmard, <i>Les maitres ornemanistes : dessinateurs, peintres, architectes, sculpteurs et graveurs</i>, París: E. Plon, 1880-81, p. 477 no. 6; Berlin Staatliche Museen, <i>Katalog der Ornamentstichsammlung</i>, Berlín y Leipzig, 1936-39, no. 211.1; Peter Ward Jackson, "Some Main Streams and Tributaries in European Ornament from 1500 to 1750", <i>VAM</i>, Londres, Victoria and Albert Museum, 1969, 38. Acerca de una posible influencia a través de la decoración arquitectónica y la relación entre la ornamentación renacentista tardía y la barroca en la arquitectura alemana, véase <a href="https://www.monumente-online.de/de/ausgaben/2006/5/die-ohrmuschel-als-stilelement.php">Die Ohrmuschel als Stilelement</a>, <i>Monumente</i>, octubre de 2006. <br />
6. Kayser, <i>Lo grotesco</i>, figuras 5 y 6. <br />
7. Para imágenes de seis de los sesenta grabados producidos por Jamnitzer, ver Misteraitch, <a href="http://www.spamula.net/blog/2005/09/neuw_grottessken_buch.html">Neuw Grottessken Buch</a>, <i>Giornale Nuovo</i>, 28 de septiembre de 2005; vénase también los grotescos cartilaginosos de Jamnitzer publicados como la quinta imagen de su artículo <a href="http://www.spamula.net/blog/2006/06/faces_of_the_grotesque_1.html">Faces of the Grotesque</a>, <i>GN</i>, 10 de junio de 2006. <br />
<br />
<b>Recursos</b><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/cornelis-floris.html">Floris</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/08/el-grotesco-ornamental.html">Kilian</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/08/auricular-style.html">Auricular Style</a><br />
<a href="http://akermariano.blogspot.com/2010/12/german-art-2.html">Grotesque in German Art</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/04/rocaille.html">Rocaille</a><br />
<br />
<b>Addendum</b><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/about/">Conference</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/12/08/anthropomorphism-and-zoomorphism-in-the-medici-picture-frames/">Medici</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/05/19/object-bodies-metal-mounts-and-the-skins-of-things-an-abstract-by-dr-anna-grasskamp/">Kunstkammer</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/09/04/dutch-auricular-wood-carving-an-abstract-by-ada-de-wit/">Dutch auricular</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/07/23/the-auricular-frame-depicted-in-paintings/">Painting</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2017/02/24/auricular-ornament-in-dutch-architecture-1610-1675/">Dutch architecture</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/07/14/the-auricular-style-in-dutch-furniture-an-abstract-by-professor-reinier-baarsen/">Furniture</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/08/04/gilt-leather-a-creative-industry-avant-la-lettre-an-abstract-by-dr-eloy-koldeweij/">Gilt leather</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/11/19/whos-afraid-of-the-french-auricular/">French auricular</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2017/03/10/between-amsterdam-paderborn-and-rome-a-remarkable-frame-in-the-collections-of-the-louvre/">Louvre</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/06/09/the-dissemination-of-the-german-knorpelwerk-auricular-style-in-prints-woodcarving-stucco-painted-wall-decorations-1620-1670-an-abstract-by-dr-daniela-roberts/">Knorpelwerk dissemination abstract</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/10/23/german-knorpelwerk-auricular-dissemination-in-prints-woodcarving-and-painted-wall-decorations-1620-70/">Knorpelwerk</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/09/25/all-decorated-with-gilded-frames-a-17th-century-british-gallery-of-beauties-in-context-an-abstract-by-dr-karen-hearn/">Van Dyck</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/12/27/documenting-developments-in-the-taste-for-auricular-framing-in-britain-1620-80/">Britain</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/10/28/an-auricular-frame-amongst-the-founders-collection-of-the-ashmolean-museum/">Ashmolean</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2017/05/30/notes-on-the-revival-of-the-auricular-style-for-picture-frames/">Picture frames revival</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2016/10/17/frank-salisbury-and-the-auricular-frame/">Salisbury</a><br />
<a href="https://auricularstyleframes.wordpress.com/2017/04/17/the-influence-of-auricular-art-on-art-of-the-20th-century-or-putting-an-ear-to-the-ground/">20th century art</a><br />
<br />
<b>Véase también</b><br />
<a href="https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/143835--akermariano/collections?ii=0">Rijksstudio Collections</a><br />
Natalia Nieto Roa y Javier Mauricio Torres Giraldo, <a href="https://es.scribd.com/document/312384145/80193N677">Estética de lo grotesco en El Santero de Gonzalo España</a>, Universidad Tecnológica de Pereira, 2010.</div>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-53992224166061699092017-08-27T14:34:00.000-03:002017-08-30T14:58:26.945-03:00Metamorfosis y Deshumanización <br />
<span style="font-size: xx-small;">Una nota de Mayra Valije</span><br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-8TCDF6ZuY10/WabxiO-FtCI/AAAAAAAA0Z4/_rbdY2E26E0tZyL-unPNU76wwVHnmGrfQCLcBGAs/s1600/Kafka.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="898" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-8TCDF6ZuY10/WabxiO-FtCI/AAAAAAAA0Z4/_rbdY2E26E0tZyL-unPNU76wwVHnmGrfQCLcBGAs/s320/Kafka.jpg" width="299" /></a><br />
<br />
<b>Kafka, Kayser y la deshumanización</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">En <i>La metamorfosis</i> existe un visible proceso de deshumanización, el cual puede ser captado a través de la estética grotesca propuesta por Wolfgang Kayser, dado que permite el acercamiento al proceso de degradación del ser humano presente en la obra y en la sociedad de aquel entonces.<br />
<br />
El crítico alemán tuvo como propósito histórico comprender al siglo xx; y la estética de lo grotesco se ocupa de demostrar la desorientación y el absurdo de la vida, lo cual está manifestado en la obra kafkiana. El autor reveló las impresiones comunes a todos los hombres contemporáneos que se hallaban angustiados al comprobar cómo los valores adoptados de generaciones anteriores iban quedando sin vigencia.<br />
<br />
Kafka presentó a través de su literatura y del uso de lo grotesco, en esta obra en particular, la desazón que producía la sociedad con su efecto alienante. Expuso dicha deshumanización para permitir al lector distanciarse y reflexionar. De este modo, el escritor evidenció una época y manifestó la presencia de elementos de enajenación en la civilización contemporánea, que reflejan las crisis y las tensiones que se producen en el plano social y personal.<br />
<br />
<b>Grotesco</b><br />
<br />
El presente trabajo se basará, centralmente, en las reflexiones de Kayser acerca de lo grotesco como distancia y extrañeza del mundo. Su obra ``Lo grotesco. Su configuración en pintura y literatura´´ es el primer intento sistemático, en el siglo xx, de plantear dicha cuestión.<br />
<br />
El autor pretendió dar contorno definido al concepto en cuanto a categoría estética, y apunta hacia tres dominios: el proceso creador, la obra y la percepción de esta.<br />
<br />
Para Kayser es una característica esencial que no se pueda dar una explicación de la sensación amenazante ligada al grotesco. Es una determinada manera de mirar al mundo, en la que percibimos extrañeza. La irrupción de este se plantea como una perturbación profunda del orden de la realidad, por lo tanto, aparece el contraste entre el mundo de nuestra experiencia normal y el desorden e incongruencia de la escena que una determinada obra literaria nos propone.<br />
<br />
De acuerdo con el estudio, el impacto íntegro de lo grotesco se atenúa con la segunda lectura, y aquello que irrumpe sigue siendo inaprehensible, inexplicable. Produce un efecto de desorientación, congoja y estremecimiento. Su poder liberador es la capacidad de captar y conjurar lo demoníaco en el mundo, y así desaparece el equilibrio entre lo terrible y lo ridículo.<br />
<br />
Para demostrar que lo grotesco es una constante histórica, Kayser subraya su importancia central en el arte y la literatura del siglo xx. Por eso, a la hora de definirlo insiste en ese lado perturbador e inquietante que nos aleja de lo cómico. <br />
El crítico alemán señala que esta estética delimita las fronteras entre realidad y absurdo, entre máscara y persona; y produce así el elemento de desarmonía que lo caracteriza y deja expuestos los componentes absurdos, degradantes y sorprendentes.<br />
<br />
<b>Deshumanización</b><br />
<br />
En su obra <i>Modernidad líquida</i>, Zygmunt Bauman afirma que el individualismo marca las relaciones y las transforma en precarias, transitorias y volátiles. La caracterización de la modernidad como un <i>tiempo líquido</i> da cuenta del tránsito de una modernidad <i>sólida</i> que es estable y repetitiva, a una <i>líquida</i>, la cual es flexible y voluble.<br />
<br />
En ella, los modelos y estructuras sociales ya no subsisten lo necesario para adaptarse y gobernar las costumbres de los ciudadanos, debido a las transformaciones y pérdidas que se producen. En la obra de Kafka, como resultado de la metamorfosis, Gregor es aislado de su familia, quienes acogen a huéspedes en su casa para una mejora de la economía familiar; tal es la importancia del dinero y no tanto del lazo familiar, que se puede ver reflejado en este pensamiento del personaje principal: "¡Cómo comen los huéspedes y yo aquí muriéndome!" (Kafka, 2010, p: 59)<br />
<br />
Este tipo de modernidad que expresa Bauman sostiene una figura del cambio y de la transitoriedad: "(…) se encontró en su cama transformado en un monstruoso insecto" (Kafka, 2010, p: 13)<br />
<br />
A su vez, su estudio se limitó a describir las contradicciones y tensiones no sólo sociales, sino también existenciales que se generan cuando los humanos se relacionan. <br />
Por lo tanto, se presenta una inconsistencia de los vínculos humanos, debido a que estos lazos parecen depender solamente de los beneficios que generan. Otro ejemplo literario es el momento en que Gregor, sensibilizado por la música que ejecuta su hermana, se acerca y es descubierto por los huéspedes. Ellos, al percatarse de su presencia, deciden dejar la casa sin pagar y la hermana reacciona con una desmesurada afirmación: "tenemos que intentar librarnos de él" (Kafka, 2010, p: 63)<br />
<br />
Es sabido que los sentimientos pueden crear dependencia, por lo tanto, se sostiene que en las relaciones alienadas y en las que no lo son, es mejor desvincularse rápido. Tal es el caso del encargado que acude a la casa a buscar a Gregor y huye al advertir la situación imperante: "Ya estaba en el vestíbulo, y a la vista de la rapidez con que levantó el pie por última vez del salón, dijérase que acababa de pisar fuego" (Kafka, 2010, p: 28)<br />
<br />
Dicho de otro modo, se cultiva el arte de truncar las relaciones, de desconectarse, de anticipar la decrepitud; este "arte" refleja los estados transitorios y volátiles. Asimismo, el amor y el cuerpo decaen: "Gregor, a pesar de su penosa y repugnante apariencia actual, era un miembro de la familia, a quien no podía considerarse un enemigo, sino frente al cual el deber familiar era reprimir el asco y resignarse, simplemente resignarse." (Kafka, 2010, p: 52)<br />
<br />
Al igual que el cuerpo y el amor, también decaen las relaciones. En <i>La metamorfosis</i> puede reflejarse en la relación de Gregor con su padre:<br />
<br />
"El padre cerró el puño amenazando, como si quisiera empujar de nuevo a Gregor hacia su habitación" (Kafka, 2010, p:26)<br />
<br />
"El padre no le daba cuartel y gritaba como un salvaje.[…] empujaba hacia adelante a Gregor con mayor estrépito. […] entonces el padre le dio por detrás un enérgico golpe, que le alivió, y lo metió dentro de su habitación sangrando abundantemente." (Kafka, 2010, p: 31)<br />
<br />
"[…] el padre había decidido bombardearlo" (Kafka, 2010, p: 50)<br />
<br />
Otra noción que se encuentra relacionada con la deshumanización es la desterritorialización, donde la apropiación del territorio ha pasado de ser un recurso a ser un estorbo. Si bien a Gregor le vacían el cuarto para que se movilizara más cómodamente, le estaban quitando toda esperanza de mejoría, animalizándolo en cierto punto y aumentando su degradación y deshumanización:<br />
<br />
"¿Realmente quería que convirtiesen la acogedora habitación amueblada confortablemente, con muebles familiares, en una cueva donde podría arrastrarse?" (Kafka, 2010, p:45)<br />
<br />
"Ellas le vaciaban su habitación, le robaban cuanto amaba." (Kafka, 2010, p: 46)<br />
<br />
Bauman también se vale del concepto de desechos humanos para referirse a los desempleados que son considerados como personas excluidas, aisladas. En el caso de la obra kafkiana se considera esto a Gregor, debido a que no aporta nada a la familia, por lo cual ellos ya no son capaces de tolerarlo: "-Debemos deshacernos de él- repitió la hermana" (Kafka, 2010, p: 64)<br />
<br />
Dentro de este concepto se tiene la presencia de la alienación generada por la modalidad de trabajo:<br />
<br />
"Era un esclavo del jefe, sin dignidad ni consideración" (Kafka, 2010, p: 15)<br />
<br />
"¿Por qué había sido condenado Gregor a trabajar en una empresa en la que el más mínimo error era inmediatamente origen de la mayor sospecha? ¿es que todos y cada uno de los empleados, sin excepción, eran unos sinvergüenzas?" (Kafka, 2010, p: 19) <br />
<br />
Además del trabajo y sus relaciones laborales, la sociedad también se refleja en la desintegración de la familia de Gregor. Parece no importar la desaparición de éste al final de la obra; ellos siguen su vida felizmente, lo cual hace alusión a la falta de atención de la sociedad hacia el individuo.<br />
<br />
Por todos estos aspectos mencionados, se puede sostener que Kafka fue un testigo lúcido de su tiempo y tuvo una conciencia pronunciada de lo negativo, debido a que lo empleó para plasmarlo en su literatura y reproducir la cosificación y el absurdo que imperaba en aquel entonces.<br />
<br />
La metamorfosis se produce en varios niveles y Gregor no es el único en quien opera esta transformación, sino también en su casa, su familia y su situación económica. Y en todos ellos intervienen aspectos de lo grotesco, debido a que captan el espíritu de la época y su factor deshumanizante.<br />
<br />
Por lo tanto, se podría afirmar que Kafka hizo uso de lo grotesco como un método de comprensión del siglo xx y la deshumanización que operó en él, presentando un vestigio intempestivo de su época al exhibir a la sociedad como degradante.<br />
<br />
<b>Fuentes</b> <br />
Mayra Valije, <a href="https://www.escritores.org/recursos-para-escritores/colaboraciones/14637-kafka-kayser-y-la-deshumanizacion">Kafka, Kayser y la deshumanización</a>, <i>Escritores.org</i>, 24 de agosto de 2015.<br />
Kafka, Franz, <i>La metamorfosis</i>, Buenos Aires: Libertador, 2010.<br />
Kayser, Wolfgang, <i>Lo grotesco: su configuración en pintura y literatura</i>, trad. Ilse M. de Brugger, Buenos Aires: Nova, 1970.<br />
Fernández Ruiz, Beatriz, <i>De Rabelais a Dalí: La imagen grotesca del cuerpo</i>, Universidad de Valencia, 2004.<br />
Vásquez Rocca, Adolfo, <a href="https://philosophieliterature.blogspot.coml/2012/01/zygmunt-bauman-modernidad-liquida-y.html">Zygmunt Bauman: Modernidad líquida y fragilidad humana</a>, <i>Transversales</i>, Madrid, 2012.</div>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-86615651681365086182017-08-18T04:08:00.003-03:002017-08-31T12:28:03.305-03:00Kilian y el grotesco ornamental<div style="text-align: justify;"><span style="font-size: xx-small;"><br />
</span> <span style="font-size: xx-small;">Conferencia de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Akerman">Mariano Akerman</a> presentada en el ciclo educativo "Sueños de artistas e imaginación en el arte"</span><br />
<br />
Inspirado por los <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/08/grotesco.html">grutescos pintados en Italia</a>, <b>Lucas Kilian</b> desarrolló una serie de trece láminas con paneles grotescos recurriendo a la técnica del aguafuerte. Tales imágenes figuran en su volumen titulado <i><b>Newes Gradesca Büchlein</b></i> (Nuevo librito de grotescos), publicado en Ausburgo, Alemania, en 1607.[1]<br />
<br />
Realizados en estilo extravagante, los adornos de Kilian retoman los seres híbridos y quiméricos provenientes de la grotta y cultivados por sus colegas italianos durante los siglos XV y XVI, sin olvidarse de incluir en sus profusas composiciones una profusión de elementos absurdos, ridículos, vulgares y chabacanos. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUNFRGjrHt54M9w4P7ien0YcsjJ59Ek-vL7o8SRkz_bDb_2bTm01XtTnmpbrA5hbwEUquXKxjzzMhFZteW-oFQKVsdAnK2Jx2cBFInne0zN9_AhLvGYnpi7KqTlEby8oRAAQ3YseboT-o/s1600/Kilian_1607.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="522" data-original-width="522" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUNFRGjrHt54M9w4P7ien0YcsjJ59Ek-vL7o8SRkz_bDb_2bTm01XtTnmpbrA5hbwEUquXKxjzzMhFZteW-oFQKVsdAnK2Jx2cBFInne0zN9_AhLvGYnpi7KqTlEby8oRAAQ3YseboT-o/s400/Kilian_1607.jpg" width="400" /></a></div><br />
Lucas (Lukas) Kilian (1579-1637). Pintor, dibujante y grabador alemán. Trabajó en el campo de la impresión para el editor Domenicus Custos. Kilian estuvo durante tres años en Italia, sobre todo en Venecia, pero pasó casi toda la vida en su ciudad natal, Ausburgo.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505479671/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian"><img alt="Kilian" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4417/36505479671_8693a582cd.jpg" width="367" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Lucas Kilian<br />
<i>Newes Gradesca Büchlein</i><br />
Ausburgo, 1607<br />
Serie de 13 láminas con paneles grotescos al aguafuerte<br />
Carátula con alegorías de Escultura y Pintura, acompañadas por infantes con los aributos del Diseño.</td></tr>
</tbody></table><br />
Los grabados de Kilian, que miden aproximadamente 19 x 14 cm cada uno, son preservados y raramente exhibidos en el Rijksmuseum de Ámsterdam y el British Museum de Londres. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36474289232/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_01"><img alt="Kilian_01" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4359/36474289232_232c37f458.jpg" width="365" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">1. Viejo montado al revés sobre burro; acompañado por mono. Ambos fustigando al cuadrúpedo, que es además atacado por avispas mientras defeca. En torno a ellos, figuras humanas y grotescas cantan y ejecutan música.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36596905106/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_02"><img alt="Kilian_02" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4414/36596905106_196e738bd3.jpg" width="376" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">2. Nacimiento de Venus en entorno bien grotesco.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505478361/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_02_arabesque_1b"><img alt="Kilian_02_arabesque_1b" height="146" src="https://farm5.staticflickr.com/4388/36505478361_b829196845.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">2.1 Medias-figuras</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505478581/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_02_arabesque_1a"><img alt="Kilian_02_arabesque_1a" height="640" src="https://farm5.staticflickr.com/4385/36505478581_9931d82abf_z.jpg" width="381" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">2.2. Junto a Venus, un joven con sombrero emplumado le dispara su cerbatana al trasero de un sátiro agachado, que parece haber emergido de una cornucopia y se apoya sobre una figura sumamenente híbrida. Entre los personajes figura un macaco.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36596903836/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_02_arabesque_1c"><img alt="Kilian_02_arabesque_1c" height="240" src="https://farm5.staticflickr.com/4409/36596903836_2f9785dd25.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">2.3. Figuras híbridas y macacos</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36596903466/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_03"><img alt="Kilian_03" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4426/36596903466_a90d77e345.jpg" width="367" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">3. Líquido indeterminado emena de los dos cuernos que sostiene un pequeño gurú y es recolectado por los cuencos de dos sátiros alados. Todo rodeado por una fauna de lo más diversa e incluyendo hombres y bestias preparando carne asada.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36474286382/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_04"><img alt="Kilian_04" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4362/36474286382_56d9e73e0f.jpg" width="374" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">4. Noble andrógino, opulenta con máscaras, grotescos, estudiosos y vejestorio pedorrero.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35834438453/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_05"><img alt="Kilian_05" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4377/35834438453_12883afc70.jpg" width="371" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">5. Turco abanderado y sentado sobre tambor. Dos pequeños jinetes a caballo entablan una lucha entre civilizaciones y son parodiados por aún más pequeñas aves grotescas montadas sobre chanchos. Animan la escena otras tantas figuritas grotescas marginales.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505480211/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_06"><img alt="Kilian_06" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4377/36505480211_959d792544.jpg" width="381" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">6. Venus y Cupido rodeados por pavo real, centuriones sirviendo unas copas, sátiros portando canastos con frutos y conduciendo dos carros ornamentales.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505480111/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_07"><img alt="Kilian_07" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4356/36505480111_d02ab8b45a.jpg" width="369" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">7. Hércules en lucha contra Anteus, sobre león atacando un toro, todos rodeados por bichos grotescos.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505479981/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_08"><img alt="Kilian_08" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4349/36505479981_fa204d97db.jpg" width="370" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">8. Baco sentado bajo la parra e involucrando articulación y varias figuras grotescas.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36474289862/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_09"><img alt="Kilian_09" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4403/36474289862_7741772cf5.jpg" width="361" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">9. Venus y Adonis, en plena <i>fellatio</i>, son rodeados por cabales motivos de cacería.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36247209590/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_10"><img alt="Kilian_10" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4351/36247209590_9287a82209.jpg" width="376" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">10. El globo con la bóveda celeste y un grotesco andamiaje no carente de personajes también grotescos.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36546881432/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_11"><img alt="Kilian_11" height="304" src="https://farm5.staticflickr.com/4399/36546881432_de505973b9.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">11. Grotesco el festejo y grotesco el desfile</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35881539494/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_12"><img alt="Kilian_12" height="299" src="https://farm5.staticflickr.com/4368/35881539494_8af87694a0.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">12. Cauteloso tratamiento íntimo y rimbombante introducción del Elefante Blanco</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35834336373/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_13"><img alt="Kilian_13" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4390/35834336373_a3dbdcbe84.jpg" width="371" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">13. Carro triunfal con prisonero, babuinos e híbridos<br />
Tira del carro un sátiro alado.</td></tr>
</tbody></table><br />
Como bien supone Peacay, el trabajo es representativo de cierto punto en la evolución del grotesco europeo.[2] la importancia de la contribución de Kilian radica en ser el novedoso eslabón que une al grotesco manierista con su par barroco. En efecto, la obra de Kilian es el punto de transición entre el grotesco manierista latino y el grotesco auricular o cartilaginoso que se desarrolla en el norte europeo durante el siglo XVII e implica un considerable ablandamiento de las formas y su subsecuente disolución.<br />
<br />
Los ornamentos grabados en el <i><b>Newes Gradesca Büchlein</b></i> son netamente manieristas en carácter. Bastante diferente es el corte de sus pares publicados en 1624, cuya naturaleza es mucho más barroca. Los diseños tardíos de Kilian fueron incorporados en su <b><i>Newe Gradisco Buech</i></b> (Nuevo libro de grotescos), preservado en el Victoria & Albert Museum de Londres. Se trata de una docena de láminas con diseños para rejas, todas ellas marcadamente simétricas e involucrando una muy sobria interacción entre bandas o cintas ondulantes, a las que comunmente se conoce como <a href="http://www.spamula.net/blog/2007/06/tales_of_the_arabesque_1.html" target="_blank">arabescos</a>, y motivos híbrido-grotescos, ahora ya bastante subidos de peso y coexistiendo con rechonchos querubines barrocos. Lo interesante de los arabescos de Kilian es que ellos, a diferencia de sus predecesores, no son meramente abstractos,[3] sino que insinúan materia orgánica cartilaginosa. Debido a ello, en el caso de Kilian, es apropiado hablar de <i>arabescos cartilaginosos</i>. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254546580/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_61"><img alt="Kilian_NGB_1624_61" height="540" src="https://farm5.staticflickr.com/4398/36254546580_c21669af60_o.jpg" width="390" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Portada del<i> Newe Gradisco Buech</i>, 1624<br />
Diseños de Lucas Kilian, publicados por Raphael Custos</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36481697412/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624"><img alt="Kilian_NGB_1624" height="78" src="https://farm5.staticflickr.com/4407/36481697412_e9d420d575_o.jpg" width="429" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Friso con diseño en groto-arabesco cartilaginoso</td></tr>
</tbody></table><br />
Parte considerable de los restantes diseños son de corte serio y algo más pesado. En ellos la presencia de la simetría parece volverse aburrida y convencional.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254544390/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_69"><img alt="Kilian_NGB_1624_69" height="527" src="https://farm5.staticflickr.com/4363/36254544390_ab986c3929_o.jpg" width="387" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Arabesco cartilaginoso y motivos grotescos</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36512465231/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_68"><img alt="Kilian_NGB_1624_68" height="523" src="https://farm5.staticflickr.com/4362/36512465231_1f02e6360c_o.jpg" width="393" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Arabescos semi-abstractos y Santo Niño</td></tr>
</tbody></table><br />
La colección de diseños ornamentales del <b><i>Newe Gradisco Buech</i></b> incluye también un grabado dedicado a los Cuatro Elementos y cuatro más dedicados cada uno de ellos a las Estaciones del Año. Las figuras alegóricas y querubines que figuran en ellos presentan todos considerable sobrepeso e indudablemente pertenecen al estilo barroco. En estos trabajos, donde el claroscuro gradualmente asume un papel destacado, las fguras barrocas son combinadas con motivos grotescos, arabescos y otros tantos de naturaleza mixta pero cuyo origen se remonta por lo menos al <i>Newes Gradesca Büchlein</i> de 1607. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254544190/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_70"><img alt="Kilian_NGB_1624_70" height="530" src="https://farm5.staticflickr.com/4345/36254544190_53a7708e39_o.jpg" width="393" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Los Cuatro Elementos<br />
Tierra, Agua, Aire y Fuego</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254546230/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_62"><img alt="Kilian_NGB_1624_62" height="527" src="https://farm5.staticflickr.com/4424/36254546230_dd25d74ca7_o.jpg" width="389" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Primavera</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36512467101/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_63"><img alt="Kilian_NGB_1624_63" height="528" src="https://farm5.staticflickr.com/4359/36512467101_4308cde4d6_o.jpg" width="396" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Verano</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254545780/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_64"><img alt="Kilian_NGB_1624_64" height="531" src="https://farm5.staticflickr.com/4376/36254545780_336c649a90_o.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Otoño</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254545340/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_65"><img alt="Kilian_NGB_1624_65" height="529" src="https://farm5.staticflickr.com/4397/36254545340_dd28cf5d0b_o.jpg" width="392" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Invierno</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Entre Manierismo y Barroco</b><br />
<br />
Como modo estilístico, el grotesco reemergió de los recintos subterráneos en Roma en 1480 y subsecuentemente llegó a ser verdadero recurso expresivo a lo largo de todo el siglo XVI, en todas las artes ornamentales y particularmente en lo que concierne a la decoración de interiores. La difusión de la estética grotesca fue posible gracias al perfeccionamiento de la técnica del grabado. A los puntos más distantes llegaron los impresos con la seminal imaginería de <i>I sogni dei pittori</i> y así Europa toda aprendió acerca del valor expresivo de lo grotesco y rápidamente lo adoptó. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/1RzSGu9Enp62mJbieQf20dMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh4.googleusercontent.com/-407Gcd0nBd4/TYLnAfGYtmI/AAAAAAAAP3A/sK2bJtBUPq0/s400/Marco_Dente.jpg" width="261" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Marco Dente, a partir de Rafael<br />
<i>Grotesco</i>, grabado ornamental, principios del siglo XVI</td></tr>
</tbody></table><br />
El grotesco cultivado por Rafael Sanzio había sido un asunto sumamente bien equilibrado, donde hasta los bichos más híbridos ejercían un irresistible encanto sobre el espectador. Fue durante la segunda mitad del siglo XVI que lo grácil cedió terreno a lo que ya no lo es tanto. Así, los manieristas se interesaron no tanto en crear armonías a través de lo grotesco, sino que se embelezaron con lo tensamente caprichoso.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/iikayGikthEs0Kbc8uwIpNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="301" src="https://lh3.googleusercontent.com/-eIQpiImK-Po/TMkK3s1HTDI/AAAAAAAAMNo/ydtuG16xRbg/s400/manniera.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Motivo grotesco de un grabado manierista, segunda mitad del siglo XVI</td></tr>
</tbody></table><br />
Entre 1545 y 1563, contra el exceso reaccionó el Concilio de Trento, cuyas disposiciones sentaban las bases para una imaginería eclesiástica unívoca en su contenido y respetuosa para con todos aquellos ligados a la santidad. Sin embargo, lo estipulado por el Concilio tomó su buen tiempo en surtir efecto y, además, ello afectó sobre todo al entorno eclesiástico, en tanto que en los marcos seculares la actitud fue por lo general de mayor tolerancia. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35846115403/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Fides_Grotescos"><img alt="Fides_Grotescos" height="397" src="https://farm5.staticflickr.com/4348/35846115403_1f772b2d40.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Fides</i>, alegoría de la Fe católica, con grutescos.[4] Reclinada y provista de cáliz con hostia, cruz latina y volumen con texto bíblico, la Iglesia observa distante los caprichos representados cerca suyo. Fresco, detalle. Palazzo Vecchio, Florencia, c. 1550.</td></tr>
</tbody></table><br />
El caso de la obra de Kilian es particularmente interesante, dado que es en ella precisamente que tiene lugar una decisiva mutación del grotesco ornamental. Dicha transformación es prueba contundente que el grotesco no desaparece después del Manierismo, pasado ya el siglo XVI, sino que sufre una metamorfosis y es por medio de ella que logra sobrevivir durante el Barroco del siglo XVII (e incluso a lo largo del Rococó dieciochesco).<br />
<br />
A través de sus estampas en <i>Newes Gradesca Büchlein</i> de 1607, Kilian se zambulle en un mundo complicado y caprichoso, pero también uno asombroso y encantador. Es un mundo muy rebuscado y rico en adornos, donde el artista da muestra clara de su amplio conocimiento del vocabulario grotesco proveniente del manierismo italiano y al cual él no duda en aplicarle su toque personal. Allí, las composiciones son generalmente simétricas, pero difícilmente tediosas: todo el tiempo Kilian inserta aquí o allá algo que rompe la monotonía de la obra y le aporta una frescura fantástica que él frecuentemente expresa en muy estudiados juegos de asimetría. A ello se le suman aristocráticos grotescos mitológicos y también grotesquerías populares, generalmente toscas, bien ordinarias. En pocas palabras, Kilian construye en ese "Librito" un verdadero caos ordenado, que sostiene admirablemente con sofisticados andamiajes filiformes.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36505480111/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_07"><img alt="Kilian_07" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4356/36505480111_d02ab8b45a.jpg" width="369" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Kilian, <i>Newes Gradesca Büchlein</i>, 1607</td></tr>
</tbody></table><br />
En su <i>Newe Gradesca Buech</i> de 1624, Kilian intenta preservar al menos parte de su repertorio grotesco ornamental. Trabaja con híbridos y asimetrías, aunque gradualmente ellos parecerían abandonar su obra. Los andamiajes filiformes se vuelven más sólidos, tridimensionales y pesados, porque el artista cultiva ahora el arabesco cartilaginoso, al que no tarda en agregarle efectos de claroscuro y someterlo a estrictas simetrías. Resignadas, las estilizadas mediafiguras aladas quedan subordinadas a tediosos querubines rechonchos. Las demás figuras adquieren proporciones netamente opulentas y barrocas. La inventiva del autor se ajusta así a las nuevas pautas que rigen el siglo XVII. Y su arte es reflejo de ello. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36512465231/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_68"><img alt="Kilian_NGB_1624_68" height="523" src="https://farm5.staticflickr.com/4362/36512465231_1f02e6360c_o.jpg" width="393" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Kilian, <i>Newe Gradesca Buech</i>, 1624</td></tr>
</tbody></table><br />
El fascinante mundo inicial se transforma. Adquiere cuerpo, peso y claroscuro. Se vuelve casi redundante. Pero incluso desde la agonía propia de toda metamorfosis, Kilian no abandona a sus grotescos. En los últimos grabados que les dedica a las Estaciones del Año, los grotescos siguen aún presentes en composiciones cautelosas pero deliberadamente caprichosas, y a las que el artista articula en virtud de lo híbrido, lo vulgar y lo cartilaginoso, asuntos bien grotescos todos ellos y sobre los que Kilian sigue dando cátedra hasta el día de hoy.<br />
<br />
Mariano Akerman<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36254546230/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624_62"><img alt="Kilian_NGB_1624_62" height="527" src="https://farm5.staticflickr.com/4424/36254546230_dd25d74ca7_o.jpg" width="389" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Kilian, "Primavera", 1624</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Notas </b><br />
1. Lucas Kilian, <i>Newes Gradesca Büchlein</i>, Augsburg, 1607. Etchings, from a series of thirteen plates with grotesque panels. <br />
2. Peacay, <a href="http://bibliodyssey.blogspot.com/2012/10/kilian-grotesque-ornament.html">Kilian Grotesque Ornament</a>, <i>BibliOdyssey</i>, 22 de octubre de 2012. <br />
3. Peter Ward-Jackson, "Some Main Streams and Tributaries in European Ornament from 1500 to 1750," <i>Victoria & Albert Museum Bulletin</i>, 1967; Misteraitch, <a href="http://www.spamula.net/blog/2007/06/tales_of_the_arabesque_1.html">Tales of the Arabesque</a>, <i>Giornale Nuovo</i>, 6 de junio de 2007.<br />
4. Imagen presentada por quien escribe en su conferencia <a href="http://akermariano.blogspot.com/2017/03/art.html">Baroque: Catholic Art in Counter-Reformation Times</a>, Universidad Bar-Ilan, Ramat Gan, Departmento de Historia, 22 de enero de 2017. </div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36481697412/in/album-72157685281952903/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Kilian_NGB_1624"><img alt="Kilian_NGB_1624" height="78" src="https://farm5.staticflickr.com/4407/36481697412_e9d420d575_o.jpg" width="429" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Groto-arabesco cartilaginoso</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Recursos</b><br />
<a href="https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/143835--akermariano/collections/kilian">Kilian at Rijksmuseum</a><br />
<a href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/albums/72157685281952903">Álbum Ornamental Grotesques</a><br />
<a href="https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/143835--akermariano/collections">Rijksstudio Collections</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.com/2014/03/european-ornamental-prints.html">European Ornamental Prints</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-43194360144630383652017-08-13T02:41:00.002-03:002017-09-01T13:49:49.867-03:00Decoraciones a la grotesca<br />
<div style="text-align: justify;"><span style="font-size: xx-small;">Conferencia de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Akerman">Mariano Akerman</a> presentada en el ciclo educativo "Sueños de artistas e imaginación en el arte"</span><br />
<br />
Entre las características más notables del <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/08/palazzo-vecchio.html" target="_blank">Palazzo Vecchio</a> o Palazzo della Signoria, un lugar destacado ocupan las decoraciones a la grotesca. Considerando ese hito arquitectónico florentino, el siguiente artículo investiga qué se entiende por decoraciones a la grotesca y en qué exactamente consisten las mismas. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-uevouI7pBAY/WY_jrI8hw-I/AAAAAAAA0Yw/tIqKQJRSj34XVOoJeA7j5E4lQpHvFqUOwCLcBGAs/s1600/Palazzo_della_Signoria.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="587" data-original-width="586" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-uevouI7pBAY/WY_jrI8hw-I/AAAAAAAA0Yw/tIqKQJRSj34XVOoJeA7j5E4lQpHvFqUOwCLcBGAs/s400/Palazzo_della_Signoria.jpg" width="399" /></a></div><br />
Las decoraciones a la grotesca del Palazzo Vecchio no surgieron de la nada y de hecho poseen un contexto histórico específico. Ellas fueron desarrolladas en Italia durante la segunda mitad del siglo XVI. Pertenecen a un período de crisis que corresponde a la último segmento del Renacimiento italiano y al que se conoce como Manierismo. <br />
<br />
En Italia, el manierismo es un período de transición que se da entre el Renacimiento pleno y el Barroco, aproximadamente entre los años 1525 y 1600. Fue precisamente en tiempos del Renacimiento pleno que el arte occidental conoció una extraordinaria armonía y belleza en las artes y en la arquitectura gracias a la contribución de figuras tales como Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.<br />
<br />
Artista inspirado por el legado grecolatino y sumamente equilibrado, Rafael fue él mismo pionero del renacimiento de los motivos grotescos en el siglo XV. En Roma, hacia 1480, encontrándose en la ladera de una de las colinas del Esquilino, alguien accidentalmente descubrió allí una especie de gruta cubierta de sorprendentes pinturas que se remontaban a la Antigüedad. Inicialmente el lugar se confundió con las Termas de Tito. <br />
<br />
Oculto y abandonado durante casi mil años bajo el monte Oppio, frente al Coliseo, el lugar en cuestión era la <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/07/domus-aurea.html" target="_blank">Domus Aurea</a>, complejo palaciego construido por el emperador romano Nerón tras el gran incendio del año 64 EC y que, según Plinio, llegó oportunamente a ser decorado por el pintor predilecto del emperador, Fabulus.[1] Realizadas en pintura y estuco sobre parietales y cielorrasos abovedados de cámaras y corredores, tales decoraciones pertenecen a lo que se da por llamar el <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_la_Antigua_Roma" target="_blank">Cuarto Estilo de la Pintura Pompeyana</a>, caracterizado por ser expresión cabal de la fantasía del artista, quien abandona la tradicional imitación de la realidad circundante y formula un novedoso mundo visual. En la pintura romana, legado de Fabulus es la creación y el desarrollo del <a href="http://visual-akermariano.blogspot.com/2014/04/pintura-de-la-antigua-roma.html">Estilo Fantasía</a>. <br />
<br />
<div style="text-align: center;"><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/ex9zToQs4hmIBcVx2QI00RE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="265" src="https://lh3.googleusercontent.com/-kn-7eWptG_k/TQ9Oo6ZUCuI/AAAAAAAAPpE/it8uyNKu0-E/s400/domus%252520aurea%252520fresco%252520detail.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Detalle de parietal con friso en la romana Domus Aurea</td></tr>
</tbody></table></div><br />
Para visitar las estancias había que penetrar a través de estrechas aberturas excavadas entre las ruinas de antiguos edificios, incluyendo ellos también las termas de Trajano. Luego se caminaba varios metros a través de tierra acumulada sobre el suelo de las cámaras de la Domus Aurea y se podía entonces admirar, a cierta distancia y a la luz de las antorchas, el principal atractivo del palacio: su refinada decoración con motivos fantásticos cubriendo los parietales y las bóvedas.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35780795393/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Domus Aurea"><img alt="Domus Aurea" height="254" src="https://farm5.staticflickr.com/4414/35780795393_e0e618b7ea_c.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sala de la Bóveda Dorada, Domus Aurea, Roma, c. 65-68 EC.</td></tr>
</tbody></table><br />
Poco después de haber sido descubiertas las decoraciones de la Domus Aurea, los artistas más notables de la época visitaron los recintos y corredores de la Domus Aurea, donde tomaron apuntes de sus originalísimos diseños, a los que gradualmente introdujeron en su propia obra. Entre esos pintores caben ser mencionados Pinturicchio, Ghirlandaio y Rafael. En Roma, Rafael se destacó por el desarrollo de pinturas y decoraciones a la grotesca en las <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/raphael.html" target="_blank">Logias Papales</a> del Palacio Apostólico del Vaticano, entre 1515 y 1519.[2]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-TlSra2BEoOU/WYhRnIBZi_I/AAAAAAAA0S8/suVrg6HkScciw2fE-1S-wpncK5qS8-P6ACLcBGAs/s1600/Loggias_Vatican.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="499" height="640" src="https://4.bp.blogspot.com/-TlSra2BEoOU/WYhRnIBZi_I/AAAAAAAA0S8/suVrg6HkScciw2fE-1S-wpncK5qS8-P6ACLcBGAs/s640/Loggias_Vatican.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Rafael y Giovanni da Udine<br />
Detalle de pilastra compuesta con decoraciones grutescas<br />
Logias Papales, Palacio Apostólico Vaticano</td></tr>
</tbody></table><br />
Un rasgo singular de la Domus Aurea es que una vez que Nerón se hubo suicidado, y para borrar todo trazo del mismo, sus sucesores enterraron literalmente la Domus Aurea, cosa que dio lugar una especie de colina en plena Roma. Luego de descubierta la supuesta "gruta", es decir, esa de especie de cueva subterrána artificial por la que se accedía a los remanentes de los recintos palaciegos neronianos, las decoraciones renacentistas denominadas <i>grotescas</i>, dado que su inspiración provenía de lo que entonces se conocía como la "gruta" (it. <i>grotta</i>).[3]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36445401482/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Antiguas_Ruinas"><img alt="Antiguas_Ruinas" height="527" src="https://farm5.staticflickr.com/4366/36445401482_0b42d07918_o.jpg" width="357" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jacques Andruet du Cerceau<br />
<i>Dibujantes estudiando las ruinas de la Antigüedad</i>, grabado, 1530</td></tr>
</tbody></table><br />
Las salas a las que tuvieron acceso fueron relativamente escasas, pero su identificación ha sido fundamental para determinar las primeras pinturas que los artistas del Renacimiento copiaron y estudiaron. <br />
Fue posible reconstruir el recorrido de aquellos primeros exploradores por medio de las descripciones conservadas, los apuntes y las reproducciones de los frescos, así como de los grafitos grabados en las bóvedas o pintados con el tizne de las antorchas junto a los orificios por los que penetraban. En la parte oriental de la Domus Aurea, la llamada Sala de la Bóveda de los Estucos fue una de las más visitadas. En ella se situó erróneamente el hallazgo del Laocoonte, el gran conjunto escultórico helenístico que en realidad había aparecido en un viñedo próximo, junto a las ruinas de la cisterna de las termas de Trajano. Numerosos grafitos y diversas perforaciones en las bóvedas demuestran que también se visitó la Sala Octogonal, junto a las cinco habitaciones abiertas a ella, así como la sala de la Bóveda Dorada y el Criptopórtico. Mientras que la Bóveda de los Estucos se destacaba por la geometría de su composición, subrayada por molduras de estuco, la Bóveda Dorada causaba admiración por sus dimensiones monumentales y su asombrosa policromía. Desde finales del siglo XV se hicieron también incursiones en la parte occidental del palacio. Esta sección estaba decorada con un estilo más libre, con fondos de colores diversos sobre los que se disponían seres fantásticos y aves. En el <i>Codex Escurialensis</i>, un cuaderno de apuntes atribuido a un discípulo de Ghirlandaio, se conserva la reproducción de algunos detalles de la Bóveda de los Búhos, la Bóveda Amarilla y la Bóveda Negra. Los artistas del Cinquecento también copiaron motivos aislados de diferentes bóvedas del palacio neroniano y los utilizaron para la decoración de pilastras y frisos. El repertorio se fue enriqueciendo paulatinamente con la incorporación de grifos, centauros, tritones, todos ellos inspirados en los seres fantásticos no más que sugeridos con pinceladas rápidas y poco definidas que figuraban en los frescos de la Domus Aurea.[4]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36460104942/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Codex_Escurialensis"><img alt="Codex_Escurialensis" height="202" src="https://farm5.staticflickr.com/4369/36460104942_c38186e904_o.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Seres fantásticos en el <i>Codex Escurialensis</i></td></tr>
</tbody></table><br />
Hasta el día de hoy la lengua italiana emplea la palabra <i>grottesca</i> para referirse a las decoraciones inspiradas por aquellas descubiertas en la mencionada gruta artificial, en tanto que el castellano posee tanto <i>grutesca</i> como <i>grotesca</i>.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36378209561/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Grottesca"><img alt="Grottesca" height="298" src="https://farm5.staticflickr.com/4383/36378209561_37a265f8a7_o.jpg" width="445" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dizionario della lingua italiana: Grottesca</td></tr>
</tbody></table><br />
La figura grotesca suele consistir en un motivo visual inventado por el artista y que mezcla en sí elementos provenientes de orígenes diversos o de reinos que la naturaleza mantiene estrictamente divorciados. Se trata de una creación en cuya base descansa el capricho o antojo de su creador. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36476791296/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Grottesca Palazzo Vecchio Firenze"><img alt="Grottesca Palazzo Vecchio Firenze" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4358/36476791296_df3bd33c25.jpg" width="423" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grotteschi<br />
Palazzo Vecchio, Florencia</td></tr>
</tbody></table><br />
Las decoraciones grutescas comprenden frescos y estucos donde figuran ricos motivos vegetales entrelazados, amorcillos, mascarones, seres mitológicos y fantásticos. Este tipo de decoración incorpora también la disposición de motivos a modo de un candelabro y, cuando enmarcada en un panel rectangular alargado, se la denomina decoración <i>a candelieri</i>.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/zT2qEwdmlb5tlFtIhXZJ_hE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="640" src="https://lh5.googleusercontent.com/-Kj85_y6uQ0Y/Ty5fe8vvY1I/AAAAAAAAWhs/YrVH5kpHRSg/s640/Fabullus.jpg" width="118" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fabullus<br />
<i>Motivos grotescos<br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/04/lo-fantastico.html" target="_blank">Estilo Fantasía</a></i><br />
siglo I EC.</td></tr>
</tbody></table><br />
La Real Academia Española entiende por <i>grutesco</i> todo aquello perteneciente o relativo a la gruta o estancia subterránea artificial, pero también se refiere específicamente al adorno "de bichos, sabandijas, quimeras y follajes",[5] o sea, un ornamento de naturaleza híbrida, fruto de la imaginación artística y que por ello difícilmente posea equivalente alguno en la naturaleza. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM3lgJZts7ivDCnWA44Q2q3uW6h6zFPIF-McGVqZJq6iIagqg-_6IQUrtfq4APnSHwOAS_YiB4tPGrNaMm6jB4qS3NUtz0FBEnXdqe3q7FHJRbIqOcNYcE7XTw8YhDuZGOtod9guDSl8c8/s1600/motivos_1776.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhM3lgJZts7ivDCnWA44Q2q3uW6h6zFPIF-McGVqZJq6iIagqg-_6IQUrtfq4APnSHwOAS_YiB4tPGrNaMm6jB4qS3NUtz0FBEnXdqe3q7FHJRbIqOcNYcE7XTw8YhDuZGOtod9guDSl8c8/s400/motivos_1776.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Motivos híbridos floridos de la Domus Aurea<br />
Detalle de un grabado realizado en 1776</td></tr>
</tbody></table><br />
El primer historiador del arte de Occidente, Giorgio Vasari, se refiere a aquellas antiguas decoraciones neronianas en los siguientes términos: <br />
<br />
<blockquote>El grutesco es una especie de pintura licenciosa y muy ridícula, empleada por los antiguos para la ornamentación de ambientes cuya naturaleza no requería otra clase de pinturas. Se representaban extravagancias de la naturaleza, abortos de monstruos, según el capricho y la fantasía del artista. Se ven así representaciones inverosímiles, como pesos enormes sostenidos por un hilo, un caballo con patas de hoja o bien un hombre con patas de grulla y un infinito número e figuras raras y animales fantásticos. A mayor despliegue de extravagancia por parte del artista, más elogio y admiración se le tributaba (<i>Vite de' più eccellenti architetti, pittore et sculttori italiani</i>, 1550).[6]</blockquote><br />
Según Vasari, quien tenía la imaginación más desbordante era de hecho el más apto y capacitado para realizar composiciones a la grutesca. Con todo, el propio Vasari llega a admitir que "la verdad es que [...] son obras alegres de verse."[7]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://1.bp.blogspot.com/-IIzQAxyMV-A/U1wGrQwitwI/AAAAAAAAkgM/FKO30uduVwk/s1600/motivos_estilo_fantasia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://1.bp.blogspot.com/-IIzQAxyMV-A/U1wGrQwitwI/AAAAAAAAkgM/FKO30uduVwk/s400/motivos_estilo_fantasia.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Motivos en detalle de un friso de la Domus Aurea</td></tr>
</tbody></table><br />
En esas pinturas Vasari percibe frescura, belleza y calidad.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36454474362/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Domus_Aurea_Fresco"><img alt="Domus_Aurea_Fresco" height="480" src="https://farm5.staticflickr.com/4358/36454474362_fd36f363a2_o.jpg" width="360" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fragmento de fresco parietal de la Domus Aurea</td></tr>
</tbody></table><br />
Chastel da cuenta que "entre los elementos más originales de las decoraciones encontradas en el Esquilino se encontraba un conjunto de pequeños recuadros figurando pinturas que atrajeron rápidamente la atención: unos paisajes en miniatura, pintados con pinceladas vivas que constituían una especie de medallones «figurativos» colocados en medio de la retícula lineal. En ellos se podían ver las siluetas de los dioses, faunos, pequeños templos en miniatura, escenas de sacrificio..., un repertorio completo de temas religiosos o idílicos, a escala reducida, pero de carácter ligero y agradable. Estos paisajitos fueron los que inspiraron la decoración de los baños [<i><a href="https://it.wikipedia.org/wiki/Stufetta_del_cardinal_Bibbiena" target="_blank">Stufetta</a></i>] del Vaticano y del Castillo de Sant'Angelo, las reconstrucciones «<i>all'antica</i>», que confirmaban la estrecha relación que existía entre los grutescos y la fábula, lo que resultaba sumamente atractivo para el esnobismo «paganizante» del Renacimiento."[8]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36522187896/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Stufetta"><img alt="Stufetta" height="275" src="https://farm5.staticflickr.com/4420/36522187896_a41d2c4f06_c.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Rafael, Sufetta del cardinal Bibbiena, 1516<br />
Palacio Apostólico Vaticano</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35784426793/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Bagnetto all'Antica"><img alt="Bagnetto all'Antica" height="326" src="https://farm5.staticflickr.com/4414/35784426793_3dbd1b9584_o.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Giovanni da Udine, Bagnetto de Clemente VII Médici, 1525<br />
Castel Sant'Angelo, Roma</td></tr>
</tbody></table><br />
Significativo en el caso de las decoraciones a la grotesca era su característico escape a todo tipo de explicación racional, su variedad y rareza, así como su apariencia insólita, donde se reflejaba por sobre todo la imaginación liberada. Como conjunto, sus motivos expresaban el "sueño de la pintura" y daban así lugar a motivos sin nombre y un género imposible de ser clasificado: "los grutescos tienen el encanto inconsistente de los sueños" y "se pueden utilizar para animar con sus tenues tramas la desnudez de las bóvedas, dando a las casas una nota alegre muy apreciable."[9] <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35772998634/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Loggetta"><img alt="Loggetta" height="331" src="https://farm5.staticflickr.com/4359/35772998634_c1713aa2a0_z.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Rafael, Logetta del cardenal Bibbiena, 1516-17<br />
Palacio Apostólico Vaticano</td></tr>
</tbody></table><br />
La gran variedad de motivos desarrollados por Rafael y sus discípulos fue sumamemente exitosa y proporcionó un amplio repertorio de elementos que luego sirvió de base para un sinnúmero de decoraciones a la grutesca.[10] Gracias al empleo y refinamiento de la técnica del grabado, los fundamentos de la decoración a la grotesca lograron divulgarse a través de impresos tanto por Italia como por toda Europa. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/1RzSGu9Enp62mJbieQf20dMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="640" src="https://lh4.googleusercontent.com/-407Gcd0nBd4/TYLnAfGYtmI/AAAAAAAAP3A/sK2bJtBUPq0/s640/Marco_Dente.jpg" width="417" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Marco Dente (basado en Rafael)<br />
<i>Media Figura</i> (Grotesco)<br />
Grabado ornamental, inicio del siglo XVI</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/XBbaWJVLfCvp8vjPN-wVLRE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="350" src="https://lh4.googleusercontent.com/-76Hw1CSOU_4/UU3PbEAeuUI/AAAAAAAAfU4/8tmP8Q_ARTk/s800/Veneziano_Grotesque.jpg" width="247" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Veneziano (Agostino di Musi), <i>Grotesco</i>, 1530. <br />
Grabado con color aplicado a mano<br />
Herzog Anton-Ulrich Museum, Braunschweig</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/lReGa-DqqgSyHhV_w_1JhtMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="640" src="https://lh5.googleusercontent.com/-2blPDplOOGk/UNTQSzwh88I/AAAAAAAAdRk/34_dy0lctS0/s640/Enea_Vico_Tomaso_Barlacchi_Paneles_ornamentales_grotescos_1541_British_Museum.jpg" width="425" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Enea Vico: Panel ornamental grotesco<br />
Grabado por Tomaso Barlacchi, 1541<br />
British Museum, Londres</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/PsSE9_X2OWA8Zmy2icX3DtMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="337" src="https://lh6.googleusercontent.com/-ulK9S_j4XY0/Uy3VwyiN-FI/AAAAAAAAjvw/u9QQ-7YIehI/s800/MAK_Candelabrum.gif" width="219" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Configuraciones grotescas [por ¿Vico?]</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/NDwQPWgiNYzLUBcRuyJ3ERE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="467" src="https://lh6.googleusercontent.com/-l89kLWt9XpM/UFCZxXMAh_I/AAAAAAAAY7Q/1XKJHvpRuSw/s800/Delaune.jpg" width="355" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Étienne Delaune, Grotesco ornamental, grabado, siglo XVI.</td></tr>
</tbody></table><br />
Desde que tal difusión comenzó a partir del siglo XVI, la ornamentación a la grotesca se expandió y fue implementada en prácticamente todas las artes decorativas.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWBIUrpjEbeR73C-mnxeWlfxe1SWUGIc9OkK0iutzerACKloSkUVL1QEOUGw-kFrddo1So0ojVZ2uRA9YXwaJL5FfPV8kp947LAeLu0vaYM9mUQUIqYxZ0SJpiSvIama2cs0egRYFqih0/s1600/grotteschi_akerman_plate.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" height="300" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5586555249272255138" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWBIUrpjEbeR73C-mnxeWlfxe1SWUGIc9OkK0iutzerACKloSkUVL1QEOUGw-kFrddo1So0ojVZ2uRA9YXwaJL5FfPV8kp947LAeLu0vaYM9mUQUIqYxZ0SJpiSvIama2cs0egRYFqih0/s400/grotteschi_akerman_plate.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ejemplos diversos de decoraciones a la grotesca</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/7tItlZzggde06YTljZY1xxE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="800" src="https://lh4.googleusercontent.com/-bqaP3z2j7F8/Ty5n2WTIvhI/AAAAAAAAWkk/Y8m_kAYGwng/s800/pilastra.jpg" width="325" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grabado coloreado a mano por Volpato & Ottaviani (a partir de dibujos de Camporesi & Savorelli Teseo), <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/raphael.html"><em>Le Loggie di Rafaele nel Vaticano</em></a>, Roma, 1772-77.</td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36196687530/in/datetaken-public/" title="domus_aurea_ceiling_detail"><img alt="domus_aurea_ceiling_detail" height="319" src="https://farm5.staticflickr.com/4397/36196687530_039a9ea670_o.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-size: xx-small;">Detalle de cielorraso de la Domus Aurea, con motivos híbrido-grutescos Impreso pintado a mano, siglo XVIII<br />
Item de serie de grabados coloreados a mano, confeccionados a partir de relevamiento de la Domus Aurea realizado por Vincezo Brenna, Francesco Smuglewicz y Marco Carloni en 1774; imagen publicada como parte de <i>Vestigia delle Terme di Tito e Loro Interne Pitture</i>, 1776-78 (<a href="http://www.spamula.net/blog/2006/07/the_golden_house_revisited_1.html">Giornale Nuovo</a>). Las reproducciones de los frescos de la Domus Aurea en los grabados realizados por Vincenzo recuperaron el gusto por los grutescos, que sirvieron entonces de inspiración para decorar los palacios neoclásicos de Europa.</span><br />
<br />
<b>Del grutesco al Grotesco</b><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLH4yuDjPAfFQmPcBnI9lhg0fDfKE5mFPYoCFQ76gm0eHkBsKrP3KAqgq4EZLU8UArb-_f1ZTS0NnseMi8-fliFh61KkBtFIcuVp7UbNtqQzl243bEp_uMbhEspFJ7HbYt-Ufm5p6A10w/s1600/festina_lente.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1201" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLH4yuDjPAfFQmPcBnI9lhg0fDfKE5mFPYoCFQ76gm0eHkBsKrP3KAqgq4EZLU8UArb-_f1ZTS0NnseMi8-fliFh61KkBtFIcuVp7UbNtqQzl243bEp_uMbhEspFJ7HbYt-Ufm5p6A10w/s400/festina_lente.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Y la nave va...<br />
<i>Fastina lente | </i>Apúrate con cautela<br />
Cielorraso por Vasari Marco da Faenza<br />
Palazzo Vecchio, Florencia</td></tr>
</tbody></table><br />
Aunque se conocían algunos restos de la pintura imperial romana, emplazados tanto en el Coliseo como en la Villa de Adriano en Tívoli, la magnificencia de los frescos y estucos de la Domus Aurea cautivó a los artistas italianos del Quattrocento y Cinquecento. El impacto fue tal que surgió un nuevo estilo pictórico: el grotesco. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36231611540/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Allori"><img alt="Allori" height="304" src="https://farm5.staticflickr.com/4365/36231611540_67a23572da_o.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Alessandro Allori<br />
Motivo grotesco en Galleria degli Uffizi, Florencia</td></tr>
</tbody></table><br />
Debido a su origen subterráneo, los trabajos de la Domus Aurea fueron llamados <i>grutescos</i>, mas su intrínseco doble-filo llegó eventualmente a cambiar el sentido del término: las decoraciones renacentistas no fueron meras resurrecciones grutescas y gracias al seminal aporte de los artistas italianos renacentistas y manieristas que se llegó a manifestar un nuevo género plástico, al que hoy denominamos <i>grotesco</i> y que de hecho constituye una de las más significativas categorías estéticas de la Historia del Arte. Tal noción es vigente particularmente hoy, en nuestros muy revueltos tiempos veintiunescos. <br />
<br />
Mariano Akerman<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGljPAlZq5KoIsukEXgGlNl9onUgUH0XOY8wbo7XXkIc6lfe6XyDTKlQ5YGhy_TGhyphenhyphenEYk_Np4pURBkRw4RRAYmIhztXQCQcoIvHvHF56leytpF0uW62MTkSuA6m_BU4JG0Z6b3jKhFXAM/s1600/gk_cabrone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="731" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGljPAlZq5KoIsukEXgGlNl9onUgUH0XOY8wbo7XXkIc6lfe6XyDTKlQ5YGhy_TGhyphenhyphenEYk_Np4pURBkRw4RRAYmIhztXQCQcoIvHvHF56leytpF0uW62MTkSuA6m_BU4JG0Z6b3jKhFXAM/s400/gk_cabrone.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Capricho en estilo pinturesco</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Notas</b> <br />
1. Plinio el Viejo, <i>Historia natural</i> (siglo I EC.), libro XXXV (Tratado sobre la Pintura y el Color), cap. XXXVII: "<i>Fuit et nuper gravis ac severus idemque floridis tumidus pictor Fabullus.</i> [...] <i>Pausis diei horis pingebat id quoque cum gravitate, quod semper togatus, quamquam in machinis. Carcer eius artis domus aurea fuit, et ideo non extant exempla alia magnopere</i>." El término latino <i>tumidus</i> posee significados tales como "arrogante", "rebelde" y "excelente". Fabulus se destacó por sus trabajos en la técnica del fresco, la que demanda una considerable rapidez de ejecución y un trazo seguro y decidido. La obra de Fabulus se caracteriza por la maravillosa unidad de sus composiciones y su delicadeza preciosista. Según Plinio: "Recientemente vivió el pintor Fabullus de estilo grave y serio pero al mismo tiempo brillante y fluido. [...] Pintaba pocas al día y lo hacía con suma gravedad, siempre revestido de toga, incluso cuando estaba en el andamiaje. La Domus Aurea fue la cárcel de su arte y esa es la razón principal de que no queden más obras de este pintor" (Plinio, <i>Textos de la Historia del Arte</i>, ed. Esperanza Torrego, Madrid: Visor, 1987, p. 111; Beatriz Fernández Ruiz, <i>De Rabelais a Dalí: la imagen grotesca del cuerpo</i>, Universitat de València, 2004, pp. 21-22; consistente con la <a href="http://remacle.org/bloodwolf/erudits/plineancien/livre35.htm">versión francesa</a>).<br />
2. Ubicadas en el segundo piso del Palacio Apostólico Vaticano, las logias de Rafael constituyen una especie de balcón cubierto o espacio abovedado que es soportado por pilares y pilastras. Funciona a modo de corredor, encontrándose abierto en uno de sus lados. Las logias quedaron decoradas en 1519 en virtud del trabajo de Rafael y sus discípulos, entre quienes descolló Giovanni da Udine. <br />
3. Acerca del término italiano <i>grottesca</i> (pl. <i>grottesche</i>) se refiere Benvenuto Cellini en su autobiografía, donde nota que el término se comenzó a utilizar inmediatamente luego del hallazgo, en 1480, de las abovedadas salas de la Domus Aurea, que habían permanecido sepultadas unos diez siglos (<i>Vita di Benvenuto di Maestro Giovanni Cellini fiorentino, scritta, per lui medesimo, in Firenze</i>, 1728). Daniela Lanciotti explica que para acceder a los recintos de la Domus Aurea fue necesario excavar no menos que cuarenta metros bajo tierra (<a href="http://paroleacolori.com/stile-a-grottesca-gusto-equivoco-e-origini-sotterranee/">Stile “a grottesca”: gusto equivoco e origini sotterranee</a>, <i>Parole a Colori</i>, 28 de abril de 2017), cosa que ya de por sí justifica el empleo del término <i>grotta</i> por parte de los artistas italianos para referirse a la gruta artificial que inspiraría el subsecuente renacimiento de las decoraciones a la manera grutesca.<br />
4. <a href="http://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/el-palacio-de-neron-un-museo-oculto-de-pintura-romana_9441/1">El palacio de Nerón, un museo oculto de pintura romana</a>, <i>National Geographic</i>, España, sin fecha. Véase también Alfredo García, <a href="http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-domus-aurea-la-decoracion-del.html">Domus Aurea</a>, <i>Algargos</i>, 2014. <br />
5. <i>Diccionario de la Real Academia Española</i>: <a href="http://dle.rae.es/?id=JaxsQ82" target="_blank">Grutesco, ca</a>.<br />
6. <i>Vite</i>, Della pittura, XXVII: "Le grottesche sono una spezie di pittura licenziose e ridicole molto, fatte dagl'antichi per ornamenti di vani" (<a href="http://vasari.sns.it/cgi-bin/vasari/Vasari-all?code_f=print_page&work=le_vite&volume_n=1&page_n=143">Edizione Giuntina e Torrentiniana</a>); María Victoria Álvarez Rodriguez, <i>El pensamiento arquitectónico en España del siglo XIX a través de las revistas artísticas del reinado isabelino</i>, Ediciones Universidad de Salamanca, 2016, p. 608 n. 242. <br />
7. Idem.<br />
8. André Chastel, <i>El grutesco</i>, Madrid: Akal, 2001, p. 47. <br />
9. Idem.<br />
10. Entre los principales discípulos de Rafael se encuentran Giovanni da Udine, Giovan Francesco Penni, Giulio Romano, Perin del Vaga y Polidoro da Caravaggio. Las decoraciones a la grutesca fueron retomadas en la Villa Madama (1520-24) y más tarde en los apartamentos papales en Castel Sant'Angelo (1543-37); durante la segunda mitad del siglo XVI los hermanos Taddeo e Federico Zuccari trabajaron la decoración a la grotesca en el Palazzo di Caprarola. Y a mediados del siglo XVIII, con el descubrimiento de Pompeya y Herculano, se produjo una nueva renovación del estilo grutesco (<a href="http://castelsantangelo.beniculturali.it/index.php?it/184/decorazione-a-grottesche">Decorazione a grottesche</a>).</div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35788464584/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Domus_Aurea_Mascaron"><img alt="Domus_Aurea_Mascaron" height="211" src="https://farm5.staticflickr.com/4357/35788464584_e532ac7cd4_o.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Panel con mascarón grotesco en la Domus Aurea</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Imaginarium y el grotesco italiano</b> <br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/07/domus-aurea.html">Domus Aurea</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.com/2014/04/pintura-de-la-antigua-roma.html">Estilo fantasía de la antigua Roma</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/la-grottesca.html">La grottesca</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/grotteschi.html">Grotteschi</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/07/unforgettable-grotesqueness.html">Sogni dei pittori</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/raphael.html">Raphael: The Vatican Loggia</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/08/palazzo-vecchio.html">Palazzo Vecchio</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/10/scrittoio-di-eleonora.html">Salviati and the Green Studio</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/tradition-des-grotesques.html">La tradition des grotesques</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/gheeraert.html">Maniérisme</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/darriulat.html">L'écriture des grotesques</a><br />
<br />
<b>Imaginarium sobre el grotesco ornamental</b><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2010/12/grotesques-larousse.html">Encyclopédie Larousse</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/02/grotesque.html">Grotesque in the Visual Arts</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2009/03/painters-and-poets.html">Painters and Poets Alike</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.coml/2014/03/european-ornamental-prints.html">Ornamental Prints</a><br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-7MEqhi1namk/WTe7ijY3AYI/AAAAAAAAz20/em-7iAFDWZ8aPB2uvLcKb5Lia-asDSk8QCLcB/s1600/The_Other_B.jpg">Grotesque as Structure</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/a.html">Artists & Entries</a> <br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2016/01/impronta.html">Grotesquerías online</a><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36231409540/in/datetaken-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Villa_Farnesina"><img alt="Villa_Farnesina" height="450" src="https://farm5.staticflickr.com/4403/36231409540_3c8ce2f4a4_o.jpg" width="370" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Asunto de doble-filo<br />
Giovanni da Udine<br />
Detalle grotesco en decoración al fresco<br />
Villa Farnesina, Roma</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Recursos adicionales</b><br />
<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Grutesco">Grutesco</a><br />
<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Grotesque">Grotesque</a><br />
<a href="http://castelsantangelo.beniculturali.it/index.php?it/125/49-bagnetto-di-clemente-vii">Bagnetto di Clemente VII</a> | <a href="http://www.castelsantangelo.com/per_3b.asp">Stufetta di Clemente VII</a> <br />
Commons<br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Grotesques_on_frescos">Grotescos en frescos</a><br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Castel_Sant%27Angelo_(Rome)_-_Frescos">Frescos en Castel Sant'Angelo</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-51253328550485966242017-08-08T09:55:00.001-03:002017-08-17T09:38:59.650-03:00Palazzo Vecchio<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiroCHv10N7VeRy_Neu0KxC4YEh3JSQPYcv_yIuiQQHhXpCJUXt4jZxiWJd_5XdJN-VvoN7BxCp8VQvTDRDeD_xDAKT7uda1i4jVgEynOLZHlKc1TykxcGMTs6PpOPCWMsRI9-wiQUlhOY/s1600/Mascaron_Florentino.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="311" data-original-width="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiroCHv10N7VeRy_Neu0KxC4YEh3JSQPYcv_yIuiQQHhXpCJUXt4jZxiWJd_5XdJN-VvoN7BxCp8VQvTDRDeD_xDAKT7uda1i4jVgEynOLZHlKc1TykxcGMTs6PpOPCWMsRI9-wiQUlhOY/s1600/Mascaron_Florentino.jpg" /></a></div><br />
<div style="text-align: justify;">"The grotesque is a kind of free and humorous picture produced by the ancients for the decoration of vacant spaces in some position where only things placed high up are suitable. For this purpose they fashioned monsters deformed by a freak of nature or by the whim and fancy of the workers, who in these grotesque pictures make things outside of any rule, attaching the finest thread to a weight that it cannot support, to a horse legs of leaves, to a man the legs of a crane, and similar follies and nonsense without end. He whose imagination ran the most oddly, was held to be the most able." Giorgio Vasari, <i>Della Pittura</i>, c. 1550.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://4.bp.blogspot.com/-wcF3xty2iGQ/U1wGzW-jcLI/AAAAAAAAkgc/GQe5VS9KG6Q/s1600/borde_1776.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://4.bp.blogspot.com/-wcF3xty2iGQ/U1wGzW-jcLI/AAAAAAAAkgc/GQe5VS9KG6Q/s400/borde_1776.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grotesque motifs from the <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/07/domus-aurea.html" target="_blank">Domus Aurea</a></td></tr>
</tbody></table><br />
<b>GROTTESCA</b>. s.f. (pl. -sche). BELLE ARTI Decorazione parietale, dipinta, scolpita o a stucco, consistente in fantastiche figurazioni vegetali o umane o animalesche, miste a decorazioni bizzarre. (<a href="http://dizionari.repubblica.it/Italiano/G/grottesca.php">DR</a>).<br />
<br />
<b>GROTTESCO</b> (pl. m. -schi; f. -sca, pl. -sche)<br />
A) agg. Bizzarro, stravagante, strampalato per goffaggine o deformità: un uomo dall'aspetto g.; idee grottesche || Ridicolo: una situazione grottesca; fare una figura grottesca<br />
B) s.m. (solo sing. nel sign. 1)<br />
1. Cosa, situazione grottesca: questa scena ha del g.; cadere, finire nel g.<br />
2. TEATR Componimento, spec. satirico, in cui a parti intensamente drammatiche si accompagnano situazioni comiche, in un insieme stravagante e paradossale<br />
3. TIP spec. al pl. Ornato bizzarro con foglie, fiori, frutti ecc. (<a href="http://dizionari.repubblica.it/Italiano/G/grottesco.php">DR</a>).</div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWBIUrpjEbeR73C-mnxeWlfxe1SWUGIc9OkK0iutzerACKloSkUVL1QEOUGw-kFrddo1So0ojVZ2uRA9YXwaJL5FfPV8kp947LAeLu0vaYM9mUQUIqYxZ0SJpiSvIama2cs0egRYFqih0/s1600/grotteschi_akerman_plate.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5586555249272255138" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWBIUrpjEbeR73C-mnxeWlfxe1SWUGIc9OkK0iutzerACKloSkUVL1QEOUGw-kFrddo1So0ojVZ2uRA9YXwaJL5FfPV8kp947LAeLu0vaYM9mUQUIqYxZ0SJpiSvIama2cs0egRYFqih0/s400/grotteschi_akerman_plate.jpg" style="height: 300px; width: 400px;" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Decorazione alla grottesca</i><br />
Educational plate by Mariano Akerman</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36515684935/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Dizionario della lingua italiana"><img alt="Dizionario della lingua italiana" height="267" src="https://farm5.staticflickr.com/4349/36515684935_f2b520e86b_n.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dizionario della lingua italiana: Grottesca</td></tr>
</tbody></table><br />
<br />
<b>Palazzo Vecchio: Grotesque Decorations</b> <br />
Florence, Late-Italian Rennaissance, Mannerist Period, c. 1550-90<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-context="true" data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36299101862/in/dateposted-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="f"><img alt="f" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4395/36299101862_5c343d9b0f_n.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Palazzo Vecchio</td></tr>
</tbody></table><script async="" charset="utf-8" src="//embedr.flickr.com/assets/client-code.js"></script><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35659125893/in/dateposted-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="grotteschi"><img alt="grotteschi" height="640" src="https://farm5.staticflickr.com/4433/35659125893_0e5036649d_n.jpg" width="465" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>I disegni che oggi chiamano grottesche</i></td></tr>
</tbody></table><b><br />
GROTTESCA</b>. It. "Sorta di pittura a capriccio, per ornamento, o riempimento di luoghi dove non convenga pittura più nobile, o regolata". <i>Dizionario della lingua italiana</i>, Bologna: Fratelli Masi, 1822, vol. 4, p. 165.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421576346/in/dateposted-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="f2"><img alt="f2" height="283" src="https://farm5.staticflickr.com/4427/36421576346_4fdc76ffbd_n.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cortile</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35659100573/in/dateposted-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="f1"><img alt="f1" height="640" src="https://farm5.staticflickr.com/4407/35659100573_356e9e9e08_z.jpg" width="427" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Octogonal pillar with grotesque decorations in relief</td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36070345530/in/dateposted-public/" title="f15"><img alt="f15" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4370/36070345530_2fa37e9c99_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421575776/in/dateposted-public/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="f3"><img alt="f3" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4381/36421575776_8ef45bf9ea_z.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Verrocchio: Putto with Dolphin</td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421574096/in/dateposted-public/" title="f4"><img alt="f4" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4358/36421574096_53974bf469.jpg" width="400" /></a></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVXtOgA33y_GTpZz6HcNQW2UwsEuKD68yS4HQdDZawrFRVDF7hZ4uQiJl80aYTVZuV0cQ_493NPDj4oF4wjeyhQeDQ9Ql9gOjDN9rZ5vbZPgjgc-iFuhBzMhUSFhtZMPwuvKxrDsPx_9E/s1600/gk_putto.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1134" data-original-width="850" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVXtOgA33y_GTpZz6HcNQW2UwsEuKD68yS4HQdDZawrFRVDF7hZ4uQiJl80aYTVZuV0cQ_493NPDj4oF4wjeyhQeDQ9Ql9gOjDN9rZ5vbZPgjgc-iFuhBzMhUSFhtZMPwuvKxrDsPx_9E/s400/gk_putto.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Putto emerging from a flower<br />
Estilo florido-pinturesco<br />
Especie de impresionismo caprichoso</td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421573336/in/dateposted-public/" title="f5"><img alt="f5" height="290" src="https://farm5.staticflickr.com/4356/36421573336_4a86e67f29.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421572076/in/dateposted-public/" title="f6"><img alt="f6" height="268" src="https://farm5.staticflickr.com/4437/36421572076_65d59c2aa0.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421568086/in/dateposted-public/" title="f10"><img alt="f10" height="297" src="https://farm5.staticflickr.com/4333/36421568086_7fda507868_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGljPAlZq5KoIsukEXgGlNl9onUgUH0XOY8wbo7XXkIc6lfe6XyDTKlQ5YGhy_TGhyphenhyphenEYk_Np4pURBkRw4RRAYmIhztXQCQcoIvHvHF56leytpF0uW62MTkSuA6m_BU4JG0Z6b3jKhFXAM/s1600/gk_cabrone.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="731" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGljPAlZq5KoIsukEXgGlNl9onUgUH0XOY8wbo7XXkIc6lfe6XyDTKlQ5YGhy_TGhyphenhyphenEYk_Np4pURBkRw4RRAYmIhztXQCQcoIvHvHF56leytpF0uW62MTkSuA6m_BU4JG0Z6b3jKhFXAM/s400/gk_cabrone.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Capricho en estilo pinturesco</td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421571316/in/dateposted-public/" title="f7"><img alt="f7" height="640" src="https://farm5.staticflickr.com/4404/36421571316_356a6ed62b_n.jpg" width="436" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-7gZXqzkLe-w/WXnrHSqWz0I/AAAAAAAA0IQ/QRvVLr09r0wNxlXkRbKfrIh58eJ34R8oQCLcBGAs/s1600/gk_grifo.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="611" data-original-width="659" height="371" src="https://3.bp.blogspot.com/-7gZXqzkLe-w/WXnrHSqWz0I/AAAAAAAA0IQ/QRvVLr09r0wNxlXkRbKfrIh58eJ34R8oQCLcBGAs/s400/gk_grifo.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421569506/in/dateposted-public/" title="f8"><img alt="f8" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4435/36421569506_2a6bfb4b3f.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421568846/in/dateposted-public/" title="f9"><img alt="f9" height="315" src="https://farm5.staticflickr.com/4374/36421568846_ae19a11388_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/35659126563/in/dateposted-public/" title="f18"><img alt="f18" height="333" src="https://farm5.staticflickr.com/4413/35659126563_2a915cc379_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36421566916/in/dateposted-public/" title="f11"><img alt="f11" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4367/36421566916_e8cd521d2c_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36070350140/in/dateposted-public/" title="f12"><img alt="f12" height="297" src="https://farm5.staticflickr.com/4433/36070350140_8f82421cda_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36070348420/in/dateposted-public/" title="f13"><img alt="f13" height="400" src="https://farm5.staticflickr.com/4382/36070348420_149429874d_n.jpg" width="397" /></a></div><br />
<div style="text-align: justify;">"Dans le monde de l'art <i>grotesque</i>, tout est relié à tout, depuis ces membres humains et animaux assemblés au sein de corps monstrueux jusqu'à un vaste réseau d'êtres vivants, de végétaux et d'éléments architecturaux qui couvre la totalité du mur ou du plafond. Une scène en inclut elle-même d'autres. Sur les plafonds de la galerie des Offices, on verra des petits paysages, de faux tableaux classiques, des scènes de guerre ou d'amour : tandis que les Médicis accrochent sur les murs les plus grands chefs d'œuvre du monde connu, leurs décorateurs peignent sur les plafonds du couloir la parodie de ce musée. <br />
Les lois de la gravité sont remises en cause : les créatures sans membres sont trop grosses pour être soutenues par les piliers filiformes, trop faibles pour soutenir le dais. La verticalité du dais et la position des personnages montrent toutefois qu'il y a toujours un haut et un bas, une force qui va de l'un vers l'autre et courbe les tissus suspendus. Les objets tomberaient s'ils n'étaient pas soutenus ; mais le support le plus infime suffit à les retenir. La pesanteur existe toujours mais n'obéit plus à un corpus de lois physiques cohérent. <br />
[...] Sur un fond uni blanc, les grotesques tracent un décor en deux dimensions sans aucune profondeur. C'est justement parce qu'on voit tout que la scène est aussi étrange : tout est devant nous et pourtant nous n'y comprenons rien. Dans ce monde transparent, nous ne pouvons pas imaginer quelque chose, derrière, qui puisse donner un sens au dispositif absurde du premier plan.<br />
Les personnages et les objets sont disposés selon des axes horizontaux et verticaux, jamais en diagonale. Ils se répartissent dans une symétrie parfaite de part et d'autre de chaque côté d'un axe central. Ces moyens d'organisation rationnelle, appliqués avec exagération, sont pervertis de leur mission. Au lieu de produire du sens, ils servent à construire des carnavals aberrants.<br />
Parfois, pourtant, l'observateur croit reconnaître une allusion mythologique, la représentation allégorique d'un sentiment moral ou le rappel d'un fait historique. Ces lectures sont toujours incertaines : le sens ne se dégage jamais complètement de la multitude des indices contradictoires. Les grotesques mettent à l'épreuve, stimulent et au bout du compte ridiculisent notre volonté de tout comprendre" (Thierry Bézecourt, <a href="http://bloc-notes.thbz.org/archives/2006/10/grotesques.html">Grotesques</a>, 2006).</div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrV4Qne599bu08MfGI2jL1g84GMcoMs39LMYTUJ5Eskim5A39Qn3yDWbGMFmp6vlwLHexDTzv4Fw9DYDrd8MPTS0CsZIQu-9UQHhD5Ut1iM1DSKp2BHhJctq-5yhH_I9iurCijnbbepGI/s1600/decorazione_grottesca.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5586922941607753490" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrV4Qne599bu08MfGI2jL1g84GMcoMs39LMYTUJ5Eskim5A39Qn3yDWbGMFmp6vlwLHexDTzv4Fw9DYDrd8MPTS0CsZIQu-9UQHhD5Ut1iM1DSKp2BHhJctq-5yhH_I9iurCijnbbepGI/s400/decorazione_grottesca.jpg" style="height: 311px; width: 400px;" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Marco da Faenza, <i>Decorazione alla grottesca</i>, fresco, 16th century</td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;">Les grotesques pendant la seconde moitié du cinquecento. "L’usage systématique des grotesques sur fond blanc recule parfois pour l’usage, dans les salles de représentation, de la polychromie, du stuc, ou de scènes narratives, que celles-ci soient allégoriques, historiques ou mythologiques, voire même de paysages. Elles prennent alors toute leur importance dans les vestibules appelés « atriums », dans les cabinets de travail, sur les corniches, où s’épanouissent virtuosité, rapidité d’exécution et inventions architecturales de plus en plus délirantes. [...] L’Eglise manifestait [des reserves] envers les grotesques. On les lie d’abord au côté caverneux et lugubre de ce que l’on croyait encore être des grottes lors des fouilles de la Domus aurea. On leur attribue ensuite la mauvaise réputation attachée aux extravagances décadentes de Néron. A la suite des moralisateurs antiques, l’imagination débridée dont elles témoignent est perçue par la critique post-tridentine comme improbable, mensongère, donc fausse et immorale, sans compter leur paganisme évident. Il a fallu les talents d’un Antonio Francesco Doni pour les défendre en soutenant qu’elles ne sont qu’à la limite du réel, comme des formes bizarres de la nature, exceptionnelles mais possibles. La codification morale se fait alibi. On invente des règles d’association morphologique pour la construction des hybrides. Ces règles, exprimées par Francisco de Hollanda (1540), puis reprises par Paolo Lomazzo (1584), expliquent qu’une certaine vraisemblance s’impose et l’on bannit le monstrueux hors nature et le démoniaque. L’on avance encore que les grotesques répondent au principe même du maniérisme, par lequel l’art n’est pas uniquement imitation mais artifice, donc licence, que l’intellect doit corriger en une création raffinée et sage, à mi-chemin entre réel et imaginaire. Pirro Ligorio (1570) discute de l’utilité et du danger d’apporter sens à un décor. Le siècle joue ainsi de constants allers et retours entre les interdits des tenants rigides de la Contre-réforme et la liberté des peintres dont la fantaisie s’accroît dès lors que la possibilité leur est offerte" (Franz Fernis, <a href="http://www.lemiroirauxpreles.com/Grotesques.htm">Le Miroir aux Prêles</a>, 2010).</div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-NKi__iCfjNk/WXnrSs01DkI/AAAAAAAA0IY/yuD7eNA_NgE6_3gqmhMPt-2Z-yLxBGxjACLcBGAs/s1600/gk_grotteschi.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="668" data-original-width="780" height="342" src="https://1.bp.blogspot.com/-NKi__iCfjNk/WXnrSs01DkI/AAAAAAAA0IY/yuD7eNA_NgE6_3gqmhMPt-2Z-yLxBGxjACLcBGAs/s400/gk_grotteschi.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Figura grottesca</i></td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;">According to According to a dictum of Italian philosopher Giordano Bruno (1548-1600), the figure of imagination or fantasy, to which he refers as the <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2013/01/giordano-bruno.html" target="_blank">fictitious image</a>, entails a truth of its own: "<i>L'image fictive possède sa propre vérité</i>" (<i>De vinculis in genere</i>, 1588-91: <i>De vincibilibus in genere</i>, Art. XXX, <b>Vincibilis veritas</b>: "<i>Etsi enim nullus sit infernus, opinio et imaginatio inferni sine veritatis fondamento vere et verum facit infernum; habet enim sua species phantastica veritatem</i>"; in: <i>Jordani Bruni Nolani opera latine conscriptapta publicis sumptibus edita</i>, Napoli: D. Morano, 1879-91, vol. 3, fol. 93v; <a href="http://www.esotericarchives.com/bruno/vinculis.htm">HTML</a> edition by Joseph H. Peterson, 1997; <a href="http://bibliotecaideale.filosofia.sns.it/index.php"><i>La biblioteca ideale di Giordano Bruno: l'opera e le fonti</i></a>, Italy, 2000).<br />
<br />
SOBRE LO VINCULABLE EN GENERAL, ARTÍCULO XXX: VERDAD DEL VINCULABLE: "Aunque no exista el infierno, la creencia y la fantasía del infierno, sin tener un fundamento de verdad, verdaderamente produce un infierno; pues la representación imaginaria posee su [propia] verdad" (Giordano Bruno, <i>De vinculis in genere</i>, trad. Ernesto Schettino, Comité Pro-Revaloración de Giordano Bruno, México: Pax, 2008, p. 80; <a href="http://quantumprose.org/wp-content/uploads/2016/12/De_Vinculis_in_Genere.pdf">PDF</a>).<br />
<br />
En el plano de las ideas y supuesto imaginario, la imagen mental tiene su propia razón de ser. Semejante es lo que ocurre con el motivo pictórico artificial que, como figura imaginaria que es, pone de manifiesto, hace visible al supuesto imaginario. Es más permite perpetuarlo a través del tiempo. <br />
<br />
Como motivo pictórico artificial, el grotesco es una figura que invoca el caos e incluso el infierno. Pero también puede ser entendido como una interminable licencia poética, la expresión de las ensoñaciones de los pintores jugando con las reglas que rigen nuestro mundo, o bien como una reivindicación del capricho y la incongruencia como antídotos contra el insoportable dominio de lo racional y como expresión cabal de la libertad humana. ("Para Bruno", nota Lidia Pérez López, "el ser humano es inteligencia activa"; <i>De vinculis in genere</i> [Acerca de los vínculos en general], 2008, p. 8). Es aquí cuando emerge entonces lo paradójico, ya que en este sentido liberador, lo grotesco es esencialmente un intento poético-liberador.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36476791296/in/album-72157687399360155/" style="margin-left: auto; margin-right: auto;" title="Grottesca Palazzo Vecchio Firenze"><img alt="Grottesca Palazzo Vecchio Firenze" height="500" src="https://farm5.staticflickr.com/4358/36476791296_df3bd33c25.jpg" width="423" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grotteschi</td></tr>
</tbody></table><br />
Mannerist grotesques can be characterized as poetical license and also revindications of the incongruous: pertaining to the realm of the imaginary, such creations are essentially visual paradoxes (Philippe Morel, <i>Les Grotesques, les figures de l’imaginaire dans la peinture italienne de la fin de la Renaissance</i>, Idées et recherches, Flammarion, 1997: « <i>figures du paradoxe</i> »).</div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-qiQggeydzec/WXnq-tITQFI/AAAAAAAA0IM/DRcq0Lqp8msncw7KGcAsYG9p02G95el9gCLcBGAs/s1600/gk_maccaron.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="800" height="300" src="https://4.bp.blogspot.com/-qiQggeydzec/WXnq-tITQFI/AAAAAAAA0IM/DRcq0Lqp8msncw7KGcAsYG9p02G95el9gCLcBGAs/s400/gk_maccaron.JPG" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Mascherone</i></td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36467207105/in/dateposted-public/" title="f16"><img alt="f16" height="356" src="https://farm5.staticflickr.com/4396/36467207105_abb7da3baf_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36330100901/in/dateposted-public/" title="f17"><img alt="f17" height="340" src="https://farm5.staticflickr.com/4334/36330100901_0fd658c79c_n.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36299101862/in/dateposted-public/" title="f"><img alt="f" height="300" src="https://farm5.staticflickr.com/4395/36299101862_5c343d9b0f.jpg" width="400" /></a></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLH4yuDjPAfFQmPcBnI9lhg0fDfKE5mFPYoCFQ76gm0eHkBsKrP3KAqgq4EZLU8UArb-_f1ZTS0NnseMi8-fliFh61KkBtFIcuVp7UbNtqQzl243bEp_uMbhEspFJ7HbYt-Ufm5p6A10w/s1600/festina_lente.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1201" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLH4yuDjPAfFQmPcBnI9lhg0fDfKE5mFPYoCFQ76gm0eHkBsKrP3KAqgq4EZLU8UArb-_f1ZTS0NnseMi8-fliFh61KkBtFIcuVp7UbNtqQzl243bEp_uMbhEspFJ7HbYt-Ufm5p6A10w/s400/festina_lente.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Fastina lente<br />
Ceiling painting by Vasari and Marco da Faenza</i></td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;"><i>La Tartaruga con la vela</i>. This unusual image recalls the story of an old turtle that Cosimo I de Medici met when he was a child and which subsequently became his symbol (the so-called <i>impresa</i>, that is, his personal emblem). Many of the various coats of arms inside Palazzo Vecchio show a turtle with a sail swelled by the wind on its shell, accompanied by the Latin motto <i>Festina lente</i>, which means "hurry slowly." This is one of the symbols that Duke Cosimo I de’ Medici adopted as his personal device, being a device an allegorical image accompanied by a short phrase (motto) that is intended to specify, in a poetic manner, the merit and virtues of action of a gentleman; the device could therefore be defined as a small illustration of an ethical principle.</div><br />
<b>Imaginarium and Italian Grotesques</b> <br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/07/domus-aurea.html">Domus Aurea</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.com/2014/04/pintura-de-la-antigua-roma.html">Estilo fantasía de la antigua Roma</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/la-grottesca.html">La grottesca</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/grotteschi.html">Grotteschi</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/07/unforgettable-grotesqueness.html">Sogni dei pittori</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/raphael.html">Raphael: The Vatican Loggia</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/10/scrittoio-di-eleonora.html">Salviati and the Green Studio</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/tradition-des-grotesques.html">La tradition des grotesques</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/gheeraert.html">Maniérisme</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/darriulat.html">L'écriture des grotesques</a><br />
<br />
<b>Imaginarium on the Grotesque</b><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2010/12/grotesques-larousse.html">Encyclopédie Larousse</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/02/grotesque.html">Grotesque in the Visual Arts</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2009/03/painters-and-poets.html">Painters and Poets Alike</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.coml/2014/03/european-ornamental-prints.html">Ornamental Prints</a><br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-7MEqhi1namk/WTe7ijY3AYI/AAAAAAAAz20/em-7iAFDWZ8aPB2uvLcKb5Lia-asDSk8QCLcB/s1600/The_Other_B.jpg">Grotesque as Structure</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/a.html">Artists & Entries</a> <br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2016/01/impronta.html">Grotesquerías online</a><br />
<br />
• <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2010/11/site.html">Grottesca</a><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/zT2qEwdmlb5tlFtIhXZJ_hE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite"><img height="400" src="https://lh5.googleusercontent.com/-Kj85_y6uQ0Y/Ty5fe8vvY1I/AAAAAAAAWhs/YrVH5kpHRSg/s400/Fabullus.jpg" width="74" /></a><br />
<span style="font-size: xx-small;">Fabullus, <i>Motivos en <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/04/lo-fantastico.html" target="_blank">estilo fantasía</a></i>, siglo I EC.</span><br />
<br />
<b>Additional Resources on the Grotesque</b><br />
<a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Grutesco">Grutesco</a><br />
<a href="http://bloc-notes.thbz.org/archives/2006/10/grotesques.html"><i>Bloc-notes</i> de Thierry Bézecourt</a><br />
<a href="http://www.lemiroirauxpreles.com/Grotesques.htm">Étude de Franz Fenris dans <i>Le Miroir aux Prêles</i></a> (<a href="http://www.lemiroirauxpreles.com/engGrotesques.htm">Eng</a>) et <a href="http://www.lemiroirauxpreles.com/2010.htm">Production 2010</a> <br />
<a href="https://collections.vam.ac.uk/">Victoria & Albert Museum</a><br />
<br />
<b>Visual resources on Palazzo Vecchio from Commons</b><br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Interior_of_Palazzo_Vecchio">Interior of Palazzo Vecchio</a><br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Grotesque_decoration_in_Palazzo_Vecchio">Grotesque decorations</a><br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Palazzo_Vecchio_-_Sala_di_Cosimo_il_Vecchio">Sala di Cosimo il Vecchio</a><br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Palazzo_Vecchio_-_Quartiere_degli_Elementi">Quartiere degli Elementi</a><br />
<a href="https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Medici_Collection">The Medici Collection</a><br />
<br />
<b>Credits</b><br />
<a href="http://groteskology.blogspot.com/2012/08/palazzo-vecchio.html">Groteskology in Florence</a>: <a href="http://groteskology.blogspot.com/2012/08/palazzo-vecchio-linterno-magnifico.html">L'ínterno Magnifico</a><br />
<a href="http://www.ornamentalist.net/2008/04/grottesque-obsession.html">The Ornamentalist</a> <br />
<br />
<a data-context="true" data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36299101862/in/album-72157687399360155/" title="f"><img alt="f" height="240" src="https://farm5.staticflickr.com/4395/36299101862_5c343d9b0f_n.jpg" width="320" /></a><br />
<br />
<a data-flickr-embed="true" href="https://www.flickr.com/photos/akermariano/36378209561/in/album-72157687399360155/" title="Grottesca"><img alt="Grottesca" height="214" src="https://farm5.staticflickr.com/4383/36378209561_feae6e974e_n.jpg" width="320" /></a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-28232741948420249482017-08-08T08:28:00.000-03:002017-08-08T09:04:01.306-03:00The Payne Syndrome<br />
When the grotesque understood as just disgusting. According to Jonathan Jones, diabolically grotesque art –from Jonathan Payne’s sprouting finger sculptures right back to Hieronymus Bosch– has staying power because our lives have not radically changed. As long as we have bodies, we will experience body horror.<br />
<br />
<a href="https://2.bp.blogspot.com/-KXugvgL1VIw/WYmch_eZZhI/AAAAAAAA0Xc/80Azkqc-8F0Mof035dD4dWUb8KMLrRliACLcBGAs/s1600/Fleshette_Payne.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="477" data-original-width="477" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-KXugvgL1VIw/WYmch_eZZhI/AAAAAAAA0Xc/80Azkqc-8F0Mof035dD4dWUb8KMLrRliACLcBGAs/s400/Fleshette_Payne.jpg" width="400" /></a><br />
<span style="font-size: xx-small;">Jonathan Payne, <i>Fleshette</i>, 2014</span><br />
<br />
Jonathan Jones, <a href="https://www.theguardian.com/artanddesign/jonathanjonesblog/2014/nov/17/shock-horror-grotesque-art-jonathan-payne">Shock Horror</a>, <i>Guardian Blog</i>, 17 November 2014<br />
<br />
Warts, growths and misplaced body parts abound in the bizarre sculptures of Jonathan Payne. A tongue with teeth, a mass of flesh sprouting fingers, an eyeball in its own little flesh sac… Don’t tell me you’re not a bit shocked or repelled or amazed. […]<br />
<br />
The grotesque has staying power because our life as beings of flesh and blood has not changed, and so long as we have bodies, we can experience body horror. This applies across art, cinema and literature. What we mean by the “grotesque” in art goes back to the medieval imagination. In the Anglo-Saxon poem Beowulf, the hideous monster Grendel murders sleeping warriors in the king’s mead hall. In medieval art, such evil creatures abound. They reach a diabolical grandeur of imagination in north European art in the 15th and 16th centuries. We still stare transfixed at the grotesque art of Bosch, <a href="https://miekevanmechelen.files.wordpress.com/2014/04/the-triumph-of-death-bruegel-02x.jpg" target="_blank">Bruegel</a> and <a href="http://www.sci-fi-o-rama.com/wp-content/uploads/2009/01/gruen.jpg" target="_blank">Grunewald</a>.<br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-C6afySbkEKc/WYmmLE6I4hI/AAAAAAAA0X4/DTX4nkO4i2M7pvSmMsdeQNiImIUC58SiQCLcBGAs/s1600/Bosch_tree_man.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1000" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-C6afySbkEKc/WYmmLE6I4hI/AAAAAAAA0X4/DTX4nkO4i2M7pvSmMsdeQNiImIUC58SiQCLcBGAs/s400/Bosch_tree_man.jpg" width="400" /></a><br />
<span style="font-size: xx-small;">Bosch, Inferno detail from <i>The Garden od Earthly Delights Triptych</i></span><br />
<br />
True horror definitely belongs to us northerners, huddled together in the cold winter nights imagining monsters in the dark. The Italian Renaissance saw more beauty than monstrosity in the world. Yet the word “grotesque” to describe art was coined in Renaissance Italy. When the remains of the <a href="https://en.m.wikipedia.org/wiki/Domus_Aurea#/image/File:Statue_Domus_Aurea.jpg" target="_blank">Domus Aurea</a> (Golden House) of the ancient emperor Nero were discovered under the Esquiline hill in Rome, artists including Raphael lowered themselves down on ropes into its subterranean painted galleries. The Renaissance frescoes this opulent palace inspired – all fantastical foliage, masks and satyrs – was called “grotesque” from grotto (cave) because the underground corridors were like caverns. Yet being Italian, it was quite beautiful.<br />
<br />
<a href="https://4.bp.blogspot.com/-wD5-YF8dt90/WYmfJ9VZTxI/AAAAAAAA0Xo/2DG1O6XnU-4P-Cn_pmonjv9vF6pYYfUvACLcBGAs/s1600/Fleshette.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="363" data-original-width="506" height="287" src="https://4.bp.blogspot.com/-wD5-YF8dt90/WYmfJ9VZTxI/AAAAAAAA0Xo/2DG1O6XnU-4P-Cn_pmonjv9vF6pYYfUvACLcBGAs/s400/Fleshette.jpg" width="400" /></a><br />
<span style="font-size: xx-small;">Jonathan Payne, <i>Fleshette</i>, 2014</span><br />
<br />
So the grotesque originally meant undeground art. It has changed its meaning, and yet, images like Payne’s come from a place “underground”, from an ugly malformed part of the imagination. The grotesque in modern art was heightened by the real-life horrors of the first world war. It is at the heart of <a href="http://senyorkeuner.wikispaces.com/file/view/GROSZ-1926-Elspilarsdelasocietat.jpg/30594927/GROSZ-1926-Elspilarsdelasocietat.jpg" target="_blank">dada</a> and <a href="http://v017o.popscreen.com/eGpxY3l5MTI=_o_collections-modernes---andre-masson-gradiva-1937.jpg" target="_blank">surrealism</a>. The most grotesque images in 20th-century art include Picasso’s <a href="http://www.pablopicasso.org/images/paintings/bull-fight.jpg" target="_blank">bullfights</a>, Dali’s <a href="http://www.tate.org.uk/art/images/work/T/T01/T01978_10.jpg" target="_blank">self-cannibalising creatures</a>, Hans Bellmer’s <a href="http://www.tate.org.uk/art/artworks/bellmer-the-doll-t11781" target="_blank">mutilated dolls</a>, and Francis Bacon’s <a href="http://www.tate.org.uk/art/images/work/N/N06/N06171_10.jpg" target="_blank">tragic anatomies</a>.<br />
<br />
But the grotesque does not really change. It is always new, yet always old. Bellmer or <a href="https://www.theguardian.com/artanddesign/2014/oct/24/jake-dinos-chapman-review-hastings-jerwood-gallery-realm-unmentionable" target="_blank">the Chapman brothers</a> may seem quintessentially modern yet the grisly fascination of their art would not have surprised Hieronymous Bosch or the collectors who coveted his bizarre paintings. The horrors that painters saw 500 years ago are just as disconcerting as anything today’s artists create. When we look into the dark, the monsters are always the same.<br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-OcH3FNSD2jM/WYmbGuWl90I/AAAAAAAA0XQ/76646rzD5icn7KJfGtHNyfqJ1uCCLRuJwCLcBGAs/s1600/bosch.jpeg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="365" data-original-width="365" src="https://3.bp.blogspot.com/-OcH3FNSD2jM/WYmbGuWl90I/AAAAAAAA0XQ/76646rzD5icn7KJfGtHNyfqJ1uCCLRuJwCLcBGAs/s1600/bosch.jpeg" /></a><br />
<br />
<b>Related</b><br />
<a href="http://www.paynesculptures.com/fleshlettes.html">Payne Fleshlette Sculptures</a><br />
<a href="http://beautifuldecay.com/2014/11/14/jonathan-paynes-grotesque-body-sculptures-will-make-cringe/">Sort of Grotesqueness: Remixed Human Body Parts</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-83103547609286563522017-08-01T04:16:00.002-03:002017-08-04T07:09:40.789-03:00Ronit Baranga: Remarks & Reviews<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg7xG4JNw5d-Ajri0y-W8NtlU4pv8JypMOIinHdVqc_kqY3kkHNhMpzbRXiasPi8r8ERtNPp12JivbCOsJqPZHKn05TW_mvZesNjuHVgiendTxmgxUJPDyxm1gaFPjsQWbErEr7szuZeQ/s1600/Baranga_Breakfast_2014.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="532" data-original-width="532" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg7xG4JNw5d-Ajri0y-W8NtlU4pv8JypMOIinHdVqc_kqY3kkHNhMpzbRXiasPi8r8ERtNPp12JivbCOsJqPZHKn05TW_mvZesNjuHVgiendTxmgxUJPDyxm1gaFPjsQWbErEr7szuZeQ/s400/Baranga_Breakfast_2014.jpg" width="400" /></a><br />
<br />
"I took the simple utensil -the utensil we take for granted, the passive utensil- and I gave it the limbs with which we use it. So, now the utensil is in a different place. It is active. It can decide whether to use itself, whether to allow me to use it, or whether to run away." <a href="https://upperplayground.com/blogs/news-upperplayground/113405701-animated-objects-by-ronit-baranga">The ceramicist, 2016</a><br />
<br />
"Viewers on my work almost instantly react: they are either enthusiastic or appalled , but never indifferent. I hope that their harsh physical reaction stimulates them to think about the ideas and content that's derived from my art" (<a href="http://www.dirgemag.com/sentient-sculptures-ronit-baranga/">Dirge Magazine</a>),<br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Jv74ArNRvY0/WYAqaUPZ6EI/AAAAAAAA0Jk/9mm0XSf-nsItLrH23cfOq1vyNiRWJpXVgCLcBGAs/s1600/Ronit_Baranga.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="895" data-original-width="960" height="373" src="https://3.bp.blogspot.com/-Jv74ArNRvY0/WYAqaUPZ6EI/AAAAAAAA0Jk/9mm0XSf-nsItLrH23cfOq1vyNiRWJpXVgCLcBGAs/s400/Ronit_Baranga.jpg" width="400" /></a><br />
<br />
<b>Statements</b><br />
<br />
<i><a href="http://www.ronitbaranga.com/blog.html#blogBlurred" target="_blank">The Blurred Border Between the Living and the Still</a></i>. In the following series of works, I sculpted human mouths and fingers emerging from tableware. The blurred border between the living and the still in these works is intriguing. It makes you think. In this combination of the still and the alive joined as one, I try to change the way in which we observe useful tableware. The useful, passive, tableware can now be perceived as an active object, aware of itself and its surroundings - responding to it. It does not allow to be taken for granted, to be used. It decides on its own how to behave in the situation. This is how I prefer to think about my plates and cups. <br />
<br />
<i>Crowd<i></i></i>, 2010. Unlike the active pieces on fingers, that can move freely and decide whether to participate in the layout in which they were set, my mouth pieces are static. Despite the mouths ability, in the eyes of the viewer, to open and close, bite, swallow, smile, speak, scream or remain silent, they are in fact passive. This passiveness is very threatening. Mass of vases and bowls, open and closed, each with a human mouth, a connectionless crows. This is a crowd of unrelated individuals.<br />
<br />
<i>Self Feeding</i>, 2010. Part of twelve plates; some with hands holding forks, some with an open mouth. The plates are placed in an interacting fashion, in which some are feeding the others or preventing other plates from being fed.<br />
<br />
The use of fingers and mouths in my work is full of intent and meaning. The fingers and the mouth are very sensual organs in the human body and are therefore very powerful as separated items from it. The “seamless” combination of these organs in plates or cups, appearing as one, creates, in my opinion, new items that “feel” their environment and respond to it. The main idea of these series of works is that the useful, passive plate or cup becomes active due to this transformation and can decide on its own how to behave in the situation it is in: whether to allow others to use it, whether to use itself or maybe even escape (<a href="http://www.emptykingdom.com/featured/empty-kingdom-interview-ronit-baranga/" target="_blank">Interview</a> by <i>Empty Kingdom</i>, 8.7.2011).<br />
<br />
La Céramiste israélienne Ronit Baranga réalise des sculptures pour le moins troublantes. Des doigts d’argile, très réalistes, émergent des assiettes où des bouches se cachent à l’intérieur. Les doigts et les lèvres semblent prêts à agir. La bouche est un élément intéressant pour la vaisselle en céramique puisqu’elle est également son objectif principal, au moins de façon classique, qui est d’amener la nourriture et la boisson jusqu’à elle. «J’ai choisi de traiter avec la « bouche » comme une connotation métaphorique d’un poste-frontière », a déclaré Baranga. «Une frontière entre le corps intérieur et le milieu extérieur qui l’entoure » (<a href="https://www.chambre237.com/la-ceramique-etrange-de-ronit-baranga/">Chambre 237</a>).<br />
<br />
El uso de los dedos y la boca en mi trabajo está lleno de intención y significado. Los dedos y la boca son órganos muy sensuales del cuerpo humano y, por tanto, muy potentes, como elementos separados de ella. La “perfecta” la combinación de estos órganos en platos o tazas, donde aparecien como una sola unidad, crean en mi opinión, los nuevos elementos que hacen “sentir” y responder a ella (<a href="http://trianarts.com/las-increibles-esculturas-de-ronit-baranga/">Escultura</a>, <i>Trianarts</i>, 25.2.2013).<br />
<br />
I would like that anyone who sees my work feels something – what they feel is not relevant to me, as long as they feel. I hope that the emerging feelings will cause the viewers to think about the ideas behind my work… The combination of ceramic cups with ceramic fingers represent an idea in which the still creates a will of its own, enabling a cup to decide whether to stay or leave the situation it is in (<a href="https://culturacolectiva.com/arte/ronit-baranga-entre-lo-perturbador-y-lo-bello/">Cultura colectiva</a>, 14.7.2014). <br />
<br />
<i>Embraced</i>, 2016-2017. In this series, the relationship between the "doubtfully alive" vessels becomes physical. They lean on each other, pinching, hugging, embracing and their porcelain bodies react.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBG73Db8VLaP935terHpjcs2KtZ3xKyIsUeh4lIjvndtpeAADOtG-KQVfpss4OlkB15ZRMZmwUIBHL96d4BCaNl_e3zBtGjZT3WtugnoPcFjSWT9QROsrgBXigi3L2tEnOCI11GvoYttc/s1600/Baranga_Stones.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="532" data-original-width="800" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBG73Db8VLaP935terHpjcs2KtZ3xKyIsUeh4lIjvndtpeAADOtG-KQVfpss4OlkB15ZRMZmwUIBHL96d4BCaNl_e3zBtGjZT3WtugnoPcFjSWT9QROsrgBXigi3L2tEnOCI11GvoYttc/s400/Baranga_Stones.jpg" width="400" /></a><br />
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<b>Reviews</b><br />
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The sculptures of Israeli ceramicist Ronit Baranga flirt with the boundary between desire and repulsion. Baranga sculpts delicate lips and sensual fingertips, planting these tools of seduction in places where we least expect to find them. Plates and bowls grow mouths ready to lick and kiss. Caressing hands multiply until they turn into mutant, plant-like growths. These sensual features begin to seem invasive and frightening when stripped of their humanity and presented as inanimate objects (Nastia Voynovskaya, <a href="http://hifructose.com/2013/04/02/the-chill-inducing-ceramic-sculptures-of-ronit-baranga/">Chill-Inducing Ceramic Sculptures</a>, <i>Hi-Fructose</i>, 2.4.2013). <br />
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Las esculturas del ceramista israelí Ronit Baranga coquetean con el límite entre el deseo y la repulsión, Baranga esculpe labios delicados y sensuales puntas de los dedos los cuales se inspiran en las herramientas que estos son para la seducción en los lugares donde menos esperan encontrarlos. Platos y tazones y otras forman son las que ven crecer bocas listas para lamer y besar. Estas características sensuales empiezan a parecer invasoras y aterradoras cuando se despojadan de su humanidad y se presentan como objetos inanimados (Urban, <a href="http://thecitylovesyou.com/urban/ronit-baranga-esculturas">Esculturas que lamen, besan y tocan</a>, <i>The City Loves You</i>, 2.4.2013) <br />
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Ronit Baranga actualmente es una de las artistas plásticas que más ha sorprendido por su habilidad en esculpir cerámica. Su creatividad ha cuestionado los límites de la belleza desde la provocación. Sus piezas son una muestra de que no todo está hecho y visto en el mundo del arte. [… Sus] obras [son] perturbadoras [y] provocan en el espectador una sensación de incomodidad. Su trabajo es un vivo reflejo de que la materia puede llegar a desafiar los límites entre lo estético y lo congruente. […] Las vasijas de Baranga son un desafío que cuestiona la forma y los significados; es la muestra de que cualquier obra que provoque algún sentimiento o sensación, incluso de repulsión, está en el cumplimiento de una finalidad estética (Pamela Muñoz, <a href="https://culturacolectiva.com/arte/ronit-baranga-entre-lo-perturbador-y-lo-bello/">Entre lo perturbador y lo bello</a>, <i>Cultura colectiva</i>, 14.7.2014). <br />
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Ronit Baranga […] ha dedicado la mayor parte de su vida a trabajar con la arcilla, creando esculturas que desafían los límites de lo estético y lo congruente, muchas veces dando como resultado un sentimiento de incomodidad en el espectador. En casi todas sus obras Ronit añade dedos y distintas partes del cuerpo fundidas a objetos comunes, los finos detalles en las manos y dedos logran evocar vida a sus obras. El uso de bocas y dedos esta lleno de significado, ya que estas partes del cuerpo son muy sensuales, por lo tanto, muy potentes como elementos en sus obras. […] No cabe duda que el trabajo de Ronit despierta un sentimiento al verle, a veces positivo y quizás otras no tanto, pero al final podemos observar que el objeto y el órgano se encuentran en perfecta comunión, siendo una obra llena de vida y en total armonía (Andrea Monterde, <a href="http://inkultmagazine.com/blog/ronit-baranga-esculturas-surreales/">Esculturas surreales</a>, <i>Inkult Magazine</i>, 2014).<br />
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Israeli ceramicist Ronit Baranga‘s “body of work” is unsettling, to say the least. Sculpted from clay, realistic fingers emerge from plates while mouths lurk inside cups. The gnarled fingers and lips seem poised for action. We would most certainly hesitate before using any of these for fear of being bitten.<br />
The mouth is an interesting element for ceramic tableware as its main purpose, at least conventionally, has been to carry food and drink until it reaches the mouth. “I chose to deal with ‘mouth’ as a metaphoric connotation to a border gate,” said Baranga in an interview [in 2014]. “A border between the inner body and the external environment surrounding it.” (Johnny Strategy, <a href="http://www.thisiscolossal.com/2015/01/unsettling-ceramic-tableware-by-ronit-baranga/">Unsettling Ceramic Tableware by Ronit Baranga Incorporates Realistic Mouths and Fingers</a>, <i>Colossal</i>, 28.1.2015).<br />
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Baranga […] consigue acertar en […] nuestras reacciones más atávicas ante nuestra propia animalidad manifiesta, ante la expresión de nuestra propia anatomía y el significado de las diferentes partes de nuestro cuerpo. [… Su] serie titulada lúdicamente "cuerpo de trabajo" es, como mínimo, inquietante. […] "Elegí hacer frente a "la boca" como una connotación metafórica a una puerta de la frontera", comentaba Baranga en una entrevista [en 2014]. "Una frontera entre el cuerpo interior y el ambiente externo que lo rodea". […] Los cuencos con una boca al fondo están rellenados de resina sintética transparente para sugerir la presencia del líquido que vehiculiza los microorganismos que lo habitan y que instintivamente rechazamos. Por si no fuera suficientemente evidente, Baranga coloca estratégicamente pequeñas burbujas para sobreactuar la sugerencia de vida en las inquietantes bocas (Mafa Alborés, <a href="http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com/2015/02/arte-y-percepcion-ceramica-turbadora-de.html">Arte y percepción</a>, <i>El animal invisible</i>, 3.2.2015).<br />
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Though the clay works of Ronit Baranga […] have been described as chill-inducing, frightening, and even repulsive, the […] artist doesn’t see her work this way. Her sculptures animate every day objects such as dishes, tea cups, and saucers, offering them the ability to express the full spectrum of human emotions. […] Baranga’s newer works also express an undercurrent of pain, violence, joy, and tranquility (Caro, <a href="http://hifructose.com/2016/03/09/ronit-baranga-brings-objects-to-life-in-cringe-worthy-new-sculptures/">Objects into Life</a>, <i>Hi-Fructose Magazine</i>, 9.3.2016).<br />
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"Ronit Baranga‘s sculptures animate every day objects such as dishes, tea cups, and saucers, offering them the ability to express the full spectrum of human emotions. Even her humanoid figures sprout new body parts as if their skin has a mind of its own. Baranga’s works express an undercurrent of pain, violence, joy, and tranquility" (Ariadna Zierold, <a href="https://upperplayground.com/blogs/news-upperplayground/113405701-animated-objects-by-ronit-baranga">Animated Objects</a>, 19.3.2016).<br />
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<i>Isn't the Grotesque supposed to impress you?</i><br />
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"The most common definition of grotesque is «scary and funny united». […] These pieces might evrn shake your way of thinking or perceiving. [… It depends on how open-minded you are. […] Ronit Baranga['s …] clay sculptures […] may haunt you in your dreams or make you revalue your aesthetic principles. […] Baranga can serve you a cup of tea [… including ceramic] parts of human anatomy such as fingers and mouth. […] There are demons that can be very hard to capture. Those are usually [the] ones we fear the most--our own flaws. Ronit Baranga, evidently, knows this and she is not fighting. She is playing with [them all]." --Marija Krsmanovic, "Clay Obscure: Grotesque Sculptures [to Fight Demons]," <i>Whizual</i>, March 2016.<br />
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Baranga has created an anthropomorphic tea set that looks, to the casual observer like something that might take place in the cupboards after Beauty and the Beast fall asleep. Human fingers and orifices sprout from the floral print tea pot and cups and they grasp at one another with enough vigor to completely warp each other's pale bodies. The kitchenware oozes passion, and it's impossible to look at the smaller tea cup's parted lips without imagining a moan—or perhaps a scream. <br />
The sculpture's title, <i>Embrace #1</i>, is an accurate, if understated, description of the rendezvous Baranga has captured. When we ask just what was going on in the new work […], she responds, "I leave this to the interpretation of the viewers." It seems unlikely that the three fleshy reservoirs rubbing up against one another is a platonic encounter […]. We concede that the scene could simply show the lead up to or come down from the <i>ménage à trois</i>—admittedly, we don't know enough about teapot's anatomy to confirm or deny this theory. Ronit Baranga leaves 'Embrace #1' up for interpretation, but the sculpture is very sensual.<br />
Elaborating on her inspiration for Embrace #1, Baranga tells [… that] "all of these series deal with interactions. The last series—the most physical so far" (Beckett Mufson, <a href="https://creators.vice.com/en_uk/article/d74bgx/anthropomorphic-ceramic-teapot-threesome" target="_blank">Are These Anthropomotphic Ceramics having a Threesome?</a>, <i>Vice</i>, 6.8.2016).<br />
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Israeli sculptress Ronit Baranga creates wonderfully unsettling clay sculptures that exist in a liminal realm where determining what is alive and what is inanimate is a hazardous guess at best. For series such as The Feast, Untitled Feast, and Breakfast, Baranga sculpted nimble human fingers and sensuously open mouths emerging from porcelain and ceramic tableware.<br />
Self-aware and aware of its surroundings, Baranga’s surreal dishes and cups are active participants at mealtime. Sure, you’re hungry, but your plates are too. So dine with care or perhaps learn to share with your china, lest you lose a finger.<br />
Sitting down to afternoon tea sounds like a perfectly cordial and mundane event until the teapot starts to wander off, your saucer refuses to let go of your biscuit, or your teacup tries to kiss you.<br />
[…] With an educational background in psychology and literature, she uses her relentless drive to create with clay in order to explore both herself and human nature on a larger scale, the intimacy of relationships, or sometimes simply to seek out the humor in the grotesque (Malka Keuben, <a href="http://www.dirgemag.com/sentient-sculptures-ronit-baranga/">The Sentient Sculptures of Ronit Baranga</a>, <i>Dirge Magazine</i>, 16.8.2016).<br />
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"The bodies depicted in <i>Gross Anatomies</i> dissipate, morph and decompose. They may have piecemeal forms, assembled from disparate parts. They openly engage in bodily functions like defecating, giving birth or dying, universal acts essential to human existence that usually take place in private. The creatures’ grotesque bodies may make us laugh or recoil in disgust. They can confuse us, appearing as two opposite-seeming things at the same time, such as cute and creepy or ugly yet beautiful.<br />
The [artworks] on display in this exhibition feature grotesque representations of the human form. [… They] transgress social norms, amuse, titillate and befuddle us, and in some cases, gross us out.<br />
In today’s parlance, “grotesque” describes things that are hideous or garish, but its dictionary definition is more nuanced: “of or unnatural in shape, appearance or character; fantastically ugly or absurd; bizarre.” Another meaning, “fantastic in the shaping and combination of forms, as in decorative work combining incongruous human and animal figures with scrolls and foliage,” has its historical root in the term Renaissance-era Italians applied to the imaginary figures featured in the decorative elements of unearthed Roman ruins: grottesca, meaning cave painting. This word evolved into grotesque, which encompasses all things hideous, fantastical and unnatural. Many of the bodies in <i>Gross Anatomies</i> exist in that same borderline category as the ancient Roman figures, comingling flora with male or female forms. These creatures are never fully human, and perhaps part animal, plant or machine.<br />
Due to their in-between, misfit nature, grotesque images have a subversive power that threatens to overturn social conventions. Their strange, and often humorous, forms present opportunities for typically hidden or taboo subjects to surface, and suggest alternate realities where power structures have been toppled. Contemporary artists turn to grotesque themes to address issues related to inequity by creating parallel worlds in which hierarchies are dismantled and the downtrodden gain control. The works on display in <i>Gross Anatomies</i> depict bodies behaving outside accepted conventions of etiquette and science in ways that both disgust and delight" (Ohio, Akron Art Museum, <i>Gross Anatomies</i>, February-July 2017).<br />
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"One artwork featured in <i>Gross Anatomies</i>, a ceramic sculpture entitled Embraced #1, by Ronit Baranga, imbues an otherwise traditional-looking tea service with a ceramic human mouth and fingers to startling effect. This unsettling teapot seems prepared to pour and consume its own contents" ("Akron Art Museum presents the Weird, Incongrous and Grotesque with Gross Anatomies," <i>Artdaily</i>, 4 February 2017).<br />
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Theresa Bembnister said, “Due to their misfit nature, the images in this exhibition have a subversive power that questions, and sometimes even completely overturns, social conventions. These artists use grotesque themes to address issues of inequity by creating parallel worlds in which the status quo is dismantled and the downtrodden gain control. The works on display in Gross Anatomies depict bodies behaving outside accepted conventions of etiquette in ways that both disgust and delight” ("Akron Art Museum presents the Weird, Incongrous and Grotesque with Gross Anatomies," Artdaily, 4 February 2017).<br />
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[<i>La beauté sera CONVULSIVE ou ne sera pas</i> (André Breton, <i>Nadja</i>, 1928).]<br />
Ronit Baranga (Israel, 1973) realizó estudios de Arte en la Escuela de Arte de Bet-Berl, sin embargo, ya contaba con tres licenciaturas, una en Literatura Hebrea, una más en Historia del Arte y otra en Psicología. Por lo que su codificación y entendimiento del arte es el resultado de procesos mentales estrechamente relacionados con sus estudios académicos.<br />
La obra de Ronit es la representación de la figura humana, descontextualizada […]. A través de materiales como la arcilla, el esmalte, el vidrio e incluso la estampa, las muchas figuras (entre las que oscilan vasijas, jarrones, tazas, platos, teteras) tienen una proporción amorfa, en la que intervienen, de manera deliberada, formas de miembros humanos: bocas, dientes, […] dedos y manos.<br />
Esta concepción del cuerpo como […] detalle, […] es […] recurrente [… en] la escultura de Baranga. […] Se trata de figuras sugestivas, provocadoras e incluso atrayentes.<br />
[…] Por supuesto, la obra de Ronit alude a[l …] surrealismo. Sin embargo, sus representaciones van más allá de las experiencias oníricas. De hecho, sus figuras están inspiradas en la estética de lo grotesco, de lo siniestro, de lo que Freud consideraba una vivencia contradictoria, donde lo extraño se presenta como conocido y lo conocido se torna extraño.<br />
Reconocemos las manos con familiaridad, sabemos que la figura representada es humana, sin embargo no podemos asegurar que esa metáfora sea totalmente una representación de lo humano, pues hay un elemento que no podemos definir.<br />
La obra de Ronit Baranga siempre pone en incertidumbre a la intelectualidad, por lo que su apreciación es inquietante y seductora (Monserrat Ocampo, <a href="http://www.apocrifa.com.mx/el-molde-de-la-belleza-convulsiva-ronit-baranga/">El molde de la belleza convulsiva</a>, <i>Apócrifa</i>, México, 14.4.2017).<br />
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Artist Ronit Baranga creates ceramic sculptural works she describes as existing on the “border between living and still life”—objects guaranteed to either tickle your funny bone or haunt your worst nightmares, depending on your perspective. Baranga depicts dishware as sprouting human fingers and gaping mouths as the objects traipse across tabletops or physically cling to one another in a permanent embrace. The pieces are both silly and sinister as they come to life as if from a cartoon (Christopher Jobson, <a href="http://www.thisiscolossal.com/2017/07/dishware-anatomy-ronit-baranga/">Artist Ronit Baranga’s Disturbing Anatomical Dishware Creeps Across Tabletops</a>, <i>Colossal</i>, 6.7.2017).<br />
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Initiating a dialogue between people and inanimate objects, Barangas artwork can be read as an estraordinary sensual, sexual or as a verbal reference. It is incredibly interesting, bizarre, and unsettling. Fingertips and lips emerge from plates and the inside of teacups. They are very delicate and sensual but may leave you feeling pretty creeped out too.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-MGSGQjQ5_MY/WYQqKdg_WEI/AAAAAAAA0P8/PXqBHWQz4icas4hyxXTSTrfaPZam8PDEgCLcBGAs/s1600/Baranga_Untitled.jpeg" imageanchor="1" ><img border="0" src="https://3.bp.blogspot.com/-MGSGQjQ5_MY/WYQqKdg_WEI/AAAAAAAA0P8/PXqBHWQz4icas4hyxXTSTrfaPZam8PDEgCLcBGAs/s400/Baranga_Untitled.jpeg" width="400" height="400" data-original-width="482" data-original-height="482" /></a><br />
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<b>¿QUERÉS MÁS?</b> Ronit Baranga es una de las artistas más destacadas de hoy. Sentir e intención se encuentran bien balanceados en sus esculturas cerámicas, donde la técnica es además impecable. Los trabajos de Baranga constiuyen un desarrollo novedoso, original y sutil en el arte del siglo XXI. Su diálogo con lo Grotesco como categoría estética se halla tan bien calibrado que responde perfectamente a la noción que John Ruskin tenía acerca de "un buen grotesco", e incluso a la definición de Philip Thomson caracterizándolo en términos de "lo ambivalentemente anormal". Con todo, el logro de Baranga trasciende tamañas formulaciones teóricas. Mientras que sus entidades híbridas son sorprendentes, juguetonas e inquietantes, ellas transmiten a su vez algo que es humano, demasiado humano. Y ello se debe a que los grotescos objetos animados de Ronit Baranga son por sobre todas las cosas exquisitas manifestaciones del Deseo (Mariano Akerman, pintor e historiador del arte).<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjenVEdmuP0FWMIq2ctjuUejs0dIBK1-M47vmCVHnAAZxuzQ5x3z_TWS4VNPv3pQM2qijZGgqHz_ZwDuzWoKhzTf-v7pePnCqdeRmlb1ow6qb5quDDpC5qlFCoWsQZLWP3f22gFGVYwRRs/s1600/Baranga_Platos.jpg" imageanchor="1" ><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjenVEdmuP0FWMIq2ctjuUejs0dIBK1-M47vmCVHnAAZxuzQ5x3z_TWS4VNPv3pQM2qijZGgqHz_ZwDuzWoKhzTf-v7pePnCqdeRmlb1ow6qb5quDDpC5qlFCoWsQZLWP3f22gFGVYwRRs/s400/Baranga_Platos.jpg" width="400" height="392" data-original-width="436" data-original-height="427" /></a><br />
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<b>SOME MORE?</b> Ronit Baranga is one of the most distinguished artists working today. Feeling and intention are well balanced in her ceramic sculptures, where the technique is also superb. Baranga's works are a new, original and subtle development in 21st-century art. Indeed, her dialogue with the Grotesque as an aestheic category is so well adjusted that fits John Ruskin's notion of "a fine grotesque," and so it does Philip Thomson's definition of the grotesque as "the ambivalently abnormal." Yet, Baranga's achievement goes beyond that. While the hybrid entities she produces are strange, playful and disquieting, they do also convey something that is human, too human. For Ronit Baranga's grotesquely animated objects are above all exquisite manifestations of human Desire (Mariano Akerman, painter and art historian).<br />
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<a href="https://1.bp.blogspot.com/-_trDdySr1qA/WYGE07P9UvI/AAAAAAAA0J4/DS2MdE-hu8MEUdjAuu5XjtzKvzY1UBBvQCLcBGAs/s1600/Baranga_2010.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="692" height="222" src="https://1.bp.blogspot.com/-_trDdySr1qA/WYGE07P9UvI/AAAAAAAA0J4/DS2MdE-hu8MEUdjAuu5XjtzKvzY1UBBvQCLcBGAs/s400/Baranga_2010.jpg" width="400" /></a><br />
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<b>Resources</b><br />
<a href="http://www.ronitbaranga.com/">Official Website</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.com/2017/08/baranga.html">Artwork</a><br />
<a href="http://hola-akermariano.blogspot.com/2017/08/los-tantos-mezclados.html">El arte de andar mezclando los tantos</a><br />
<a href="http://www.ufunk.net/artistes/ronit-baranga/">UFUNK 2015</a><br />
<a href="https://upperplayground.com/blogs/news-upperplayground/113405701-animated-objects-by-ronit-baranga">Upperblog</a><br />
<a href="https://maritbenisrael.wordpress.com/2016/08/21/ronit-baranga/">על הכלים הסָפֵק-חיים</a><br />
Katy Kowan, <a href="http://www.creativeboom.com/inspiration/embraced-ronit-barangas-creepy-crockery-complete-with-walking-hands-and-talking-mouths/">Embraced–Ronit Baranga's Creepy Crockery Complete with Walking Hands and Talking Mouths</a>, <i>Creative Boom</i>, 19.7.2017akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-92111887440499935682017-07-27T10:35:00.007-03:002021-07-20T08:15:39.130-03:00Sogni dei pittori<br />
<div style="text-align: justify;">Historically speaking the grotesque is a decorative wall painting of interwoven hybrid human or animal bodies, and mythical characters entwined with floral patterns, using curving spiraling foliage elements.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVXtOgA33y_GTpZz6HcNQW2UwsEuKD68yS4HQdDZawrFRVDF7hZ4uQiJl80aYTVZuV0cQ_493NPDj4oF4wjeyhQeDQ9Ql9gOjDN9rZ5vbZPgjgc-iFuhBzMhUSFhtZMPwuvKxrDsPx_9E/s1600/gk_putto.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="1134" data-original-width="850" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVXtOgA33y_GTpZz6HcNQW2UwsEuKD68yS4HQdDZawrFRVDF7hZ4uQiJl80aYTVZuV0cQ_493NPDj4oF4wjeyhQeDQ9Ql9gOjDN9rZ5vbZPgjgc-iFuhBzMhUSFhtZMPwuvKxrDsPx_9E/s400/gk_putto.jpg" width="300" /></a></div><br />
The name is derived from the "grotto" in Italian meaning "cave". Can be found in interiors of rooms or corridors or ‘hidden places’. The strange motifs of hybrids of plant, animal, and human forms were first discovered in the 15th century in Nero’s Golden Palace, the Domus Aurea.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-7gZXqzkLe-w/WXnrHSqWz0I/AAAAAAAA0IQ/QRvVLr09r0wNxlXkRbKfrIh58eJ34R8oQCLcBGAs/s1600/gk_grifo.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="611" data-original-width="659" height="371" src="https://3.bp.blogspot.com/-7gZXqzkLe-w/WXnrHSqWz0I/AAAAAAAA0IQ/QRvVLr09r0wNxlXkRbKfrIh58eJ34R8oQCLcBGAs/s400/gk_grifo.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGljPAlZq5KoIsukEXgGlNl9onUgUH0XOY8wbo7XXkIc6lfe6XyDTKlQ5YGhy_TGhyphenhyphenEYk_Np4pURBkRw4RRAYmIhztXQCQcoIvHvHF56leytpF0uW62MTkSuA6m_BU4JG0Z6b3jKhFXAM/s1600/gk_cabrone.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="731" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGljPAlZq5KoIsukEXgGlNl9onUgUH0XOY8wbo7XXkIc6lfe6XyDTKlQ5YGhy_TGhyphenhyphenEYk_Np4pURBkRw4RRAYmIhztXQCQcoIvHvHF56leytpF0uW62MTkSuA6m_BU4JG0Z6b3jKhFXAM/s400/gk_cabrone.jpg" width="400" /></a></div><br />
There is a place for humour, folly and satire in this kind of work that easily translates into contemporary versions. <br />
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These whimsical arrangements and motifs inspired work of the masters during the Renaissance, the Baroque, and the Rococo. Even postmodern artists working today.<br />
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Could it be that they retain a good working combination that opens up relevant debate between disparate elements, such as aesthetic beauty in the decorative vs the abject? Or the free-form mythical figures fusing bodies of humans and animals and plants within curved structures vs the crazed feeling from these exaggerated forms? Or the sheer enchanting absurdity of the characters mingling they way across the planes of the walls?<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-NKi__iCfjNk/WXnrSs01DkI/AAAAAAAA0IY/yuD7eNA_NgE6_3gqmhMPt-2Z-yLxBGxjACLcBGAs/s1600/gk_grotteschi.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="668" data-original-width="780" height="342" src="https://1.bp.blogspot.com/-NKi__iCfjNk/WXnrSs01DkI/AAAAAAAA0IY/yuD7eNA_NgE6_3gqmhMPt-2Z-yLxBGxjACLcBGAs/s400/gk_grotteschi.jpg" width="400" /></a></div><br />
An alternate name for the original decorative grotesques in sisteenth-century Italy was <i>sogni dei pittori</i>. The unsettled, fantastic world of dreams would indeed seem to provide the perfect setting for the emergence of the grotesque, as they often do in actual experience, notably in nightmares. The surrealists often exploit the grotesque in attempting to mirror the dream-world of the subconscious, as can be seen in many of Dalí´s masterpieces. Much earlier did Albrecht Dürer realize that the grotesque and the world of dreams are very closely related: "If a person wants to create <i>Traumwerk</i> (<i>el trabajo del sueño que da lugar a la fantasía</i>, the stuff the dreams are made of), let him freely mix all sorts of creatures."<br />
This is not to imply, of course, that artists created dreamworks in anything approaching a dream-state, nor does it imply that the verisimilar reproduction of a dream-state was uppermost in their minds when resorting to the grotesque prolifically; rather, that its use as a frame gave them the sort of "poetic license" requisite for indulging in fantasy, an extra justification for the creation of the grotesque in abundance. Artists thus embraced consciously the fantasy-liberating nature of dreams.<br />
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Crearon así <i>un mondo che non esiste se non nella fantasia dei poeti, nei sogni dei pittori, nella magia degli artisti</i>.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-NqF50rg34o0/WXnreq3o7lI/AAAAAAAA0Ic/4V0cdv9YkRAVWh9UCQuuvuvgFEO-OYkNwCLcBGAs/s1600/uffizi_f81.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="362" data-original-width="600" height="265" src="https://4.bp.blogspot.com/-NqF50rg34o0/WXnreq3o7lI/AAAAAAAA0Ic/4V0cdv9YkRAVWh9UCQuuvuvgFEO-OYkNwCLcBGAs/s400/uffizi_f81.jpg" width="425" /></a></div><br />
FORZA ITALIA! - "<i>Se il vigore va bene... avanti con il pene. Ma, se la situazzione e dificile e la forza mingua... avanti con la lingua. Se questa posizione si torna imposibile e tutto intento inhumano... avanti con la mano. Ma, se niente funziona... e tutto é nullo... avanti con il culo. Ma, Avanti... Sempre Avanti! Che questo è lo importante</i>" (Giussepe Kilome Il Cabrone).<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-X95gRxDoWSU/WXokbll7i7I/AAAAAAAA0I8/CfCbWpWl3AsuyUhu5y4rLjSuPfEvTEuegCLcBGAs/s1600/5811797911_86c2770da9_b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1003" height="306" src="https://3.bp.blogspot.com/-X95gRxDoWSU/WXokbll7i7I/AAAAAAAA0I8/CfCbWpWl3AsuyUhu5y4rLjSuPfEvTEuegCLcBGAs/s400/5811797911_86c2770da9_b.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/grotteschi.html" target="_blank">Grotteschi</a></td></tr>
</tbody></table><br />
The original use of the term <i>grotesque</i> in the Italian Renaissance--to designate an ornamental style disregarding the laws of statics, symmetry, and proportion and mixing animate and inanimate forms suggested not only something playfully gay and carelessly fantastic, but also something ominous and sinister. From the start, such dissolution of reality into monstrosities was associated with "the dreams of painters" (<i>sogni dei pittori</i>); but <i>grotesque</i> was often confused with the two-dimensional <i>moresque</i> and perspectival, tectonic <i>arabesque</i> as a stylistic term, and by the later seventeenth century it was further extended figuratively to signify any appearance, manner, or behavior which was extravagant, bizarre, capricious, silly, ridiculous, hence comic in a shallow and general sense. The first noteworthy transfer of the term from art to literature in the Mannerist and Baroque period appears in Montaigne´s description of his own <i>Essais</i> as "<i>crotesques et corps monstrueux, rappiecez de divers membres, sans certaine figure, n'ayants ordre, ny proportion que fortuite</i>". The antithetical, contradictory qualities of being inhere in the doubled, self-reflective consciousnes of Montaigene: "<i>Je n'ai vu monstre ey miracle au monde, plus esprès que moi-même</i>".<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWBIUrpjEbeR73C-mnxeWlfxe1SWUGIc9OkK0iutzerACKloSkUVL1QEOUGw-kFrddo1So0ojVZ2uRA9YXwaJL5FfPV8kp947LAeLu0vaYM9mUQUIqYxZ0SJpiSvIama2cs0egRYFqih0/s1600/grotteschi_akerman_plate.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5586555249272255138" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWBIUrpjEbeR73C-mnxeWlfxe1SWUGIc9OkK0iutzerACKloSkUVL1QEOUGw-kFrddo1So0ojVZ2uRA9YXwaJL5FfPV8kp947LAeLu0vaYM9mUQUIqYxZ0SJpiSvIama2cs0egRYFqih0/s400/grotteschi_akerman_plate.jpg" style="height: 300px; width: 400px;" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/la-grottesca.html" target="_blank">La grottesca</a></td></tr>
</tbody></table><br />
De Bosch a los surrealistas, pasando por Brueghel, Hogarth y Goya, lo que los italianos llamaban <i>i sogni dei pittori</i>, es decir, lo grotesco, nos ofrece la posibilidad de distraernos de nuestra inquietud interior al combatirla con un sentimiento más poderoso: el horror angustiado que nos causa el espectáculo de un mundo al revés, en que la naturaleza se revuelve monstruosamente contra sí misma y no obedece ya a sus propias leyes, en que la diferencia entre personas y objetos parece borrarse, en que lo inesperado nos aguarda en cada esquina. Como el manierismo, lo grotesco es anticlásico; pero a diferencia del manierismo, no es el yo el que se siente enfermo, sino el mundo externo todo el que parece haberse vuelto loco. El insondable caos externo borra o disimula toda angustia subjetiva, sumiéndola en otra más vasta e impersonal. Un mundo enajenado en que los objetos adquieren vida propia y en que lo humano ha sido herido y distorsionado tan gravemente que cesa propiamente de ser humano, nos ofrece, además el consuelo de que podemos rechazarlo de golpe, íntegramente, mediante una carcajada (Manuel Durán, <i>Quevedo contra Quevedo</i>, Palibrio, 2013, pp. 155-156).</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-qiQggeydzec/WXnq-tITQFI/AAAAAAAA0IM/DRcq0Lqp8msncw7KGcAsYG9p02G95el9gCLcBGAs/s1600/gk_maccaron.JPG" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="800" height="300" src="https://4.bp.blogspot.com/-qiQggeydzec/WXnq-tITQFI/AAAAAAAA0IM/DRcq0Lqp8msncw7KGcAsYG9p02G95el9gCLcBGAs/s400/gk_maccaron.JPG" width="400" /></a></div><br />
<b>Resources</b><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2011/07/domus-aurea.html">Domus Aurea</a><br />
<a href="http://visual-akermariano.blogspot.com/2014/04/pintura-de-la-antigua-roma.html">Estilo fantasía de la antigua Roma</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/raphael.html">Raphael: The Vatican Loggia</a>
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Mariano Akermanakermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-84154491718283851512017-07-27T09:44:00.000-03:002017-07-27T10:14:33.418-03:00Reviewing Our Grotesque<br />
<div style="text-align: justify;">
Lyz Nagan, "Putting Grotesque to the Test: Site Santa Fe's Fifth International Biennial," <a href="http://fnewsmagazine.com/2004-sept/current/2004-sept/pages/18.shtml" target="_blank"><i>Fnewsmagazine</i></a>, September 2004.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZbFIdrgwzPoOKr5QBsXRMaFdj5uFyKT2-DKw_zvM1XEqzE1xHcaKn6mhelEMnhpA5Z0PKUckBo_pBPVggL1itg4_dlcoybqkOtGyF_O0MSsMM_CDjSm2d756yMp287avFsVPTJSA9C18/s1600/santa_fe.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="290" data-original-width="250" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZbFIdrgwzPoOKr5QBsXRMaFdj5uFyKT2-DKw_zvM1XEqzE1xHcaKn6mhelEMnhpA5Z0PKUckBo_pBPVggL1itg4_dlcoybqkOtGyF_O0MSsMM_CDjSm2d756yMp287avFsVPTJSA9C18/s320/santa_fe.jpg" width="276" /></a>Plastic rats and muddied baby dolls welcome the audience to the fifth annual SITE Santa Fe biennial held at the newly revamped space of the not-for-profit contemporary art organization. I spent my entire life in the Midwest—teal, purple, and unnaturally orange landscapes come to mind when I envision New Mexico’s art scene. Perhaps I am not the only one who imagines Santa Fe as a regional art center because SITE’s mission is to explicitly bring international art to Santa Fe. Although the exhibiting artists are mostly American, the biennial’s guest curator, Robert Storr, cranked up the Santa Fe art scene by more than a couple of notches with <i>Disparities and Deformations: Our Grotesque</i>. <br />
<br />
Storr has long been interested in the subject of the grotesque, evidenced by the precision and clarity of this show. With the lofty goal of reclaiming the concept from abuse by the media, Storr approaches this show as a chance to complicate the term and the images it describes. Rather than simplify and explain the concept, Storr explores the polyvalence and slipperiness. <br />
<br />
I wandered through the impressive show with just general knowledge of the history and complexity of the grotesque, and therefore armed mostly with my eyes. The exterior installation, by Kim Jones, is a collage of trashy items—bundles of twigs, used grills, suspended dolls and marching rats. The clever result embodies the uneasiness and whimsicality of the theme, but also misleads the audience as to the range of work inside. <br />
Jones’s contribution continues in the entryway of the building, and though his drawings are intriguingly detailed and well crafted, they are not nearly as ambiguous and exploratory as other works in the show. <br />
<br />
Once inside, it is apparent that Storr is a skilled curator—the exhibition flow and attuned placement of the works is staggering. Apart from the difficulty of viewing drawings through reflective glass in the sunny foyer, the drawings feel like adolescent sketches gone too far—with none of the innocence and all of the darkness. <br />
<br />
Hung on the adjacent wall is a thematically relevant Jeff Wall photograph. Intimately scaled, the photo portrays a common nightmarish scene of being caught naked in public. In this case, a nude, older woman towers over the central staircase of a library completely oblivious to the comings and goings of the library visitors. The serenity of the scene combined with the woman’s shameless disposition makes the piece a perfect introduction to the rest of the show.<br />
<br />
Connecting the entryway to the meat of the exhibition was Ricci Albenda’s “Tesseract,” a quirky take on the white-walled spaces to which modern art audiences are accustomed. The organically styled reliefs and engravings make glaringly apparent the flat, stark walls that support our once (and maybe still) radical art. The architectural possibilities, he seems to be saying, are endless, and yet look how, we repeatedly use the space. Beyond this installation, six large galleries (and one old railroad car) housed the remaining 50 artists. <br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-d5tAeP1L-V4/WXng6zTJ_sI/AAAAAAAA0H4/Fq4rFAjGyMYHd78MsuaEHDbb7kx0GCKDACLcBGAs/s1600/Mascarone_Uffizi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="175" data-original-width="175" src="https://3.bp.blogspot.com/-d5tAeP1L-V4/WXng6zTJ_sI/AAAAAAAA0H4/Fq4rFAjGyMYHd78MsuaEHDbb7kx0GCKDACLcBGAs/s1600/Mascarone_Uffizi.jpg" /></a>Historically, the concept of the grotesque relied on fantastic imagery to challenge and critique mainstream values and sensibilities. Many of the works continue this tradition. Issues of race, gender, sexuality and religion abound, making the show a feast for the mind as well as the senses.<br />
The discomfort that some may attribute to grotesque images stems directly from the confronting quality in images that twist and contort our preconceived notions of beauty and nature. As Storr brilliantly observed in the introduction to the catalog, the artists in the show extract the unnatural from the natural.<br />
<br />
Among the notable inclusions in the show are Lamar Peterson’s stoic scenes of homicidal sock-monkeys and a mother gleefully smiling while her son’s face melts to the floor; Lisa Yuskavage’s soft portraits of oddly proportioned women; Adriana Varejão’s tile sculpture reminiscent of excavated ruins with decorative motifs and bloodied innards; Kara Walker’s first video, made specifically for this show, portraying a racist society turned upside down in raw, puppet show fashion; Louise Bourgeois’s psychological cell with three suspended heads evoking the trinity of the id, ego and superego; and occupying the always hazy boundary between high art and low art, R. Crumb’s expertly executed cartoons of morphing faces and boyish daydreams scribbled on café placemats.<br />
<br />
But anchoring the constellation of meanings and possibilities of the grotesque are works by Jenny Saville and Tony Oursler. Saville’s immense “Rueben’s Flap” exaggerates the common female nude into ripples of flesh; rather than splayed daintily on a daybed, the woman is upright and in your face. And though the piece reeks of sensuality, the woman’s body also resists instantaneous sexualization by the viewer, for the overweight, domineering lover isn’t easy to admit into our fantasies. The three bodies meet and diverge, moving and flirting with the viewer, while the faces exude pain, pleasure and obvious sexual agency. The work at once captivates the viewer with its beauty and its horror, inciting the ultimate grotesque experience. Saville’s canvas is monumentally hung in the most prominent location in the space—Storr clearly thought of her work as emblematic of the power of the grotesque.<br />
<br />
Tony Oursler’s warped projection character “Softy” was captivating, almost charming, its doll-like quality juxtaposed with a creepy, baby-talk babble soundtrack. An almost circular blob, “Softy,” has a neon yellow face with droopy eyes, a pink mouth, and a hijacked nose. Awkward and yet lovable, Oursler’s piece plays with our standards of cuteness. The nursery colors begin to look psychedelic on the oversized face, and the nonsensical phrases sound almost maniacal when uttered in mostly monotonous tones and on a looped track. “Softy” throws into question the innocence and naiveté of children’s toys, or perhaps more accurately, the “projected” innocence and naiveté of children’s toys.<br />
<br />
We are bombarded with beauty everyday, from supermodels to Monet’s haystacks, and it is about time we start reflecting on what and why we consider an image beautiful. The grotesque is the perfect remedy to complacent taste, occupying both good and bad territories simultaneously. <br />
<br />
The inherent ambiguity and tension in the works makes it impossible to walk through the exhibition with only a half-awakened eye; juxtapositions of unlikely pairings, unintelligible, yet life-like figures and imaginative reworkings of images we take for granted in our daily life make us aware of the sensibilities we carry with us everywhere we go. Storr successfully stirs up the meaning of the grotesque but also the meanings of beauty, horror, ugliness, and humor.</div>
akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-47043761404664171652017-07-27T09:13:00.006-03:002017-07-27T09:22:52.478-03:00Revelatory MonstersDeconstructive Hybrids, the Grotesque, and Pop Surrealism<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Nancy Hightower, "Revelatory Monsters: Deconstructive Hybrids, the Grotesque, and Pop Surrealism," Introdution to Florida State University, Museum of Fine Arts, <i>Cute & Creepy</i>, October-November 2011<br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOVaRpHIJ05aMokLXFbn_QeHrtEkXePU30p8EP7apdhlZ2LLyFKDT4VbJaIEVtAC_eLXiGe1hEy90SkjlCoUVmhtCZnwT5oYQ9c4ZFdm4lDnDBuq6rSS7iCP8vVIkfYgmIe99VhAx2ntg/s1600/Zucchi.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="1065" data-original-width="808" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOVaRpHIJ05aMokLXFbn_QeHrtEkXePU30p8EP7apdhlZ2LLyFKDT4VbJaIEVtAC_eLXiGe1hEy90SkjlCoUVmhtCZnwT5oYQ9c4ZFdm4lDnDBuq6rSS7iCP8vVIkfYgmIe99VhAx2ntg/s400/Zucchi.jpg" width="303" /></a><br />
<span style="font-size: xx-small;"><i>Jacopo Zucchi's Monster in Musée du Louvre, Paris</i></span><br />
<br />
We need monsters in our lives.<br />
<br />
We like to fear them, to run hiding under the covers or clenching a lover’s arm until the monster is destroyed or banished to far off lands. They are wonderful like that, refusing to ever completely disappear from our lives, affording us the opportunity for self-introspection if we take a moment to recognize that monsters don’t die because they are essentially <i>us</i> (Cohen 5). Once they are eradicated from our cultural memory, we go, too. And that monstrous, wondrous body is at the heart of the grotesque. From the playful <i>grotteschi</i> unearthed in the Domus Aurea to demons of the illuminated manuscripts that overflowed from the margins onto the actual text, the monstrous body has always threatened what our culture has desired to contain (or perhaps more accurately, trapped, vetted, and fixed to incorporate whatever impossible standards it has set up to differentiate us from <i>them</i>). But the monstrous body is also prophetic in nature. Jeffrey Jerome Cohen argues that as a “construct and a projection, the monster exists only to be read: the <i>monstrum</i> is etymologically ‘that which reveals’ that which warns…like a letter on the page, the monster signifies something other than itself” (4). What sets up this kind of fulcrum is society itself: “The too-precise laws of nature as set forth by science are gleefully violated in the freakish compilation of the monster’s body. A mixed category, the monster resists any classification built on hierarchy or a merely binary opposition, demanding instead a ‘system’ allowing polyphony, mixed response (difference in sameness, repulsion in attraction), and resistance to integration…” (7). These kinds of juxtapositions are what form the definition of the grotesque.<br />
<br />
The grotesque, however, is not a thing in itself. It’s not a genre or trope or an “ism” that can be qualified by a time period. It is an operation, a process that occurs when one is caught in between a moment of humor and horror, or horror and beauty—held in perfect suspension so that neither overrides the other. We are left in momentary paralysis, unsure of what to think, unable to look away. It is within that space, Geoffrey Galt Harpham argues, that the grotesque can cause “the death of the theorizing mind, the temporary reign of the senses (or, more accurately, the confusion of theory), followed by a resurrection of theoretical certainty,” (17). This paradigm crisis happens only at a point in time when there is enough discontinuity to “discredit an old explanatory paradigm or model,” yet no new system or paradigm has been fully adopted yet to put the subject back into sense of ease (17). I would add that the grotesque, then, operates within the field of rhetoric, as a <i>persuasive act</i> which, because it rests upon the intersection of humor and horror, utilizes pathos (appeal to emotion) rather than logos (appeal to logic) or ethos (appeal to authority).<br />
<br />
This is a critical distinction to make, for the grotesque never transgresses merely for shock value, or as Flannery O’Connor argues “This is not the kind of distortion that destroys; it is the kind that reveals, or should reveal” (162). Just what, exactly, this art reveals depends upon the binaries it seeks to playfully challenge, for no distortion can occur without some concept of the ideal. Harpham believes that much of the grotesque is “marked by such an affinity/antagonism, by the co-presence of the normative, fully formed, ‘high’ or ideal, and the abnormal, unformed, degenerate, ‘low’ or material” (9). Citing Leonardo’s “grotesque heads” sketches, he describes them as “Barely but recognizably human, they grade toward some species lower down on the evolutionary or ontological scale, toward a principle of formlessness, primitivism, or bestiality. The result is a compromise, a taboo, a non-thing” (9). These monsters, then, must play by a semblance of rules—they cannot totally be unrecognizable—there must be something familiar about them, an uncanny place of remembrance, in order for the grotesque to work. This is not an arbitrary distinction. As Philip Thomson asserts, “the grotesque world, however strange, is yet our world, real and immediate, which makes the grotesque so powerful” (23). Grotesque monstrum cannot be easily dismissed as the world of fantasy or science fiction—those realms of once upon a time or a time yet to be—where we suspend our disbelief. The grotesque wants us to come with all our beliefs held tightly in our doubled-up fists. The tighter we hold, the more power the grotesque has to play with our boundaries.<br />
<br />
The grotesque body must also resist any kind of narrative closure. Bakhtin states that the carnivalesque body is one that is “always becoming. It is never finished, never completed: it is continually built, created, and builds and creates another body” (317). This wondrous body belongs to “the people”—not to those in power: “The body that figures in all the expressions of the unofficial speech of the people is the body that fecundates and is fecundated, that gives birth and is born, devours and is devoured, drinks, defecates, is sick and dying” (319). It is the vehicle for transgressive laughter, that which frees us from the fear of dogma. In part, this why the grotesque—and all the other tropes and movements for which it can be an umbrella term—deals with representational art as opposed to the abstract or conceptual. It is rooted in this world and life, rooted in what we are familiar with. Otherwise, we cannot experience the categorical confusion that is at the heart of any paradigm shift (Harpham 17).<br />
<br />
While the grotesque has existed since early Western civilization, relatively little scholarly study has been given to it. The few authors cited have worked steadily to gain acknowledgement for the grotesque in the academic world, but it has been mainly the argument of English professors or fiction writers. It was a welcomed sight to see Frances Connelly’s <i>Modern Art and the Grotesque from the University</i> of Cambridge Press (2003) and Robert Storr’s show <i>Disparities and Deformations: Our Grotesque</i> (2004). Also in 2004, Kirsten Anderson’s <i>Pop Surrealism: The Rise of Underground Art</i> showcased the kitschy side of the grotesque—that bricolage of our culture repackaged in bright colors—even as it critiqued the darker aspects of the American Dream.<br />
<br />
The artists gathered for this exhibition bring in more traditional aspects of the grotesque into their work: the carnivalesque, macabre, hybrids and freaks, and monstrum. In the past ten years, we have seen a rise in reality TV, social networking, texting—a mediated, plastic culture that is desperate to be called back into the beauty of the real body, into our animal selves that decay and in turn fertilize new life. <i>Cute and Creepy</i> represents a richer, darker, more joyous examination of the injustices and hypocrisies of a society which boasts of its freedom from the rooftops and out every satellite dish. The playfulness and apprehension of pop surrealism still coexist but with more aggressive intent to make us question what we know to be “true.” It is doubtful whether this kind of art will ever be mainstream—indeed, I wonder if it would then disassemble the very nature of its essence, which is to question every false, culture-constructed boundary we create. It might be that monsters only do their prophetic work if they stay on the edge of our dreams and waking lives, just waiting to shock us into a different kind of reality.<br />
<br />
<b>Works Cited</b><br />
Bakhtin, Mikhail. <i>Rabelais and His World</i>, Cambridge: The MIT Press, 1968.<br />
Cohen, Jeffrey Jerome, ed. <i>Monster Theory: Reading Culture</i>, Minneapolis: University of Minnesota Press, 1996.<br />
Harpham, Geoffrey Galt. <i>On the Grotesque: Strategies of Contradiction in Art and Literature</i>, Princeton: Princeton UP, 1982.<br />
O’Connor, Flannery. <i>Mystery and Manners</i>, New York: Farrar, Straus and Giroux.<br />
Thompson, Philip. <i>The Grotesque</i>, London: Methuen and Co Ltd., 1972.</div>
akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-60704109478212317342017-07-25T10:16:00.002-03:002017-07-26T14:46:54.062-03:00Deformación esperpénticapor Mariano Akerman<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-jfR-wDBfhXE/WXdDf86x0rI/AAAAAAAA0GE/7aIzEBqsrtAGUzepF8BDivb4d3p02o_zQCLcBGAs/s1600/Comiendo_sopa_Goya.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="430" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-jfR-wDBfhXE/WXdDf86x0rI/AAAAAAAA0GE/7aIzEBqsrtAGUzepF8BDivb4d3p02o_zQCLcBGAs/s400/Comiendo_sopa_Goya.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Goya y Lucientes: Vieja comiendo sopa<br />
Detalle de <i>Pintura Negra, </i>1819-25</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>ESPERPENTO</b><br />
<div style="text-align: justify;">1 Persona, cosa o situación notable por su fealdad, ridiculez, desaliño o mala apariencia; sinónimo de desagradable.<br />
2 Cosa mal hecha o mamarracho.<br />
3 Disparate, desatino, grotesco.<br />
4 Deformación que recarga la dimensión grotesca de la realidad. También el género literario teatral desarrollado por Ramón del Valle-Inclán y que se caracteriza por producir una deformación sistemática de la realidad, magnificando sus rasgos grotescos y absurdos; en <i>Luces de Bohemia: Esperpento</i> (1920), Valle-Inclán compara la estética del esperpento con los efectos producidos por espejos cóncavos y convexos de los que resultan imágenes deformadas. <br />
<span style="font-size: xx-small;">Definición a partir de nociones provistas por María Moliner, <i>Diccionario didáctico del español</i>, Madrid, 1993; Justo Fernández-López,"Esperpento", en: <i>Diccionario de lingüística y ciencias afines</i> | <i>Lexikon der Linguistik unter Berücksichtigung der Nachbardisziplinen</i>, Innsbruck 1999; Pons, <i>Wörterbuch für die berufliche Praxis</i>, Stuttgart, Düsseldorf, Leipzig: Ernst Klett Verlag, 2000; <i>DRAE</i>, 22ª edición, 2001.</span> <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-cjaNAu55sBw/WXImKW2aV8I/AAAAAAAA0B8/PQGY9R_wCi8U9ineCZBcLI0YXwE32JtDQCLcBGAs/s1600/esperpento.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="708" data-original-width="762" height="372" src="https://2.bp.blogspot.com/-cjaNAu55sBw/WXImKW2aV8I/AAAAAAAA0B8/PQGY9R_wCi8U9ineCZBcLI0YXwE32JtDQCLcBGAs/s400/esperpento.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Thoughts on My Plate</i><br />
Escultura cerámica por Anna Barlow, Gran Bretaña, 2012</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Esperpento</b> es el nombre del género literario creado por Ramón del Valle-Inclán en el que se deforma sistemáticamente la realidad, recargando sus rasgos grotescos y absurdos (<i>DRAE</i>, 19ª edición, 1970). La deformación grotesca de la realidad era compatible con la intención crítica de Valle, quien sentía desprecio por la sociedad española de principios del siglo XX.<br />
<br />
<iframe width="425" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/WsKXYWqtqE4?rel=0&controls=0&showinfo=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<br />
Como género dramático, el esperpento hace su aparición en 1920 con la obra <i>Luces de Bohemia: Esperpento</i>. Por su parte, la deformación de la realidad tiene en el caso de Valle su fuente de inspiración en dos espejos que se hallaban colocados sobre la fachada de una ferretería madrileña de la calle Álvarez Gato (el «callejón del Gato» de <i>Luces de Bohemia</i>). Tales espejos, uno cóncavo y el otro convexo, deformaban la figura de todo aquel que posase frente a ellos. La imagen deformada bien podía ser divertida, como de hecho lo era para los transeúntes, pero también podía hablar de un espejo social, una crítica, una deformación exagerada de la realidad que podría simbolizar la verdadera imagen de la decadente sociedad madrileña de la época.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://2.bp.blogspot.com/_uxVnjqldHIE/S4dRzTaTjtI/AAAAAAAAIvg/QPpDOD-DwfI/s1600-h/kertesz-5.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5442408616526319314" src="https://2.bp.blogspot.com/_uxVnjqldHIE/S4dRzTaTjtI/AAAAAAAAIvg/QPpDOD-DwfI/s400/kertesz-5.jpg" style="height: 312px; width: 400px;" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">André Kertész, <i>Distorsión</i>, fotografía, 1933</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>TÉRMINOS EMPARENTADOS CON ESPERPENTO</b><br />
<span style="font-size: xx-small;">Definiciones a partir de nociones provistas por el <i>DRAE</i>, 22ª edición, 2001.</span><br />
<br />
ESPERPÉNTICO. Perteneciente o relativo al esperpento. Ejemplo: El que de un huevo perforado por un clavo emane sangre es una imagen surreal y esperpéntica. <br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-Awa0JFC4aJU/WXdPSxuckgI/AAAAAAAA0GY/2f8UF0aaNe4fxOAy9Zu-LccjHgXDc-2QwCLcBGAs/s1600/ESPERP%25C3%2589NTICO.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="929" data-original-width="734" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-Awa0JFC4aJU/WXdPSxuckgI/AAAAAAAA0GY/2f8UF0aaNe4fxOAy9Zu-LccjHgXDc-2QwCLcBGAs/s320/ESPERP%25C3%2589NTICO.jpg" width="252" /></a></div><br />
ESPERPENTIZAR. Convertir cualquier aspecto de la realidad en algo esperpéntico. Ejemplo: Francis Bacon sentía una irresistible inclinación por esperpentizar sistemáticamente los rasgos de sus seres queridos, cosa que se verifica en su pequeño tríptico "Tres estudios para retrato de George Dyer", ejecutado en los años '60. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs6p3MxK4BpIt53H0K8_cFkKsGSf3yiRAAzWlW7mIiD5BfOty4MxPqwZmiU_YTNk78PKd2Yspxcjqczs1MYWEFuYU1PIM-PtKasMMfxsNGMsieSsJJY-8CkVlSki6hNNzzWMCWSaahuIw/s1600/ESPERPENTIZAR.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="353" data-original-width="960" height="146" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs6p3MxK4BpIt53H0K8_cFkKsGSf3yiRAAzWlW7mIiD5BfOty4MxPqwZmiU_YTNk78PKd2Yspxcjqczs1MYWEFuYU1PIM-PtKasMMfxsNGMsieSsJJY-8CkVlSki6hNNzzWMCWSaahuIw/s400/ESPERPENTIZAR.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bacon, <i>Tres estudios para retrato de George Dyer</i>, 1960s</td></tr>
</tbody></table><br />
ESPERPENTISMO. 1 Tendencia a plasmar en la obra artística una visión deformada y grotesca de la realidad. 2 Efecto de esperpentizar. Ejemplo: El esperpentismo de Goya y Lucientes en "Comiendo sopa" y el esperpentismo de Quevedo en “A una nariz”: <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-804FT3gBRfQ/WXMuRQZKr8I/AAAAAAAA0EQ/B9s738o66nYlaJT3gwVjnvliN_eDHz1eACLcBGAs/s1600/viejos_comiendo_sopa.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="515" data-original-width="894" height="230" src="https://3.bp.blogspot.com/-804FT3gBRfQ/WXMuRQZKr8I/AAAAAAAA0EQ/B9s738o66nYlaJT3gwVjnvliN_eDHz1eACLcBGAs/s400/viejos_comiendo_sopa.gif" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Goya, <i>Comiendo sopa</i>, 1819-25</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0VkMcCOB3vbD2PQT9tGHkDN6JKRWAtxdca0XX9GcPpVtlWcLh-kc2WBnVrEaLkQrqQVKMR6bbEJKxGYBnuV3s_Fn49uIBfzxMlQByRGZAiX42dj7daxSQUgvDhRHo-7ZQ82BqZHeLYsQ/s1600/a_una_nariz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="712" data-original-width="949" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0VkMcCOB3vbD2PQT9tGHkDN6JKRWAtxdca0XX9GcPpVtlWcLh-kc2WBnVrEaLkQrqQVKMR6bbEJKxGYBnuV3s_Fn49uIBfzxMlQByRGZAiX42dj7daxSQUgvDhRHo-7ZQ82BqZHeLYsQ/s400/a_una_nariz.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Érase un hombre a una nariz pegado.<br />
Érase una nariz superlativa.<br />
Era Ovidio Nasón más narizado.<br />
Las doce tribus de narices era.</i><br />
Francisco de Quevedo: "A una nariz"</td></tr>
</tbody></table></div><br />
<b>ESPERPENTO COMO GROTESCO TEATRAL</b> <br />
<br />
<div style="text-align: justify;">El grotesco teatral le debe no poco al <i>esperpento</i>, forma dramático-crítica creada por el español Ramón del Valle Inclán y presente en sus obras <i>Luces de bohemia</i> (1920-4), <i>Los cuernos de don Friolera</i> (1921-5) y <i>Martes de carnaval: Esperpentos</i> (1930). <br />
<br />
Declara Max Estrella, protagonista de <i>Luces de Bohemia</i>: "Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada. [...] España es una deformación grotesca de la civilización europea. [...] Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas. [...] La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Mi estética actual es transformar con matemática de espejo cóncavo las normas clásicas" (escena XII). <br />
<br />
<iframe width="425" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/xZtKTowlboM?rel=0&controls=0&showinfo=0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe><br />
<br />
Según Valle Inclán, el esperpento intenta mostrar la realidad en un espejo deformante, para provocar la reflexión del espectador. Su poética esperpéntica implica una distorsión sistemática de la realidad: ella es retratada en términos grotescos, que aluden persistentemente a la decadencia, la miserabilidad y el sinsentido que el autor detecta como rasgos sobresalientes de la Restauración borbónica en España, a la que él mismo declaradamente percibe como una realidad deforme y que a su vez desprecia.<br />
<br />
Entrevistado por Gregorio Martínez Sierra en 1928, Valle-Inclán dice que él mira el mundo desde un plano superior y considera a los personajes de la trama como seres inferiores al autor, con un punto de ironía. "Los dioses se convierten en personajes de sainete. Esta es una manera muy española, manera de demiurgo, que no se cree en modo alguno hecho del mismo barro que sus muñecos". Valle-Inclán nota que el esperpento, tal como lo ve él, tiene sus precedentes artísticos y estéticos en la literatura de Francisco de Quevedo y en la pintura de Francisco de Goya. "Esta consideración es la que me movió a dar un cambio en mi literatura y a escribir los "esperpentos", el género literario que yo bautizo con el nombre de "esperpentos". En el mundo de los "esperpentos" -explica uno de los personajes de <i>Luces de Bohemia</i>- es como si los héroes antiguos se hubiesen deformado en los espejos cóncavos de la calle, con un transporte grotesco, pero rigurosamente geométrico. Y estos seres deformados son los héroes llamados a representar una fábula clásica no deformada. Son enanos y patizambos que juegan una tragedia" (Valle-Inclán en conversación con Martínez Sierra, reproducida en <i>Diario ABC</i>, 7 de diciembre de 1928). <br />
<br />
A través de su obra esperpéntica, Valle-Inclán distorsiona la realidad para presentarnos la imagen real que se oculta tras ella. Para ello recurre a la parodia, humaniza objetos y animales, y animaliza o cosifica los humanos (personajes carentes de humanidad o presentados como marionetas). Tales características, junto a la degradación de los personajes, el abuso del contraste, la mezcla del mundo real y la pesadilla, la deformación sistemática de la realidad (caricaturizada en apariencia, pero de intención satírica y moralista) vinculan al Esperpento con lo Grotesco.<br />
<br />
<b>ARTE Y ESPERPENTO</b><br />
<br />
Partiendo del aporte de Valle-Inclán es posible sostener que <i>imagen deformada de la realidad</i> es aquella que involucra una distorsión que magnifica o aumenta, preferentemente de modo sistemático, la dimensión grotesca de dicha realidad.<br />
<br />
Uno de los interrogantes que plantea la creación esperpéntica es si la misma constituye una imagen deformada de la realidad o si ella es imagen fidedigna de una realidad deforme.[3]<br />
<br />
En el caso del teatro de Valle-Inclán, especialmente en "Luces de Bohemia" (1924), lo representado es deformada imagen de la realidad y ella sistemática y metafóricamente evoca una realidad no evidente pero sí deforme. <br />
<br />
En la pintura de Francis Bacon titulada "Figura yacente en espejo" (1971), por otra parte, percibimos una figura deformada que se refleja en un espejo probablemente ordinario. La imagen deformada bien puede responder a una realidad deforme. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-oXyJpVThmrQ/WXJHdbFV88I/AAAAAAAA0Cc/Ai6u2E-K_NQ2ZLs5_QS0OkoBPAB0GmxrgCLcBGAs/s1600/Lying_figure_in_mirrow.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="789" data-original-width="598" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-oXyJpVThmrQ/WXJHdbFV88I/AAAAAAAA0Cc/Ai6u2E-K_NQ2ZLs5_QS0OkoBPAB0GmxrgCLcBGAs/s400/Lying_figure_in_mirrow.jpg" width="301" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Francis Bacon: <i><a href="http://fb-akermariano.blogspot.com/2017/07/lying-figure.html" target="_blank">Figura yacente en espejo</a></i>, 1971</td></tr>
</tbody></table><br />
El abanico de posibilidades expresivas desplegadas por el esperpento abarca composiciones que pueden remitirnos a una realidad mundial esperpéntica, tal como aquella tan tremenda que Armando Discépolo describe en su tango <i>Cambalache</i> (1934), o bien una realidad barrial esperpéntica, donde descolla la muy histriónica que retratan Alejandro Doria y Jacobo Langsner en la película <i>Esperando la carroza</i> (1985), y hasta incluso la realidad nacional esperpéntica, incurable y amarga, que es invocada por Fabián Bielinsky en otra película titulada <i>Nueve reinas</i> (2000). En <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/07/esperpento.html">todos estos casos</a> lo grotesco va impregnado de un fuerte componente que nos resulta desagradable en tanto que involucra la falta de esperanza y un tipo de viveza aplicada a la impotencia, el abuso o la estafa. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-LKilIb-C_AU/WXdLfLdafkI/AAAAAAAA0GQ/0v9DRB0I0uUbVxYyDgnBNDD-JZ1a68hqQCLcBGAs/s1600/tenemos_que_hablar.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="538" data-original-width="501" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-LKilIb-C_AU/WXdLfLdafkI/AAAAAAAA0GQ/0v9DRB0I0uUbVxYyDgnBNDD-JZ1a68hqQCLcBGAs/s400/tenemos_que_hablar.jpg" width="372" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tute, <i>Tenemos que hablar</i>, Argentina, 2017</td></tr>
</tbody></table><br />
<i>Tenemos que hablar</i> es un caso donde el esperpento coincide con lo grotesco. Ello es expresado en una situación notable por su ridiculez, desaliño y mala apariencia; un caso donde la cosa mal hecha se ha vuelto una enormidad consistente con las desmesuras y excesos de lo grotesco; un disparate de proporciones monumentalmente grotesca; una deformación artística que magnifica jocosamente la dimensión problemática de la realidad de la vida en pareja.<br />
<br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2009/04/el-humor-de-quino.html">Quino</a> acerca de Tute: "Lo digo así, de sopetón: [...] La originalidad de sus ideas, el lenguaje de sus personajes, que va con natural fluidez de lo culto a lo popular según haga falta, su refinado sentido del humor, los atrapantes silencios que sabe crear entre cuadro y cuadro, hacen que, a mi entender, merezca el título de Maestro ya, a su temprana edad (bueno, ya tampoco tan temprana)."<br />
<br />
<b>Véase también</b><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2009/11/arte-grotesco.html">Algunos alcances del arte grotesco</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/07/esperpento.html">Recauchutando el esperpento</a><br />
<a href="http://documenta-akermariano.blogspot.com/2010/02/artistic-deformation.html">André Kertész and Artistic Deformation</a></div>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-65925377874941646882017-07-21T13:05:00.000-03:002017-08-13T01:23:41.783-03:00Recauchutando el Esperpento<br />
Hace algún tiempo, explorando <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2009/11/arte-grotesco.html" target="_blank">algunos de los alcances del arte grotesco</a>, nos referimos a Ramón del Valle-Inclán y su contribución en este campo a través de la introducción del esperpento. En esta nota, retomamos el asunto precisamente para reinvestigarlo y ponerlo al día.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-cjaNAu55sBw/WXImKW2aV8I/AAAAAAAA0B8/PQGY9R_wCi8U9ineCZBcLI0YXwE32JtDQCLcBGAs/s1600/esperpento.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="708" data-original-width="762" height="372" src="https://2.bp.blogspot.com/-cjaNAu55sBw/WXImKW2aV8I/AAAAAAAA0B8/PQGY9R_wCi8U9ineCZBcLI0YXwE32JtDQCLcBGAs/s400/esperpento.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Thoughts on My Plate</i><br />
Escultura cerámica por Anna Barlow<br />
UK, 2012</td></tr>
</tbody></table><br />
El grotesco teatral le debe no poco al esperpento, forma dramático-crítica creada por el español Ramón del Valle Inclán y presente en sus obras <i>Luces de bohemia</i> (1920-4), <i>Los cuernos de don Friolera</i> (1921-5) y <i>Martes de carnaval: Esperpentos</i> (1930). <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-804FT3gBRfQ/WXMuRQZKr8I/AAAAAAAA0EQ/B9s738o66nYlaJT3gwVjnvliN_eDHz1eACLcBGAs/s1600/viejos_comiendo_sopa.gif" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="515" data-original-width="894" height="230" src="https://3.bp.blogspot.com/-804FT3gBRfQ/WXMuRQZKr8I/AAAAAAAA0EQ/B9s738o66nYlaJT3gwVjnvliN_eDHz1eACLcBGAs/s400/viejos_comiendo_sopa.gif" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Goya, <i>Comiendo sopa</i>, 1819-25</td></tr>
</tbody></table><br />
"Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida [...] solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada. [...] Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas. [...] La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Mi estética actual es transformar con matemática de espejo cóncavo las normas clásicas" (Max Estrella, protagonista de Luces de Bohemia, escena XII). Otras ideas de Valle-Inclán: "Las imágenes más bellas son absurdas en un espejo cóncavo" y "El ciego se entera mejor de las cosas del mundo, los ojos son unos ilusionados embusteros" (véase Luces de Bohemia).<br />
<br />
Según Valle Inclán, el esperpento intenta mostrar la realidad en un espejo distorsionante, para provocar la reflexión del espectador. Su poética esperpéntica implica una distorsión sistemática de la realidad. Ella es retratada en términos grotescos, que aluden a la decadencia, la miserabilidad y el sinsentido que el autor detecta como rasgos sobresalientes de la Restauración borbónica en España, a la que él mismo declaradamente percibe como una realidad deforme: "Valle-Inclán se fascinó por los espejos deformantes del callejón del Gato: veía a España" (Eduardo Haro Tecglen, "Esperpento", El País, N° 750, 23 de mayo de 1998).<br />
<br />
Según el DRAE, esperpento es un "hecho grotesco o desatinado," si bien en su sentido específico, el término designa al estilo literario creado por Valle Inclán y que se caracteriza por la deformación grotesca de la realidad puesta al servicio de una implícita crítica de la sociedad española de la época. Dicho estilo teatral fue inspirado por los espejos de un bar madrileño al que Valle Inclán era asiduo. La fachada de dicho bar poseía espejos cóncavos y convexos que deformaban la figura de todo aquel que se encontrara frente a ellos. Así, la deformación exagerada de la realidad podía ser sorprendentemente desconcertante (como lo era para los transeúntes), pero además podía también ser considerada a nivel metafórico como una ejemplificadora manifestación crítico-social (delicia para un escritor rebelde como lo era Valle-Inclán). <br />
<br />
A través de su obra esperpéntica, Valle-Inclán distorsiona la realidad para presentarnos la imagen real que se oculta tras ella. Para ello recurre a la parodia, humaniza objetos y animales, y animaliza o cosifica los humanos (personajes carentes de humanidad o presentados como marionetas). Tales características, junto a la degradación de los personajes, el abuso del contraste, la mezcla del mundo real y la pesadilla, la deformación sistemática de la realidad (caricaturizada en apariencia, pero de intención satírica y moralista) vinculan al Esperpento con lo Grotesco.<br />
<br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-Rsfm-qcoepk/WXJChKfEAwI/AAAAAAAA0CM/JRZCooVQydQtVUjmOpR_T9Wn-7U4MI8awCLcBGAs/s1600/esperpentin.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="164" data-original-width="261" height="251" src="https://3.bp.blogspot.com/-Rsfm-qcoepk/WXJChKfEAwI/AAAAAAAA0CM/JRZCooVQydQtVUjmOpR_T9Wn-7U4MI8awCLcBGAs/s400/esperpentin.jpg" width="400" /></a><br />
<span style="font-size: xx-small;">Esperpento diario: "No sé si sacarlo a pasear o si hacerme con él un sandwich."</span><br />
<br />
<b>Significados del término ESPERPENTO</b><br />
1. Persona fea, ridícula o de mala apariencia: El individuo que la acompañaba era todo un esperpento.<br />
2. Mamarracho. Cosa mal hecha. <br />
3. Desatino, disparate.<br />
4. (Lit) Grotesco. Género literario teatral creado por Ramón María del Valle-Inclán (escritor español de finales del siglo XIX y principios del XX) y que se caracteriza por buscar una deformación sistemática de la realidad, intensificando sus rasgos grotescos. En <i>Luces de Bohemia</i>, Valle-Inclán compara la estética del esperpento con el efecto en la imagen producida por un espejo deformante.[1]<br />
<br />
<b>CAMBALACHE</b><br />
1. Lugar donde se compran y venden prendas de ocasión, generalmente de segunda mano (hispana "prendería").<br />
2. Trueque o intercambio de cosas de poco valor.<br />
3. Acuerdo o intercambio entre dos o más partes alcanzado de modo poco transparente.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-KwvgbjtAPUQ/WXMJPI-JgyI/AAAAAAAA0D8/Ce5srxdh-sAjk-EXmiWblEYPQrEOAcmjwCLcBGAs/s1600/cambalache.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="668" data-original-width="960" height="278" src="https://2.bp.blogspot.com/-KwvgbjtAPUQ/WXMJPI-JgyI/AAAAAAAA0D8/Ce5srxdh-sAjk-EXmiWblEYPQrEOAcmjwCLcBGAs/s400/cambalache.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Y en el mismo lodo, todos manoseaos.</i></td></tr>
</tbody></table><br />
CAMBALACHE. Tango argentino compuesto en 1934 por Enrique Santos Discépolo. Destacada pieza del grotesco criollo: "Igual que en la vidriera irrespetuosa de los cambalaches se ha mezclao la vida, y herida por un sable sin remaches, ves llorar la Biblia junto a un calefón".<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/eKyISWmi5uA?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<span style="font-size: xx-small;"><i>Todo sigue amontonado y mezclado en la vidriera irrespetuosa de la vida</i></span><br />
<br />
Que el mundo fue y será <br />
una porquería, ya lo sé.<br />
En el quinientos seis<br />
y en el dos mil, también.<br />
Que siempre ha habido chorros,<br />
maquiavelos y estafaos,<br />
contentos y amargaos,<br />
barones y dublés.<br />
Pero que el siglo veinte<br />
es un despliegue<br />
de maldá insolente,<br />
ya no hay quien lo niegue.<br />
Vivimos revolcaos en un merengue<br />
y en el mismo lodo<br />
todos manoseaos.<br />
<br />
Hoy resulta que es lo mismo<br />
ser derecho que traidor,<br />
ignorante, sabio o chorro,<br />
generoso o estafador...<br />
¡Todo es igual!<br />
¡Nada es mejor!<br />
Lo mismo un burro<br />
que un gran profesor.<br />
No hay aplazaos ni escalafón,<br />
los ignorantes nos han igualao.<br />
Si uno vive en la impostura<br />
y otro roba en su ambición,<br />
da lo mismo que sea cura,<br />
colchonero, rey de bastos,<br />
caradura o polizón.<br />
<br />
¡Qué falta de respeto,<br />
qué atropello a la razón!<br />
Cualquiera es un señor,<br />
cualquiera es un ladrón...<br />
Mezclao con Stavisky<br />
va Don Bosco y La Mignon,<br />
Don Chicho y Napoleón,<br />
Carnera y San Martín...<br />
Igual que en la vidriera<br />
irrespetuosa<br />
de los cambalaches<br />
se ha mezclao la vida,<br />
y herida por un sable sin remache<br />
ves llorar la Biblia<br />
junto a un calefón.<br />
<br />
Siglo veinte, cambalache<br />
problemático y febril...<br />
El que no llora no mama<br />
y el que no afana es un gil. <br />
¡Dale, nomás...! <br />
¡Dale, que va...! <br />
¡Que allá en el Horno<br />
nos vamo’a encontrar...!<br />
No pienses más; sentate a un lao,<br />
que a nadie importa si naciste honrao...<br />
Es lo mismo el que labura<br />
noche y día como un buey,<br />
que el que vive de las minas,<br />
que el que mata, que el que cura,<br />
o está fuera de la ley.<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/vH6_jzFlkFg?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/T0kTiKCC3UI?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<br />
<b>Histriónico Grotesco Criollo</b> [2]<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/SM7x-5rZt_A?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<span style="font-size: xx-small;"><i>Esperando la carroza</i>, Argentina, 1985<br />
Guión de Alejandro Doria y Jacobo Langsner</span><br />
<br />
<b>Viveza Criolla Siglo XXI</b><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/Awu9WonTVB0?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
Las Nueve Reinas de la Repúbica de Weimar e <i>Il ballo del mattone</i> [it. El baile del ladrillo, twist, 1963]<br />
<br />
<i>Con te, con te, con te che sei la mia passione<br />
Io ballo il ballo del mattone.</i><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/V-QExLrw-RQ?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<br />
Contigo, contigo que eres mi pasión<br />
Yo bailo el baile del ladrillo.[3]<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="239" src="https://www.youtube.com/embed/wfjR-n1evTc?rel=0&controls=0&showinfo=0" width="425"></iframe><br />
<span style="font-size: xx-small;"><i>Nueve reinas</i>, Argentina, 2000<br />
Guión y dirección de Fabián Bielinsky</span><br />
<br />
<b>Recauchutando: El Esperpento Design</b><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-3CkniemC5to/WXL3IIdV5TI/AAAAAAAA0DA/hZ7tR4a1DtMTq6otrplioPE2JCi8UlLcACLcBGAs/s1600/design_chiquitito.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="157" data-original-width="450" height="140" src="https://2.bp.blogspot.com/-3CkniemC5to/WXL3IIdV5TI/AAAAAAAA0DA/hZ7tR4a1DtMTq6otrplioPE2JCi8UlLcACLcBGAs/s400/design_chiquitito.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Chiquitito, pero mío.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-bRuY1pvLD2E/WXL15JuU6TI/AAAAAAAA0C0/QqRlZwUcGd0Y3VKXhI9PSEe8aESrc4QMACLcBGAs/s1600/design_asador.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="473" data-original-width="561" height="337" src="https://1.bp.blogspot.com/-bRuY1pvLD2E/WXL15JuU6TI/AAAAAAAA0C0/QqRlZwUcGd0Y3VKXhI9PSEe8aESrc4QMACLcBGAs/s400/design_asador.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Peráte que ahora damo vuelta lo churrasco y agregamo la moyejas.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-hESCPk6CbSo/WXL6YwjJtoI/AAAAAAAA0DY/gd69SZej9UoiDVZ8VsBWCsYXN2BQoRYOwCLcBGAs/s1600/design_tonsurton.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="275" data-original-width="564" height="195" src="https://4.bp.blogspot.com/-hESCPk6CbSo/WXL6YwjJtoI/AAAAAAAA0DY/gd69SZej9UoiDVZ8VsBWCsYXN2BQoRYOwCLcBGAs/s400/design_tonsurton.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mirá que sos fifí ché: te lo compraste <i>ton sur ton</i>.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-jfuarlwuNJU/WXL65BS40nI/AAAAAAAA0Dg/G7f9C9_2qAMVkM_yYUU36306uOHyBMtEwCLcBGAs/s1600/design_canilla.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="458" data-original-width="640" height="286" src="https://3.bp.blogspot.com/-jfuarlwuNJU/WXL65BS40nI/AAAAAAAA0Dg/G7f9C9_2qAMVkM_yYUU36306uOHyBMtEwCLcBGAs/s400/design_canilla.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Qué te parió. ¡Se me corta la ducha, vieja: cerrá la canilla, querés!</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-8FqflgC59NU/WXL1HMOCjQI/AAAAAAAA0Cs/Cbqsg_Uh7UkW3Cp_5-I-8HDm67esgmRjQCLcBGAs/s1600/design_there_i_fixed_it.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="461" data-original-width="399" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-8FqflgC59NU/WXL1HMOCjQI/AAAAAAAA0Cs/Cbqsg_Uh7UkW3Cp_5-I-8HDm67esgmRjQCLcBGAs/s400/design_there_i_fixed_it.jpg" width="346" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ahora sí vieja: la complicaste, pero te quedó chiche.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-pz63Rc2iKEs/WXL3e2NkI6I/AAAAAAAA0DE/AH92nIuYPokfwsIOhetSz1u5k9lj6bfOwCLcBGAs/s1600/design_confort.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="421" data-original-width="481" height="350" src="https://1.bp.blogspot.com/-pz63Rc2iKEs/WXL3e2NkI6I/AAAAAAAA0DE/AH92nIuYPokfwsIOhetSz1u5k9lj6bfOwCLcBGAs/s400/design_confort.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Vení, ponéte a gusto nomás.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-46psACruTwI/WXL2depSvGI/AAAAAAAA0C4/lc2iUi_RFrADewZlcYmjPBlojek8sgpEQCLcBGAs/s1600/design_adoblellave.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="333" data-original-width="333" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-46psACruTwI/WXL2depSvGI/AAAAAAAA0C4/lc2iUi_RFrADewZlcYmjPBlojek8sgpEQCLcBGAs/s400/design_adoblellave.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Por si por las moscas: ¿O vos no sabés la de afanos que hubo en el barrio la semana pasada?</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-aWVRb8G7G1g/WXL37Rb4kRI/AAAAAAAA0DI/Saaz_qv4Vvw9SIcTEyXgDu_4GYB6SUjZwCLcBGAs/s1600/design_chichaconlimonada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="438" data-original-width="590" height="297" src="https://1.bp.blogspot.com/-aWVRb8G7G1g/WXL37Rb4kRI/AAAAAAAA0DI/Saaz_qv4Vvw9SIcTEyXgDu_4GYB6SUjZwCLcBGAs/s400/design_chichaconlimonada.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Yo te voy a dar "ni chicha ni limonada". Acá tenés bestiún: chicha <i>con</i> limonada.</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-qa41ZpPDETM/WXL5-jEcv-I/AAAAAAAA0DU/gsDpP1dOXUwXhfI9z9RhyU6-xhHPKaOHwCLcBGAs/s1600/design_loatamoconalambre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="434" height="265" src="https://1.bp.blogspot.com/-qa41ZpPDETM/WXL5-jEcv-I/AAAAAAAA0DU/gsDpP1dOXUwXhfI9z9RhyU6-xhHPKaOHwCLcBGAs/s400/design_loatamoconalambre.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">"El país trabaja y avanza..."</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-u6PGHuBcftc/WXL49YsTd3I/AAAAAAAA0DM/Fs6B3eBWcWst9qWs9mFQg8sc20uATEPVgCLcBGAs/s1600/design_porno.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="410" data-original-width="640" height="256" src="https://4.bp.blogspot.com/-u6PGHuBcftc/WXL49YsTd3I/AAAAAAAA0DM/Fs6B3eBWcWst9qWs9mFQg8sc20uATEPVgCLcBGAs/s400/design_porno.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Repetá mi privacidá: el autor focalizando en la <a href="https://youtu.be/Bu5xo2m_b2U">Idea Fija</a></td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Referencias</b><br />
1. Definición a partir de nociones provistas por María Moliner, <i>Diccionario didáctico del español</i>, Madrid, 1993; Justo Fernández-López,"Esperpento", en: <i>Diccionario de lingüística y ciencias afines</i> | <i>Lexikon der Linguistik unter Berücksichtigung der Nachbardisziplinen</i>, Innsbruck 1999; Pons, <i>Wörterbuch für die berufliche Praxis</i>, Stuttgart, Düsseldorf, Leipzig: Ernst Klett Verlag, 2000; <i>DRAE</i>, 22ª edición, 2001.<br />
2. Histriónico. Teatral, exagerado, afectado. <br />
3. Canta Rita Pavone: <i>Non essere geloso se con gli altri ballo il twist, / Non essere furioso se con gli altri ballo il rock: / Con te, con te, con te che sei la mia passione / Io ballo il ballo del mattone</i> (No estés celoso si con los otros bailo el twist / no estés furioso si con los otros bailo el rock / Contigo, contigo, contigo que eres mi pasión / Yo bailo el baile del ladrillo). <br />
<br />
<a href="https://1.bp.blogspot.com/-3s-1wsyUU7s/WXhaMVnsrqI/AAAAAAAA0HE/BKsqSNjq8XI1ciSMumYFLMEni72VooabQCLcBGAs/s1600/Ballo_del_mattone.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="182" data-original-width="473" height="154" src="https://1.bp.blogspot.com/-3s-1wsyUU7s/WXhaMVnsrqI/AAAAAAAA0HE/BKsqSNjq8XI1ciSMumYFLMEni72VooabQCLcBGAs/s400/Ballo_del_mattone.jpg" width="400" /></a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-43188941536622050222017-07-18T09:24:00.001-03:002017-07-20T10:57:27.116-03:00Piccinini: Bio-Grotesco Veintiunesco<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSRxGZr5tn3bykqq0DL-DwJ2la9YbDE2pOm7GVqWTlfOu0xQ_m-QFHjDW3oOysTSVHMU3P5QbDrvrInLRNt1oPkuMq7TbjQBFZuQffA_ndjivzuPxlmLJfT0cxftiP6B6dfjZ_JD3C7zY/s1600/Piccinini.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="564" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSRxGZr5tn3bykqq0DL-DwJ2la9YbDE2pOm7GVqWTlfOu0xQ_m-QFHjDW3oOysTSVHMU3P5QbDrvrInLRNt1oPkuMq7TbjQBFZuQffA_ndjivzuPxlmLJfT0cxftiP6B6dfjZ_JD3C7zY/s400/Piccinini.jpg" width="327" /></a><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">Elucubrar monstruos posiblemente no sea una tarea muy difícil. Pero proveerlos de verosimilitud es otra historia. <br />
<br />
En tiempos del Renacimiento pleno, Alberto Durero afirmó que "quienquiera que desee generar <i>Traumwerk</i> deber mezclarlo todo junto."[1] Por <i>Traumwerk</i> suele entenderse a la figura imaginaria marginal que en principio es desarrollada por el artista como una diversión caprichosa, pero que puede llegar a convertirse en un más o menos inquietante factor de distracción. En el medioevo francés era sinónomo de <i>drôllerie</i> y <i>diablerie</i>, de lo que se deduce que se trata de algo así como una travesura artística que se da a partir de un juego con lo disparatado. Dicho juego le interesó también a Durero, quien <i>mezclándolo todo</i> llegó a diseñar figuras que responden a este principio. Notable entre ellas es su sirena-candelabro, ejecutada en 1513.<br />
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-3xtLamvkMTA/WW4GzZCoVCI/AAAAAAAAz-8/GVD7SBvECBc3-y4i2PJN0J3d4gbpDrIPwCLcBGAs/s1600/1513_durer_mermaid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="640" height="313" src="https://1.bp.blogspot.com/-3xtLamvkMTA/WW4GzZCoVCI/AAAAAAAAz-8/GVD7SBvECBc3-y4i2PJN0J3d4gbpDrIPwCLcBGAs/s400/1513_durer_mermaid.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Durero, <i>Sirena graciosa</i> (Leuchterweibchen), 1513</td></tr>
</tbody></table><br />
Quinientos años más tarde, el arte del <i>Traumwerk</i> corrobora las nociones de Durero y sigue aún vigente. Esto es verificable en las obras de Patricia Piccinini, artista australiana que produce monstruos sumamente convincentes. Ella es una experta tanto en el hiperrealismo orgánico de alto voltaje como en ciertas sofisticadas e impresionantes grotesquidades veintiunescas.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG_KPE__BICffpDhPxRX3SaecxE71K26Y5_LuKnvONQEYRzeOYi8FJFdzcoHp-13sndmWWdJ8hhSBj5auafKeguubYnWHYU6nVotr2WbDavfwHspeGxCkPK-op_i0ED2QV1HWd69ALiek/s1600/2002_Piccinini.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="502" data-original-width="893" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG_KPE__BICffpDhPxRX3SaecxE71K26Y5_LuKnvONQEYRzeOYi8FJFdzcoHp-13sndmWWdJ8hhSBj5auafKeguubYnWHYU6nVotr2WbDavfwHspeGxCkPK-op_i0ED2QV1HWd69ALiek/s400/2002_Piccinini.jpg" width="400" /></a></div><br />
Al ser entrevistada, Piccinini alguna vez declaró que buena parte de los engendros de los que se ocupa tiene su fuente de inspiración en sus propios sueños. A ello, uno bien podría a su vez agregarle las pesadillas de la escultora, entre las que se destaca cierta entidad cárnica de la que parece emanar algo semejante al dulce de leche en tanto que todo esto es expuesto sobre un pequeño refrigerador ya a partir de 2013.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-pZAq_RTnobo/WW4MmNocbBI/AAAAAAAAz_U/cfXgRnQgyoAkbNVm29q4GYwquDifG1TQgCLcBGAs/s1600/Piccinini_on_the_fridge.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="416" height="400" src="https://3.bp.blogspot.com/-pZAq_RTnobo/WW4MmNocbBI/AAAAAAAAz_U/cfXgRnQgyoAkbNVm29q4GYwquDifG1TQgCLcBGAs/s400/Piccinini_on_the_fridge.jpg" width="289" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">On the fridge</td></tr>
</tbody></table><br />
Innegable es el interés de Piccinini por la organicidad híbrida, cuya presencia es palpable en muchos de sus trabajos. A veces, los bichos de Piccinini parecen haberse escapado de algún laboratorio donde pudieron haber tenido lugar extrañas manipulaciones genéticas.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSNQXV9xs1MBVenl6JgKF98yTnbKHJfddrBgQfS6AOZhS1BWTGuc_QvvGYdCuNDU3PNjqp9j8HJBWr1o1CW-lET7tTwuSzm5TjZi6kmiwDfXJlOZt6-AjjWLB7i1JIlOsA8QhZ7NYFrPI/s1600/2009_piccinini_The_Bottom_Feeder.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="395" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSNQXV9xs1MBVenl6JgKF98yTnbKHJfddrBgQfS6AOZhS1BWTGuc_QvvGYdCuNDU3PNjqp9j8HJBWr1o1CW-lET7tTwuSzm5TjZi6kmiwDfXJlOZt6-AjjWLB7i1JIlOsA8QhZ7NYFrPI/s400/2009_piccinini_The_Bottom_Feeder.jpg" width="274" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini,<i> The Bottom Feeder</i>, 2009</td></tr>
</tbody></table><br />
Proveniente acaso del linaje de los grotescos descriptos por Lomazzo,[2] la criatura encima ilustrada es una quimera que involucra la mezcla de especies que la naturaleza mantiene bien separadas. A través de ella, Piccinini transgrede deliberadamente el orden natural. Con todo, es casi imposible establecer si este caso es el resultado de una manipulación génetica o bien el desconcertante fruto de un caso de bestialismo serial. Sea como fuere, el engendro en cuestión sugiere persistentemente alguna práctica monstruosa aún indeterminada. La estructura general del bicho nos remite a las bestias, en tanto que la apariencia de su piel, blanca y pecosa, insinúa una definitiva intromisión de lo humano. Indicios análogos reaparecen en la carnosa y peluda <i>Metaflora,</i> trabajada por Picccinini en 2015.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-m4FydZxiL6s/WW4qQPZMxdI/AAAAAAAAz_0/I-mm8tiv5sg1hlWBkLsxu5h5P0R4FURsACLcBGAs/s1600/2015_Piccinini_Metaflora.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="845" data-original-width="564" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-m4FydZxiL6s/WW4qQPZMxdI/AAAAAAAAz_0/I-mm8tiv5sg1hlWBkLsxu5h5P0R4FURsACLcBGAs/s400/2015_Piccinini_Metaflora.jpg" width="267" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini, <i>Metaflora</i>, 2015</td></tr>
</tbody></table><br />
Existe en no pocos trabajos de Piccinini un muy cuidadoso estudio y preparación del engendro a ser exhibido. La técnica de la obra es por lo general impecable y su efecto es a su vez perturbador. Tan fuerte es el impacto que produce que hasta suele casi involucrar a lo abyecto. Piccinini cultiva una poética de lo controvertido y lo hace hasta provocar gran curiosidad y revulsión estomacal. Digna heredera de lo postulado por Victor Hugo en su <i>Préface de Cromwell</i>, la musa veintiunesca celebra el encuentro de los factores antitéticos precisamente en la obra de Piccinini.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTYvUYs9mfOBLu7c564yBi-seuHN1mvj-07Ok2ldaa9pA5WoRRvGwyOAGGqsYZPlQaCZsLVWP99KC7MjyS6iicZ291x8R_C10_1vd9kjU6g2cvX3Xc9iUaMayz0MZdjL_PKP6yzOKVmEQ/s1600/piccinini_the_carrier.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="642" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTYvUYs9mfOBLu7c564yBi-seuHN1mvj-07Ok2ldaa9pA5WoRRvGwyOAGGqsYZPlQaCZsLVWP99KC7MjyS6iicZ291x8R_C10_1vd9kjU6g2cvX3Xc9iUaMayz0MZdjL_PKP6yzOKVmEQ/s400/piccinini_the_carrier.jpg" width="268" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini, <i>The Carrier</i></td></tr>
</tbody></table><br />
Es en dicho grotesco veintiunesco donde cierta perversidad selectiva por parte de la artista tiende a desdibujar la muy ténue frontera que separa al feismo de lo grotesco.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZzyW532sTdD6GIhn6CVUhLAk4NS2DliLxC-AOMbLUMB9nDG9WN7pfC4a3McZxj5cuRQpyWv_tTxgU41xObLI5SMogG0dkgFNiehGHNewVzuFwhu3WQpFgcyb4BTP4eo6-YNN8VK_M2Vo/s1600/piccinini_the_carrier_det.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="406" data-original-width="610" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZzyW532sTdD6GIhn6CVUhLAk4NS2DliLxC-AOMbLUMB9nDG9WN7pfC4a3McZxj5cuRQpyWv_tTxgU41xObLI5SMogG0dkgFNiehGHNewVzuFwhu3WQpFgcyb4BTP4eo6-YNN8VK_M2Vo/s400/piccinini_the_carrier_det.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">De carne y espina</td></tr>
</tbody></table><br />
Como amante infiel que es, lo grotesco más de una vez ha osado desafiar su propia posición en la escala de los valores estéticos y de buena gana se fue a fornicar tanto con lo sublime como con lo abyecto.[3] En efecto, por definición, lo grotesco puede ser muchísimas cosas, pero no puro o unívoco. <br />
<br />
El feísmo ya de por sí coquetea insistentemente con la obra de Piccinini. Sin embargo, y con todo lo desagradable eimpresionante que ella pueda resultar,[4] la producción artística de Piccinini es más sofisticada, sutil y erudita que, digamos, aquellas de colegas suyos tales como Cao Hui o bien Jonathan Payne, cuya imaginería apunta específicamente a lo abyecto.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-jYbaTTTP3hw/WW43c4mKC7I/AAAAAAAA0AY/AtmKjLgNFv0Ar-JynUChXxQ-ZoVEvkGjwCLcBGAs/s1600/Cao_Hui_Wounded_Sofa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="710" data-original-width="564" height="400" src="https://2.bp.blogspot.com/-jYbaTTTP3hw/WW43c4mKC7I/AAAAAAAA0AY/AtmKjLgNFv0Ar-JynUChXxQ-ZoVEvkGjwCLcBGAs/s400/Cao_Hui_Wounded_Sofa.jpg" width="318" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cao Hui, <i>Sofa,</i> 2014</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-DjKVY1bfFwk/WW4013huqUI/AAAAAAAA0AU/qDZGtCUd2OsUtj8CeVeIpS6I38iwUWv8ACLcBGAs/s1600/Jonathan_Payne_Fleshlettes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="543" data-original-width="564" height="385" src="https://1.bp.blogspot.com/-DjKVY1bfFwk/WW4013huqUI/AAAAAAAA0AU/qDZGtCUd2OsUtj8CeVeIpS6I38iwUWv8ACLcBGAs/s400/Jonathan_Payne_Fleshlettes.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jonahan Payne, <a href="http://www.paynesculptures.com/fleshlettes.html"><i>Fleshlettes</i></a>, 2015</td></tr>
</tbody></table><br />
Piccinini sorprendió al público con su <i>La joven familia</i> ya en 2002. La obra comprende de un grupo de criaturas híbridas, una vez más de naturaleza incierta. Postrada, la mayor de ellas es hembra, cumple la función maternal y amamanta a dos sus crías.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-3wCkCsbZ7Ac/WW5Cp6fKVUI/AAAAAAAA0Ao/6vSJseXqWYYSoZK_Cl7T5zPnw9Ov1BrAACLcBGAs/s1600/2002_Piccinini_The_Young_Family.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="421" data-original-width="960" height="175" src="https://3.bp.blogspot.com/-3wCkCsbZ7Ac/WW5Cp6fKVUI/AAAAAAAA0Ao/6vSJseXqWYYSoZK_Cl7T5zPnw9Ov1BrAACLcBGAs/s400/2002_Piccinini_The_Young_Family.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini, <i>The Young Family</i>, 2002</td></tr>
</tbody></table><br />
Se trata aparentemente de una cruza de bestia canina y ser humano. La precisión de Piccinini es extraordinaria. Sus detalles, texturas y matices son técnicamente insuperables. Testimonian un profundo conocimiento de la biología, así como también de la ingeniería genética.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg92iI_7uVi-W4LU3CigsMDjB-grOHIRrM_5drh8tmwGplc3crqfur-DObcGEbxjOTOehujJe3qTwTSKwP7vtPPnj_hzzMcefU1xoerUrUROMTijdCDT9F9ncOkHsRwTL_A2_qt9XfdLww/s1600/2002_Piccinini_The_Young_Family_d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="900" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg92iI_7uVi-W4LU3CigsMDjB-grOHIRrM_5drh8tmwGplc3crqfur-DObcGEbxjOTOehujJe3qTwTSKwP7vtPPnj_hzzMcefU1xoerUrUROMTijdCDT9F9ncOkHsRwTL_A2_qt9XfdLww/s400/2002_Piccinini_The_Young_Family_d.jpg" width="375" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El que no llora, no mama.</td></tr>
</tbody></table><br />
Visualmente muy convincentes, los engendros de Piccinini parecen comunicar la gran incertidumbre de nuestro mundo veintiunesco. En tales entidades orgánicas, los límites entre lo natural y aquello que no lo es se vuelven permeables. Los híbridos expuestos sugieren considerable anormalidad, logrando ellos atrapar al espectador por sorpresa e incluso desorientarlo.<br />
<br />
Pero eso no es todo. Significativo en la producción de Piccinini es su original juego con lo grotesco. Y, en este sentido, reveladora es la presencia de unos infantes escultóricos que a veces ella incorpora en su obra. Así, un pequeño es esencial para darle sentido a <i>La incredulidad de Tomás</i>, una inquietante pieza de 2008, que incorpora en su título una insinuación grotesca de corte lúdico-blasfemo. <br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-cyGg6oGs9cU/WW5LK4kypUI/AAAAAAAA0A8/x0zD1f03YPEKQN5Xw8H6hJe_SFZsRbCzACLcBGAs/s1600/2008_piccinini_doutbing_thomas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="572" data-original-width="564" height="400" src="https://4.bp.blogspot.com/-cyGg6oGs9cU/WW5LK4kypUI/AAAAAAAA0A8/x0zD1f03YPEKQN5Xw8H6hJe_SFZsRbCzACLcBGAs/s400/2008_piccinini_doutbing_thomas.jpg" width="394" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini, <i>Doubting Thomas</i>, 2008</td></tr>
</tbody></table><br />
Una muy grotesca curiosidad empírica caracteriza a <i>La incredulidad de Tomás</i>, quien coloca su mano prácticamente dentro de las fauces de un bestial híbrido y sorprendentemente lo hace sin ningún temor.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-OOz-5fQxN6w/WW5NLIuQGRI/AAAAAAAA0BA/A7_0p9e2BtUmUwXSLzXiukuNosj07dJBgCLcBGAs/s1600/2008_piccinini_doutbing_thomas_det.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="536" data-original-width="800" height="268" src="https://4.bp.blogspot.com/-OOz-5fQxN6w/WW5NLIuQGRI/AAAAAAAA0BA/A7_0p9e2BtUmUwXSLzXiukuNosj07dJBgCLcBGAs/s400/2008_piccinini_doutbing_thomas_det.jpg" width="400" /></a></div><br />
Es en particular con este tipo de estructura visual paradójica que Piccinini se incorpora a las filas del grotesco veintiunesco. <br />
<br />
De un modo completamente inesperado y especialmente conectado con el asunto tecno-híbrido veintiunesco,[5] resulta ser que, en la obra de Piccinini, "ejemplar" es la actitud de los niños, quienes demuestran poseer una apertura sin precedentes para con "lo Otro": no sólo se encuentran con Ello, sino que además <i>la pasan bien</i> en su compañía.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-ustAtNsH2nU/WW5PTLr0sPI/AAAAAAAA0BE/6_NrgBImY-wqY1U8ZOu6XuhwsIxPCWe7QCLcBGAs/s1600/piccinini_encuentro.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="403" data-original-width="610" height="264" src="https://1.bp.blogspot.com/-ustAtNsH2nU/WW5PTLr0sPI/AAAAAAAA0BE/6_NrgBImY-wqY1U8ZOu6XuhwsIxPCWe7QCLcBGAs/s400/piccinini_encuentro.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>The Welcome Guest</i>, 2011</td></tr>
</tbody></table><br />
Sumamente conmovedor es el cariño que expresan los infantes al entablar amistad con las criaturas concebidas por Piccinini, que eventualmente llegan incluso a suplantar al célebre osito de peluche, tal como sucede en <i>Indiviso, </i>obra exhibida en su muestra <i>Ténme cerca de tu corazón</i>.[6]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-wxsNfygw1CE/WW5R8YvF8JI/AAAAAAAA0BI/TtGrzAoZBNgaRGtV4c4B1MgrVlDdY4rpgCLcBGAs/s1600/Piccinini_Hold_Me_Close_to_Your_Heart.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="650" data-original-width="527" height="400" src="https://1.bp.blogspot.com/-wxsNfygw1CE/WW5R8YvF8JI/AAAAAAAA0BI/TtGrzAoZBNgaRGtV4c4B1MgrVlDdY4rpgCLcBGAs/s400/Piccinini_Hold_Me_Close_to_Your_Heart.jpg" width="324" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini, <i>Undivided</i>, 2004</td></tr>
</tbody></table><br />
Es entonces gracias a esos "pequeños polimorfos" que Piccinini cumple todos los requisitos exigidos por lo grotesco y hasta los supera, ya que comprende incluso la ternura. Prueba irrefutable de ello es el imberbe que se quedó dormido abrazado junto a una anciana sirena en <i>Lo largamente esperado</i>.[7]<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixQFZs1lXneEuDnHd1iSzVElW8NY_zzC_s9W0pBOEizd46AmBIu24H17QfgR1LjxbNos9WIb3whfXcuizdz0bIKhHSD7S9LLzO86QxDt9bi94iUuiqGeBuOGKKJgUzWH_EAd6Cw56iFtw/s1600/2008_Piccinini_The+Long+Awaited_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="564" height="277" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixQFZs1lXneEuDnHd1iSzVElW8NY_zzC_s9W0pBOEizd46AmBIu24H17QfgR1LjxbNos9WIb3whfXcuizdz0bIKhHSD7S9LLzO86QxDt9bi94iUuiqGeBuOGKKJgUzWH_EAd6Cw56iFtw/s400/2008_Piccinini_The+Long+Awaited_1.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Piccinini, <i>The Long Awaited</i>, 2008</td></tr>
</tbody></table><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-A7Uaodn6VtI/WW5U_FzyjLI/AAAAAAAA0BU/m1-7va7iRyEbzv4x5_XcQoffc5d06H85gCLcBGAs/s1600/2008_Piccinini_The%2BLong%2BAwaited_3.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="367" data-original-width="550" height="267" src="https://2.bp.blogspot.com/-A7Uaodn6VtI/WW5U_FzyjLI/AAAAAAAA0BU/m1-7va7iRyEbzv4x5_XcQoffc5d06H85gCLcBGAs/s400/2008_Piccinini_The%2BLong%2BAwaited_3.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9z5rRg4XZ28Eek8mBab3jbuZWvNOpWN0nWe9pFYf1eboIByhXw8ofZeLpDs8vjbbfW7fFWcR9uAf4ZucuLeLaiHEYo_yPE1IvYGyN_L64OhQZ2en53mLJ_NwAeu9Cb28Lz9j_xpRIZks/s1600/2008_Piccinini_The+Long+Awaited_2.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="367" data-original-width="550" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9z5rRg4XZ28Eek8mBab3jbuZWvNOpWN0nWe9pFYf1eboIByhXw8ofZeLpDs8vjbbfW7fFWcR9uAf4ZucuLeLaiHEYo_yPE1IvYGyN_L64OhQZ2en53mLJ_NwAeu9Cb28Lz9j_xpRIZks/s400/2008_Piccinini_The+Long+Awaited_2.jpg" width="400" /></a></div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5LzKGKourVrSIXjoJDZQHREcvsPGIWB283zyl81o8osQSEhUKENGC8BooEEAHXmiRuCRUz14zV1WMNKg7jVXPXHwdd9y6RBPDmsHzdgg_z0_W1yyDflWklSHHoRgiYJVd8KsGRIwQFKw/s1600/2008_Piccinini_The+Long+Awaited_4.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="327" data-original-width="450" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5LzKGKourVrSIXjoJDZQHREcvsPGIWB283zyl81o8osQSEhUKENGC8BooEEAHXmiRuCRUz14zV1WMNKg7jVXPXHwdd9y6RBPDmsHzdgg_z0_W1yyDflWklSHHoRgiYJVd8KsGRIwQFKw/s400/2008_Piccinini_The+Long+Awaited_4.jpg" width="400" /></a></div><br />
Este último trabajo podría trascender lo grotesco: es algo así como una premonitoria lección de vida y, junto a <i>El sabor de las lágrimas</i> de Magritte (1948), es uno de los rarísimos ejemplos representativos de la muy poco populada subcategoría de lo grotesco-sublime.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-LVqK7u66Ly8/WW5YVeuwGWI/AAAAAAAA0Bg/iTiCYu9MSDINyCuXbL67e8lgKCERKwG7QCLcBGAs/s1600/1948_Magritte_La_saveur_des_larmes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="814" height="400" src="https://4.bp.blogspot.com/-LVqK7u66Ly8/WW5YVeuwGWI/AAAAAAAA0Bg/iTiCYu9MSDINyCuXbL67e8lgKCERKwG7QCLcBGAs/s400/1948_Magritte_La_saveur_des_larmes.jpg" width="339" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Magritte, <i>La saveur des larmes</i>, 1947</td></tr>
</tbody></table><br />
En los casos mencionados, lo grotesco termina por sugerir lo humano y se vuelve entonces conmovedor.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSRxGZr5tn3bykqq0DL-DwJ2la9YbDE2pOm7GVqWTlfOu0xQ_m-QFHjDW3oOysTSVHMU3P5QbDrvrInLRNt1oPkuMq7TbjQBFZuQffA_ndjivzuPxlmLJfT0cxftiP6B6dfjZ_JD3C7zY/s1600/Piccinini.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="689" data-original-width="564" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSRxGZr5tn3bykqq0DL-DwJ2la9YbDE2pOm7GVqWTlfOu0xQ_m-QFHjDW3oOysTSVHMU3P5QbDrvrInLRNt1oPkuMq7TbjQBFZuQffA_ndjivzuPxlmLJfT0cxftiP6B6dfjZ_JD3C7zY/s400/Piccinini.jpg" width="327" /></a></div><br />
En <i>Lo largamente esperado</i>, el afecto de los seres dormidos que sueñan es consonante con una gran enseñanza de Goya: "El sueño de la razón produce monstruos; la fantasía abandonada de la razón produce monstruos imposibles: [mas] unida a ella es madre de las artes y origen de sus maravillas" (<i>Capricho</i> 43).<br />
<br />
Mariano Akerman<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWH-4-TT0kt9JLhmZq05aQb0EXE002_Oh9l5OcYTgYMh-YINJQlnmHmWySpj5jXNt7FmJmDq7tx7Q8wa81qrQXsyHXbLBMl3NExGdGSK0Dm004jd8awV2HbF5OYMp9zN6QHrsFlP0m_24/s1600/2008_Piccinini_The_Long_Awaited_5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="602" data-original-width="960" height="251" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWH-4-TT0kt9JLhmZq05aQb0EXE002_Oh9l5OcYTgYMh-YINJQlnmHmWySpj5jXNt7FmJmDq7tx7Q8wa81qrQXsyHXbLBMl3NExGdGSK0Dm004jd8awV2HbF5OYMp9zN6QHrsFlP0m_24/s400/2008_Piccinini_The_Long_Awaited_5.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Grotesco-Sublime</td></tr>
</tbody></table><br />
<b>Notas</b><br />
1. "Whoever wants to do dreamwork must mix all things together" (Ernst H. Gombrich, <i>The Sense of Order</i>, capítulo "The Edge of Chaos").<br />
2. El epígrafe de Paolo Lomazzo en "Los orígenes de lo grotesco" explica que "los grotescos se veían como si hubiesen emergido del gran Caos [primigéneo, pero] puesto patas para arriba, en varios sentidos."<br />
3. Útiles al respecto son los escritos de Shung-Liang Chao y Julia Kristeva.<br />
4. Tácitamente, la condición artística de Piccinini puede envocar aquella propia de Jean-Paul Sartre en su pieza teatral <i>Las manos sucias</i>, acabada en 1948: "Yo tengo las manos sucias. Hasta los codos. Las hundí en la mierda y en la sangre." En su versión original, <i>Les mains sales</i>: «Moi j'ai les mains sales. Jusqu'aux coudes. Je les ai plongées dans la merde et dans le sang».<br />
5. Oportunamente Jacqueline Millner sugirió que “Unlike Dr. Frankenstein who grew to hate his creation and suffered the consequences, Piccinini would urge us to bring an attitude of love to the products of technology…The love she appears to propose is not of the romantic, infatuated ilk–classic technophilia–but of the familial variety, with its overtones of responsibility, ethical guidance and life-long commitment” (Donna Haraway, "Speculative Fabulations for Technoculture’s Generations: Taking Care of Unexpected Country", en: <i>The Multispecies Salon</i>, ed. Eben Kirksey, Durham: Duke University Press, pp. 242-261; Millner es citada en p. 249; <a href="http://www.multispecies-salon.org/piccinini/">Multispices Salon II</a>).<br />
6. Estambul, Arter Space for Art, Hold Me Close to Your Heart, junio-agosto 2011. Texto referente a la muestra: The exhibition "Hold Me Close to Your Heart" proposes an experience, a journey to another world: one that is simultaneously unfamiliar and strangely similar to ours. Patricia Piccinini looks at what it means to be human in a world of genetic engineering and biotechnology, as well as how these technologies change the relationship between people and nature. She invites the viewer into her strange and wonderful world, populated by hybrid animals and living machines. The world she creates exists somewhere between the one we know and one that is almost upon us. However, what she imagines is neither the nightmare of a future environmental ruin nor the brave new world of perfect scientific progress. Instead she focuses on the internal, emotional lives of the new creatures that might emerge, along with questions about the kinds of relationships that might come to light alongside them. Her creatures, while strange and unsettling, are not threatening. Instead, it is their vulnerability that often comes to the fore. They plead with us to look beyond their unfamiliarity, and ask us to accept them. It is surprising how quickly we grow used to them and in this way she reminds us that this sort of thing is not as far in the future as we might think. We are surrounded by hidden genetic engineering and biotechnology in our food and our animals already. Piccinini’s world is one of questions rather than answers. She does not tell us what to think about genetic engineering, but instead asks us how we might feel when confronted by possibilities."<br />
7.<i> Lo tan esperado</i> es también traducción apta par el título de este trabajo.<br />
<br />
<b>Terminología</b><br />
Especies para-humanas<br />
Ingeniería genética<br />
Biomedical<br />
Biotecnología<br />
Bioética<br />
<br />
Un <i>parahuman</i> o para-humano es un híbrido humano-bestial. Los científicos vienen desde hace tiempo realizando investigaciones sobre la combinación de genes provenientes de diferentes especies. De sus experimentos podrían resultar seres vivos híbridos que presentan características tanto humanas como zoológicas o incluso botánicas.</div><br />
<b>A visitar</b><br />
<a href="http://www.patriciapiccinini.net/">Sitio oficial de Patricia Piccinini</a><br />
<a href="http://www.artgallery.wa.gov.au/education/documents/TMAG-Piccinini-EVOLUTION-interpretive-resource.pdf">Evolution: Detached</a><br />
<a href="http://www.australiacouncil.gov.au/workspace/uploads/files/patriciapiccinini_artist-profi-55f65a700a4f7.pdf">Australia Council for the Arts</a><br />
<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Patricia_Piccinini">Wikipedia</a><br />
<a href="https://www.nytimes.com/2016/03/31/arts/international/the-bizarre-silicone-world-of-patricia-piccinini.html">New York Times</a><br />
<a href="http://weirdfictionreview.com/2012/09/patricia-piccininis-mythic-imagination/">Mythic Imagination</a><br />
<a href="http://hplusmagazine.com/2013/10/11/arts-the-parahuman-sculpture-of-patricia-piccinini-posthumanity-and-what-it-really-means-to-be-human/">Parahuman</a><br />
<a href="http://www.homines.com/arte_xx/patricia_piccinini/index.htm">Tiernas Criaturas</a><br />
<a href="https://pursuit.unimelb.edu.au/articles/beautiful-and-unsettling-the-world-of-artist-patricia-piccinini" target="_blank">Beautiful and Unsettling</a><br />
<a href="http://www.abc.net.au/radionational/programs/booksandarts/artist-patricia-piccinini-honoured/5650036" target="_blank">ABC</a><br />
<a href="http://www.20minutos.es/noticia/1665676/0/patricia-piccinini/esculturas-hiperrealistas/exposicion/">20 Minutos</a><br />
<a href="http://www.artium.org/es/explora/exposiciones/item/55721-(tiernas)-criaturas.-patricia-piccinini">Artium</a><br />
<a href="http://eldadodelarte.blogspot.com/2009/07/patricia-piccinini.html">Dado del arte</a><br />
<a href="https://libreriadeterror.blogspot.com/2013/01/patricia-picinini-arte-extrano-familia.html">Cuentos de terror</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-62181114896565128062017-07-02T05:53:00.002-03:002017-07-27T17:04:08.255-03:00Books: Grotesqueness à gogo<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMEiAZkIZWWHKzH6KL3nymiP29EK4incwWpLkDl422UnGdAKOkicHYzZXfNlR5eJu5McRDEzB_1jdVza6ddQZsFogTmn3U0BEDq9HZZ-O9___TLDvGHdJbi6Myuj6fERbj3ekhn0LByj4/s1600/01+Rosenkranz.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="756" data-original-width="960" height="504" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMEiAZkIZWWHKzH6KL3nymiP29EK4incwWpLkDl422UnGdAKOkicHYzZXfNlR5eJu5McRDEzB_1jdVza6ddQZsFogTmn3U0BEDq9HZZ-O9___TLDvGHdJbi6Myuj6fERbj3ekhn0LByj4/s640/01+Rosenkranz.jpg" width="640" /></a><br />
<div style="text-align: justify;">Karl Rosenkranz, <i>Aesthetics of Ugliness</i> (1853), ed. Jason E. Hill and Vanessa R. Schwartz, London and New York: Bloomsbury Academic, 2015. In this key text in the history of art and aesthetics, Karl Rosenkranz shows ugliness to be the negation of beauty without being reducible to evil, materiality, or other negative terms used it's conventional condemnation. This insistence on the specificity of ugliness, and on its dynamic status as a process afflicting aesthetic canons, reflects Rosenkranz's interest in the metropolis - like Walter Benjamin, he wrote on Paris and Berlin - and his voracious collecting of caricature and popular prints. Rosenkranz, living and teaching, like Kant, in remote Königsberg, reflects on phenomena of modern urban life from a distance that results in critical illumination. The struggle with modernization and idealist aesthetics makes Aesthetics of Ugliness, published four years before Baudelaire's Fleurs du Mal, hugely relevant to modernist experiment as well as to the twenty-first century theoretical revival of beauty.<br />
Translated into English for the first time, Aesthetics of Ugliness is an indispensable work for scholars and students of modern aesthetics and modernist art, literary studies and cultural theory, which fundamentally reworks conceptual understandings of what it means for a thing to be ugly.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-S5SzoApoZBc/WVi0-kexPRI/AAAAAAAAz4c/j38gFcDXXXAegHPKN_11AGjmrIxYOjo-gCLcBGAs/s1600/02%2BWright.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="635" data-original-width="960" height="132" src="https://3.bp.blogspot.com/-S5SzoApoZBc/WVi0-kexPRI/AAAAAAAAz4c/j38gFcDXXXAegHPKN_11AGjmrIxYOjo-gCLcBGAs/s200/02%2BWright.jpg" width="200" /></a></div>Thomas Wright, <i><a href="https://books.google.co.il/books?id=Pos741KQFtcC&printsec=frontcover&dq=subject:%22Grotesque+in+art%22&hl=es-419&sa=X&ved=0ahUKEwiTj9m2tOvUAhVJEJoKHXHGAVE4FBDoAQg4MAM#v=onepage&q&f=true" target="_blank">A History of Caricature and Grotesque in Literature and Art</a></i>, London: Chatto & Windus, 1875. The Illustrations Drawn and Engraved by F. W. Fairholt. I have felt some difficulty in selecting a title for the contents of the following pages, in which it was, in fact, my design to give, as far as may be done within such moderate limits, and in as popular a manner as such information can easily be imparted, a general view of the History of Comic Literature and Art. Yet the word comic seems to me hardly to express all the parts of the subject which I have sought to bring together in my book. Moreover, the field of this history is very large, and, though I have only taken as my theme one part of it, it was necessary to circumscribe even that, in some degree; and my plan, therefore, is to follow it chiefly through those branches which have contributed most towards the formation of modern comic and satiric literature and art in our own island. Thus, as the comic literature of the middle ages to a very great extent, and comic art in a considerable degree also, were founded upon, or rather arose out of, those of the Romans which had preceded them, it seemed desirable to give a comprehensive history of this branch of literature and art as it was cultivated among the peoples of antiquity. Literature and art in the middle ages presented a certain unity of general character, arising, probably, from the uniformity of the influence of the Roman element of society, modified only by its lower degree of intensity at a greater distance from the centre, and by secondary causes attendant upon it. To understand the literature of any one country in Western Europe, especially during what we may term the feudal period--and the remark applies to art equally--it is necessary to make ourselves acquainted with the whole history of literature in Western Europe during that time. The peculiarities in different countries naturally became more marked in the progress of society, and more strongly individualised; but it was not till towards the close of the feudal period that the literature of each of these different countries was becoming more entirely its own. At that period the plan I have formed restricts itself, according to the view stated above. Thus, the satirical literature of the Reformation and pictorial caricature had their cradle in Germany, and, in the earlier half of the sixteenth century, carried their influence largely into France and England; but from that time any influence of German literature on these two countries ceases. Modern satirical literature has its models in France during the sixteenth century, and the direct influence of this literature in France upon English literature continued during that and the succeeding century, but no further. Political caricature rose to importance in France in the sixteenth century, and was transplanted to Holland in the seventeenth century, and until the beginning of the eighteenth century England owed its caricature, indirectly or directly, to the French and the Dutch; but after that time a purely English school of caricature was formed, which was entirely independent of Continental caricaturists.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-lVQu2CfvxZs/WVi2JgBT27I/AAAAAAAAz4k/wp_LBuAzuU8Q5hZHVhkYbI6JHkwSoTFdACLcBGAs/s1600/03%2BKayser.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="811" data-original-width="960" height="270" src="https://3.bp.blogspot.com/-lVQu2CfvxZs/WVi2JgBT27I/AAAAAAAAz4k/wp_LBuAzuU8Q5hZHVhkYbI6JHkwSoTFdACLcBGAs/s320/03%2BKayser.jpg" width="320" /></a></div>Wolfgang Kayser: <i>The Grotesque in Art and Literature</i> (1957), McGraw-Hill, 1966. The art of our own day shows a greater affinity to the grotesque than that of any other epoch. Modern novels, modern paintings and sculpture are replete with grotesque features. In this modern classic of criticism, Wolfgang Kayser traces the historical development of the grotesque from the Italian Reanissance (which originated the word "grottesco") through the "chimeric" world of the commedia dell'arte, Sturm und Drang, the age of Romanticism and nineteenth century "realism," to its modern forms in poetry, dream narration and surrealist painting. There are parts of this book that are brilliantly illuminating, but other parts are like trudging through ankle deep mud. It's not that the book is inconsistent, it's that the examples Kayser chooses are so obscure that he has to explicate them and his summaries are hazy. Sometimes I couldn't even tell why he chose the examples that he chose. But when he's talking theory or history, he can be very inspiring. An interesting book about the history and traditions of grotesque. If you don't know the literature examples, the ideas are sometimes a bit hard to follow, but the book was still very nice to read. I found Kayser's almost psychological view of the grotesque quite surprising: it seems that grotesque is grotesque only when it's new and unknown, and when you get used to it, its grotesqueness fades. Kayser's descriptions lack the comic side of grotesque almost completely, but otherwise his views felt logical and believable.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-qgLQISGeDLY/WVi20b42i5I/AAAAAAAAz4o/yISI1B72gig9TmvW4r5ckAnCzPc6_oP_wCLcBGAs/s1600/04%2BThomson.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="959" data-original-width="792" height="320" src="https://3.bp.blogspot.com/-qgLQISGeDLY/WVi20b42i5I/AAAAAAAAz4o/yISI1B72gig9TmvW4r5ckAnCzPc6_oP_wCLcBGAs/s320/04%2BThomson.jpg" width="264" /></a></div>Philip Thomson: <i>The Grotesque</i>, Methuen, 1972. First published in 1972, this book provides a helpful overview of the grotesque and its use in a number of literary genres including novels, drama and poetry. After providing a historical summary of the term, the book discusses the various defining aspects of the grotesque and its relationship to other terms and modes of literature, such as satire, the comic and parody. The final chapter presents the functions and purpose of the grotesque in literature. This book will be a useful resource for those studying literary theory and literary works which include an element of the grotesque.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-fM9L60zsh2Q/WVi4UBMrlZI/AAAAAAAAz4w/TCi_70psoZkRl3t1nBq8tgz4rv8Hk7angCLcBGAs/s1600/05%2BHarpham.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="797" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-fM9L60zsh2Q/WVi4UBMrlZI/AAAAAAAAz4w/TCi_70psoZkRl3t1nBq8tgz4rv8Hk7angCLcBGAs/s320/05%2BHarpham.jpg" width="265" /></a></div>Geoffrey Galt Harpham,<i> On the Grotesque: Strategies of Contradiction in Art and Literature</i>, The Davies Group, 1982. In this comprehensive, original, and wide-ranging study, Geoffrey Galt Harpham argues that we should view the grotesque not as a marginal or aberrant form, but rather as a key to central concepts in the Western artistic tradition. With discussions of pictorial and narrative art, and readings of theoretical statements by Kant, Hegel, Ruskin and others, this book expands our concept of the grotesque, and enriches our understanding of art itself. You can practically smell the tweed coming off this book. Erudite, comprehensive, and extremely ambitious. Harpham's varying formulations of the grotesque's "essence"--the grotesque as an interval, a process, a set of traits, and a historically contradictory term--set off nicely his poststructuralist idea that the grotesque is a metaphor for art's totality itself.<br />
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<a href="https://3.bp.blogspot.com/-EQE9H7Wq72s/WVi4tE9oNmI/AAAAAAAAz40/5Si5Bimcu-su9LA0GdIz0gWl7uCq6sK5wCLcBGAs/s1600/06%2BKristeva.jpg" imageanchor="1"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="738" height="640" src="https://3.bp.blogspot.com/-EQE9H7Wq72s/WVi4tE9oNmI/AAAAAAAAz40/5Si5Bimcu-su9LA0GdIz0gWl7uCq6sK5wCLcBGAs/s640/06%2BKristeva.jpg" width="491" /></a><br />
Julia Kristeva, <i>Powers on Horror: An Essay on Abjection</i> (Pouvoirs de l’horreur, 1980), tr. Leon Roudiez, New York: Columbia UP, 1982. An excellent introduction to an aspect of contemporary French literature which has been allowed to become somewhat neglected in the current emphasis on para-philosophical modes of discourse. Kristeva is one of the leading voices in contemporary French criticism on Disgust.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-_LyUkjW25OI/WVi9ufHIQ7I/AAAAAAAAz5Q/VHg6jl6KpT8Nu9q20ZLoUzW7l6aooWkeACLcBGAs/s1600/13%2BClark.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="264" data-original-width="267" height="197" src="https://4.bp.blogspot.com/-_LyUkjW25OI/WVi9ufHIQ7I/AAAAAAAAz5Q/VHg6jl6KpT8Nu9q20ZLoUzW7l6aooWkeACLcBGAs/s200/13%2BClark.jpg" width="200" /></a></div>John R Clark, <i>The Modern Satiric Grotesque and Its Traditions</i>, Kentucky UP, 1991. Thomas Mann predicted that no manner or mode in literature would be so typical or so pervasive in the twentieth century as the grotesque. Assuredly he was correct. The subjects and methods of our comic literature (and much of our other literature) are regularly disturbing and often repulsive -- no laughing matter. In this ambitious study, John R. Clark seeks to elucidate the major tactics and topics deployed in modern literary dark humor. In Part I he explores the satiric strategies of authors of the grotesque, strategies that undercut conventional usage and form: the de-basement of heroes, the denigration of language and style, the disruption of normative narrative technique, and even the debunking of authors themselves. Part II surveys major recurrent themes of grotesquerie: tedium, scatology, cannibalism, dystopia, and Armageddon or the end of the world. Clearly the literature of the grotesque is obtrusive and ugly, its effect morbid and disquieting -- and deliberately meant to be so. Grotesque literature may be unpleasant, but it is patently insightful. Indeed, as Clark shows, all of the strategies and topics employed by this literature stem from age-old and spirited traditions. Critics have complained about this grim satiric literature, asserting that it is dank, cheerless, unsavory, and negative. But such an interpretation is far too simplistic. On the contrary, as Clark demonstrates, such grotesque writing, in its power and its prevalence in the past and present, is in fact conventional, controlled, imaginative, and vigorous -- no mean achievements for any body of art.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHVFCci8U327XNFXPhOBH0D8efDZWdueIEM9Xej08G1gaDQlCUbL6tENb061jvM1JjhsmQFvud2iPMbDS0zp03wscJQhSxFyWsp9LLuFbXkhNucGtwdIZAB8MeNo8geeuEzzErFMw0zTE/s1600/07+Gruber.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="958" data-original-width="960" height="397" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHVFCci8U327XNFXPhOBH0D8efDZWdueIEM9Xej08G1gaDQlCUbL6tENb061jvM1JjhsmQFvud2iPMbDS0zp03wscJQhSxFyWsp9LLuFbXkhNucGtwdIZAB8MeNo8geeuEzzErFMw0zTE/s400/07+Gruber.jpg" width="400" /></a></div>Alain Gruber, ed., <i>The History of Decorative Arts: The Renaissance and Mannerism in Europe</i>, Abbeville Press, 1994.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifqYuJWgoVRtUOjtPUtaQjdSSbi0cqXf_W1YFuA9AzBcZZvrpXSlhmNbhzbQJDfonuPeLASy1bdW0aZ8DuftUq4E7GTKYYPBH7zfSdyzZSw6Nfze4d4B_ur2pVzPlHLWXsW3gvyWUiigc/s1600/08+Adams.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="274" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifqYuJWgoVRtUOjtPUtaQjdSSbi0cqXf_W1YFuA9AzBcZZvrpXSlhmNbhzbQJDfonuPeLASy1bdW0aZ8DuftUq4E7GTKYYPBH7zfSdyzZSw6Nfze4d4B_ur2pVzPlHLWXsW3gvyWUiigc/s200/08+Adams.jpg" width="137" /></a></div>James Luther Adams, ed., <i>The Grotesque in Art and Literature: Theological Reflexions</i>, Wm. B. Eerdmans, 1997. While there has been a growing interest in the use of grotesque imagery in art and literature, very little attention has been given to the religious and theological significance of such imagery. This fascinating book redresses that neglect by exploring the religious meaning of the grotesque and its importance as a subject for theological inquiry. Review by Justin Torres: "Standing always at the edge of society's consciousness is a group of artistic works that repel as they fascinate: the grotesque. Dismissed by the "respectable," and often condemned for their absurdity, incongruity, and perceived immorality, they nonetheless hold powerful sway in the popular imagination. Sordid pagan tales of incest and bloodletting, the medieval carnival, commedia dell'arte--these popular uprisings of the grotesque imagination reveal, through their marginalized position in the cultural scene, deep seated impulses that polite society has suppressed.<br />
Yates surveys four major theoretical approaches to the grotesque-Wolfgang Kayser's grotesque as demonic "other," Mikhail Bahktin's edenic carnival, Geoffrey Harpham's notion of the grotesque as the process of becoming, and Ewa Kuryluk's feminist interpretation of the grotesque as an expression of subdued or oppressed "anti-worlds." Yates uses these theorists to identify major themes in grotesque art that speak to religious impulses: bafflement over the meaning of human existence; the dread of non-existence; man's ability to create; and our perception of the world as fallen.<br />
Roger Hazelton's "The Grotesque, Theologically Considered" seems to express the central insight of this book: that the grotesque, like theology, forces us to reflect on mystery properly conceived. As Hazelton says: <br />
"Mystery is not a synonym for residual ignorance which will be dispelled when the sciences get around to it. Neither can it simply be equated with the unknown or unknowable. ... Theology and grotesque art ... find a certain affinity in a common persuasion that mystery remains a real and radical feature of our existing in the world-something not reducible to the aims and methods of technical expertise ... thus compelling other kinds of human response and acknowledgment." <br />
For Hazelton, the grotesque, in expressing the mystery of Being recalls to us theology's enunciation of "that abiding, confiding trust and loyalty called faith."<br />
Also notable in this collection is Wolfgang Stechow's consideration of Hieronymus Bosch, whose Garden of Earthly Delights was placed by Spain's King Philip II at the altar of the Escorial. Bosch has long been a puzzle to art critics and the faithful alike. Praised by a Spanish monk at the time of its completion as a bold representation of man "as he is on the inside," the painting, with Dante's Inferno, ranks among the best commentaries of the grotesque nature of sin. The book also boasts an excellent examination of the gravedigger's scene from Hamlet and a previously unpublished play by Robert Penn Warren, Ballad of a Sweet Dream of Peace: A Charade for Easter.<br />
Still, in all, The Grotesque in Art and Literature is fascinating reading: well written, insightful, synthesizing various disciplinary approaches in an attempt to gain a view of the whole subject. Moreover, the subject of the grotesque may well become one of great interest to believers in the postmodern era. As American culture itself becomes more and more grotesque, there may be much insight to gain from art and literature that stands on the cultural edge and gazes back to the center."</div><br />
<div style="text-align: justify;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-4kCMFddwtRk/WWJVmaLuQWI/AAAAAAAAz94/OPThz2ZgdA04yuf1HrEo9igcx7Ka9tYGwCLcBGAs/s1600/carnivalesque.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="655" height="320" src="https://4.bp.blogspot.com/-4kCMFddwtRk/WWJVmaLuQWI/AAAAAAAAz94/OPThz2ZgdA04yuf1HrEo9igcx7Ka9tYGwCLcBGAs/s320/carnivalesque.jpg" width="217" /></a>Timothy Hyman and Roger Malbert, <i>Carnivalesque</i>, London: Hayward Gallery, 2000.<br />
Carnivalesque explores the history of humor and the grotesque imagination in Western art from the Middle Ages to the present day. It is structured around four themes: the Tumultuous Crowd, the World Turned Upside-down, the Comic Mask, and the Grotesque Body. <br />
The book includes seventy illustrations, with essays by co-curators Timothy Hyman and Roger Malbert. Illustrations range from medieval woodcuts and misericords to drawings, paintings, and prints by Brueghel, Jacques Callot, the Tiepolos, James Gillray, and Francisco Goya. Popular imagery from the nineteenth and twentieth centuries is set alongside satirical prints by Daumier, James Ensor, and Max Beckmann. Recent and contemporary works include sculpture by Louise Bourgeois and Paul McCarthy, paintings by Paula Rego and Red Grooms, and video installations by Marisa Carnesky and Leigh Bowery.</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://3.bp.blogspot.com/_uxVnjqldHIE/TMkMY7M8t_I/AAAAAAAAMN4/-Mfhk2T8J9Y/s1600/disparities-n-deformations.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" border="0" height="200" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5532967239549761522" src="https://3.bp.blogspot.com/_uxVnjqldHIE/TMkMY7M8t_I/AAAAAAAAMN4/-Mfhk2T8J9Y/s200/disparities-n-deformations.jpg" style="float: left; margin: 0px 10px 10px 0px;" width="153" /></a></div><div style="text-align: justify;">Robert Storr, <a href="http://www.amazon.com/Disparities-Deformations-Grotesque-exhibition-2004-Jan/dp/0970077483/ref=sr_1_47?s=books&ie=UTF8&qid=1288191048&sr=1-47">Disparities & Deformations - Our Grotesque</a>, New Mexico: SITE Santa Fe, 2004.<br />
ISBN-10: 0970077483<br />
ISBN-13: 978-0970077486<br />
Historically speaking, "grotesque" first referred to the bizarre motifs discovered in Nero's palaces in the 15th century--strange hybridities of plant, animal, and human forms. Such whimsies became fodder for Renaissance masters and later for Baroque, Rococo, Romantic, modern, and postmodern artists. For the Site Sante Fe Fifth International Biennial Exhibition, invited curator Robert Storr examines contemporary embodiments of the grotesque tradition in art, a spirit which unites formal opposites: emotional and intellectual conflicts, beauty and ugliness, delight and delirium, tragedy and comedy. Producing an art of revelatory impurities that encompasses both the wondrous and the disturbing, the grotesque has informed many of the key postmodern movements in art and culture. The Biennial brings together internationally known artists working in a wide range of media, subject matter, and conceptual and aesthetic approaches, including Louise Bourgeois, Bruce Conner, Inka Essenhigh, Tom Friedman, Ellen Gallagher, Robert Gober, Douglas Gordon, Paul McCarthy, Sigmar Polke, Susan Rothenberg, Jenny Saville, Cindy Sherman, and Kara Walker.</div><br />
<div style="text-align: left;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj4nI7RIxFDLEjr0xf9Q_7gUi_1wQdMQcNQMHop6khttCn1dmogrqmmly0V-WKHa_wPPFDx-yIneF9lgEVkNk-SC8iPrm6yre-S_3Wie9HcFg7hONAmKVKemFrYuhsVV6V9n7WTQ3Fw4o/s1600/disparities-deformations.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5532967816218271154" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj4nI7RIxFDLEjr0xf9Q_7gUi_1wQdMQcNQMHop6khttCn1dmogrqmmly0V-WKHa_wPPFDx-yIneF9lgEVkNk-SC8iPrm6yre-S_3Wie9HcFg7hONAmKVKemFrYuhsVV6V9n7WTQ3Fw4o/s200/disparities-deformations.jpg" style="float: left; height: 200px; margin: 0px 10px 10px 0px; width: 158px;" /></a></div><div style="text-align: justify;">Curatorial statement, by Robert Storr. The term "grotesque" is commonly used as a pejorative epithet—"How grotesque!" typically meaning how obscene, how gruesome, or how ridiculous. The word is not, however, meant in this way here. Or perhaps it would be better to say, it is not meant only in this way—some of the greatest grotesques are none of those things and some are those things and more.<br />
Historically speaking, "grotesque," which derives from the Italian word "grotto," first referred to the strange motifs discovered when the ruins of Nero’s palaces were unearthed in the 15th century, and their heavily ornamented interiors came to light. Unlike their classical counterparts, these late Roman ornaments were characterized by surprising hybridities—bizarre fusions of plant, animal, and human forms with completely invented filigree added on. Such antique whimsies became an inspiration to Renaissance masters like Raphael and Dürer. Subsequently, the grotesque intermittently preoccupied and gave license to artists during the Baroque, Rococo, Romantic, modern, and postmodern periods. Over the centuries, the grotesque spirit has evolved into parallel traditions of widely various permutations, some figurative and others abstract, some fanciful and others nightmarish, some comic and others harrowing, some exquisite and others unapologetically vulgar.<br />
If there is any unifying principle or spirit to the work that can be fairly as well as favorably described as "grotesque," it is that of contradiction. Grotesques body forth the world’s ambiguities and people’s ambivalences in ways that make them impossible to ignore or deny. They signal the point at which logical and emotional certainties waver, taste loses it bearings, and familiar realities warp into disorienting paradoxes. It is, in the words of the nineteenth century writer Jean Paul, a state of "soul dizziness."<br />
If ever there was a moment when the factors that stimulate the grotesque dimensions of the imagination were in flux, this is one of them. The purpose of this exhibition, then, is to bring together a diverse group of contemporary works that in one way or another respond and give new substance to those dynamics and this broad sensibility. An international group of artists of different generations and approaches, coming from various cultural contexts and working in various mediums, will be asked to participate. In gathering this group of artists around the exhibition's theme, the aim is neither to historicize their art nor force it into a fixed or homogenous category but rather to highlight the elements of inherent, usually critical, contradiction within distinct aesthetic practices while showing that the grotesque—a quality seemingly encapsulated by one word—has many reasons for being and a nearly infinite number of guises.</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-IdOdosdVGgc/WVi6-hyivtI/AAAAAAAAz5A/7O0LE2qc9dEcpeef9rJWO5I1207-AwpwACLcBGAs/s1600/09%2BEco.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="512" data-original-width="608" height="168" src="https://2.bp.blogspot.com/-IdOdosdVGgc/WVi6-hyivtI/AAAAAAAAz5A/7O0LE2qc9dEcpeef9rJWO5I1207-AwpwACLcBGAs/s200/09%2BEco.jpg" width="200" /></a></div><div style="text-align: justify;">Umberto Eco, ed., <i>On Ugliness</i>, Rizzoli, 2007. In the mold of his acclaimed <i>History of Beauty</i>, renowned cultural critic Umberto Eco’s <i>On Ugliness</i> is an exploration of the monstrous and the repellant in visual culture and the arts. What is the voyeuristic impulse behind our attraction to the gruesome and the horrible? Where does the magnetic appeal of the sordid and the scandalous come from? Is ugliness also in the eye of the beholder? Eco’s encyclopedic knowledge and captivating storytelling skills combine in this ingenious study of the Ugly, revealing that what we often shield ourselves from and shun in everyday life is what we’re most attracted to subliminally. Topics range from Milton’s Satan to Goethe’s Mephistopheles; from witchcraft and medieval torture tactics to martyrs, hermits, and penitents; from lunar births and disemboweled corpses to mythic monsters and sideshow freaks; and from Decadentism and picturesque ugliness to the tacky, kitsch, and camp, and the aesthetics of excess and vice. With abundant examples of painting and sculpture ranging from ancient Greek amphorae to Bosch, Brueghel, and Goya among others, and with quotations from the most celebrated writers and philosophers of each age, this provocative discussion explores in-depth the concepts of evil, depravity, and darkness in art and literature.</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4G_oET1niWpqSVVgFwRxJ37-axQ4pfopy0DVf89w1eGXbHMT-ElscX6d_i2ByZHgQV0Cvp9ZSTh_9o5U73suvLcMNSAPM1dGBxXep5IPRHaeuxFmT_T4-GHRep8Zl5jGJK_9cA7ZY27c/s1600/10+Zamperini.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="960" data-original-width="334" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4G_oET1niWpqSVVgFwRxJ37-axQ4pfopy0DVf89w1eGXbHMT-ElscX6d_i2ByZHgQV0Cvp9ZSTh_9o5U73suvLcMNSAPM1dGBxXep5IPRHaeuxFmT_T4-GHRep8Zl5jGJK_9cA7ZY27c/s400/10+Zamperini.jpg" width="140" /></a></div><div style="text-align: justify;">Alessandra Zamperini, <i>Ornament and the Grotesque: Fantastical Decoration from Antiquity to Art Nouveau</i>, Thames & Hudson, 2008. A lavish survey of the grotesque style in European painting and decoration, from Roman times to the late nineteenth century. In the fifteenth century, the ruins of Nero's Domus Aurea were discovered in Rome. The first explorers to enter the interior of this spectacular palace complex had the sensation of finding themselves in a series of grottoes, and this is why the fanciful frescoes and floor mosaics discovered there were called "grotesques." A fashionable form of ornamentation in ancient Rome, grotesques consist of loosely connected motifs, often incorporating human figures, birds, animals, and monsters, and arranged around medallions filled with painted scenes. Fifteenth-century artists such as Perugino, Signorelli, Filippino Lippi, and Mantegna copied the ancient Roman examples; the most famous use of the style was Raphael's Loggie in the Vatican Palace, which became immensely famous and influential all over Europe. This magnificently illustrated book covers the entire history of the grotesque in European art, from its Roman origins through the Renaissance to the late nineteenth century. It illuminates how grotesque decoration was transformed in the seventeenth and eighteenth centuries into arabesque, chinoiserie, and singeries, and how it continued in the nineteenth century, leading eventually to Art Nouveau.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRZzu0mmPY0pcFjqOCdOC84N-ubnO6VKlFD9-R2cwS2d2mCwx2rjgadUnnQAkuDUCTlye1s1YyZapb3QNDuemtrL8Kr1dLmRs4aEGKbFrO20mtQllZ4MuVP7HEoNrSvf6bS_px2RAo_8M/s1600/11+Bakhtin.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="598" data-original-width="530" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRZzu0mmPY0pcFjqOCdOC84N-ubnO6VKlFD9-R2cwS2d2mCwx2rjgadUnnQAkuDUCTlye1s1YyZapb3QNDuemtrL8Kr1dLmRs4aEGKbFrO20mtQllZ4MuVP7HEoNrSvf6bS_px2RAo_8M/s320/11+Bakhtin.jpg" width="284" /></a></div>Mikhail Bakhtin, <i>Rabelais and His World</i> (1965), Indiana UP, 2009. This classic work by the Russian philosopher and literary theorist Mikhail Bakhtin (1895—1975) examines popular humor and folk culture in the Middle Ages and the Renaissance, especially the world of carnival, as depicted in the novels of François Rabelais. In Bakhtin's view, the spirit of laughter and irreverence prevailing at carnival time is the dominant quality of Rabelais's art. The work of both Rabelais and Bakhtin springs from an age of revolution, and each reflects a particularly open sense of the literary text. For both, carnival, with its emphasis on the earthly and the grotesque, signified the symbolic destruction of authority and official culture and the assertion of popular renewal. Bakhtin evokes carnival as a special, creative life form, with its own space and time.<br />
Written in the Soviet Union in the 1930s at the height of the Stalin era but published there for the first time only in 1965, Bakhtin's book is both a major contribution to the poetics of the novel and a subtle condemnation of the degeneration of the Russian revolution into Stalinist orthodoxy. One of the essential texts of a theorist who is rapidly becoming a major reference in contemporary thought, Rabelais and His World is essential reading for anyone interested in problems of language and text and in cultural interpretation.<br />
Bakhtin richly documents the range and scope of the popular-festive culture that is the hero of his book, its ancient roots, the vigorous life it enjoyed in the Middle Ages, its entry into important literature in the Renaissance, even the considerable traces of it that still survive after centuries of repression.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-349IuKXHb08/WVi9IYk0HoI/AAAAAAAAz5M/jXvJE3faBQIvLsIvGRUEtA1U70-GM4e1wCLcBGAs/s1600/12%2BAcidini_Luchinat.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="662" data-original-width="960" height="137" src="https://1.bp.blogspot.com/-349IuKXHb08/WVi9IYk0HoI/AAAAAAAAz5M/jXvJE3faBQIvLsIvGRUEtA1U70-GM4e1wCLcBGAs/s200/12%2BAcidini_Luchinat.jpg" width="200" /></a></div>Cristina Acidini Luchinat, <i>Grotesques: The Painted Ceilings at the Uffizi</i>, Italy: Giunti, 2009. The Uffizi Gallery is one of the world's most famous museums, and is home to some of the finest works of art in Western history, but it is not only the walls that are adorned with art. This volume explores the frescoes or 'grotesques' painted on the ceilings of the Uffizi.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-_HbSteIGZuU/WVi-X_fClrI/AAAAAAAAz5U/UyIX35BYHMsNz8iAe1QFIBJjtteBOJBlACLcBGAs/s1600/14%2BBloom.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="219" data-original-width="266" height="165" src="https://3.bp.blogspot.com/-_HbSteIGZuU/WVi-X_fClrI/AAAAAAAAz5U/UyIX35BYHMsNz8iAe1QFIBJjtteBOJBlACLcBGAs/s200/14%2BBloom.jpg" width="200" /></a></div>Harold Bloom, <i>The Grotesque</i>, Chelsea House, 2009. The grotesque, often defined as something fantastically distorted that attracts and repels, is a concept that has various meanings in literature. This new volume contains twenty essays that explore the role of the grotesque in such works as Candide, Frankenstein, King Lear, The Metamorphosis, and many others. Some essays have been written specifically for the series; others are excerpts of important critical analyses from selected books and journals. Introductory essay by Harold Bloom. Original essays and excerpts from published critical analyses that discuss the literary theme of the grotesque considering authors as varied as Aristophanes, Nikolai Gogol, Edgar Allan Poe, and Flannery O'Connor. Index for easy reference. <br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-SdANuk1Ei1E/WVi-8LP0wcI/AAAAAAAAz5Y/XPWgWu5Q9QEwqu-m0crYF0K3K29SQltGQCLcBGAs/s1600/15%2BConnelly.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="217" data-original-width="145" src="https://2.bp.blogspot.com/-SdANuk1Ei1E/WVi-8LP0wcI/AAAAAAAAz5Y/XPWgWu5Q9QEwqu-m0crYF0K3K29SQltGQCLcBGAs/s1600/15%2BConnelly.jpg" /></a></div>Frances Connelly, ed., <i>Modern Art and the Grotesque</i>, Cambridge UP, 2009. Examines how the grotesque has shaped the history, practice, and theory of art in the nineteenth and twentieth centuries.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgjazZua3z0Emdcwm7sUU4LR2tujA3NV3vS6DVBPsH6riC_12024FUE1phhQO0Ua27tP8QO6F4f7g7J1a_lQ7bebPY4-C1yZdy6CyXvIbyq6Sri_ufhRZXS1_UDIHbEIZdHsXFft8xfIs/s1600/16+Chiao.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="206" data-original-width="278" height="148" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgjazZua3z0Emdcwm7sUU4LR2tujA3NV3vS6DVBPsH6riC_12024FUE1phhQO0Ua27tP8QO6F4f7g7J1a_lQ7bebPY4-C1yZdy6CyXvIbyq6Sri_ufhRZXS1_UDIHbEIZdHsXFft8xfIs/s200/16+Chiao.jpg" width="200" /></a></div>Shung-Liang Chao, <i>Rethinking the Concept of the Grotesque: Crashaw, Baudelaire, Magritte</i>, Legenda, 2010. How are we to define what is grotesque, in art or literature? Since the Renaissance the term has been used for anything from the fantastic to the monstrous, and been associated with many artistic genres, from the Gothic to the danse macabre. Shun-Liang Chao's study adopts a rigorous approach by establishing contradictory physicality and the notion of metaphor as two keys to the construction of a clear identity of the grotesque. With this approach, Chao explores the imagery of Richard Crashaw, Charles Baudelaire, and Rene Magritte as individual exemplars of the grotesque in the Baroque, Romantic, and Surrealist ages, in order to suggest a lineage of this curious aesthetic and to cast light on the functions of the visual and of the verbal in evoking it.<br />
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Nancy Hightower, "<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2017/07/revelatory-monsters.html" target="_blank">Revelatory Monsters: Deconstructive Hybrids, the Grotesque, and Pop Surrealism</a>," Introdution to Florida State University, Museum of Fine Arts, <i>Cute & Creepy</i>, October-November 2011.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-mnwTPzj9-xA/WVi_rXnsGkI/AAAAAAAAz5g/F9YB6m0wHGUjnj1ie5Ycd0-2riBAxwcOACLcBGAs/s1600/17%2BCzachesz.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="540" data-original-width="847" height="128" src="https://1.bp.blogspot.com/-mnwTPzj9-xA/WVi_rXnsGkI/AAAAAAAAz5g/F9YB6m0wHGUjnj1ie5Ycd0-2riBAxwcOACLcBGAs/s200/17%2BCzachesz.jpg" width="200" /></a></div>Istvan Czachesz, <i>The Grotesque Body in Early Christian Discourse: Hell, Scatology and Metamorphosis</i>, Equinox, 2011. Early Christian apocryphal and conical documents present us with grotesque images of the human body, often combining the playful and humorous with the repulsive, and fearful. First to third century Christian literature was shaped by the discourse around and imagery of the human body. This study analyses how the iconography of bodily cruelty and visceral morality was produced and refined from the very start of Christian history. The sources range across Greek comedy, Roman and Jewish demonology, and metamorphosis traditions. The study reveals how these images originated, were adopted, and were shaped to the service of a doctrinally and psychologically persuasive Christian message.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-9vID4JAiEeA/WVi_94MKV5I/AAAAAAAAz5k/7_ZkMjjkD3I1NPpzte0VM2hwh3Bv8T6NwCLcBGAs/s1600/18%2BSalmela.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="231" data-original-width="251" height="184" src="https://3.bp.blogspot.com/-9vID4JAiEeA/WVi_94MKV5I/AAAAAAAAz5k/7_ZkMjjkD3I1NPpzte0VM2hwh3Bv8T6NwCLcBGAs/s200/18%2BSalmela.jpg" width="200" /></a></div>Markku Salmela & Jarkko Toikkanen, eds., <i>The Grotesque and the Unnatural</i>, Cambria, 2011. The grotesque has provided both laymen and scholars with extreme delights for centuries: from the ornamental combining of rare motifs in antiquity to a hybridisation of structural genres in recent times; from fantastical fusions of humans and beasts to comic exaggerations of bodily aberrations and prosthetic postmodern visions. Eluding clear classification at all times, the notion has often been identified with ideas of contradiction and conflation and observed in relation to principles and categories such as estrangement (Wolfgang Kayser) and carnival (Mikhail Bakhtin), the sublime (Victor Hugo) and Victorian Gothic imagination (John Ruskin). In this context, the present volume appears as a synthesis and radical questioning of existing historical developments. The book contributes to current discussions on the grotesque in contemporary literary and cultural theory from the perspective of one specific motif: the unnatural. Quite like the grotesque, observing the unnatural (and unnaturalness) reveals a resilient strain in critical thought, and the significance of this history gradually unfolds as the volume charts the progress of its main themes from the Renaissance to the present day. While in much current talk about theory and criticism certain related notions are still posited for and against each other--what is seen as normal or natural and what is not, and what should be seen as normal or natural and what should not--the discussions in The Grotesque and the Unnatural go a long way toward founding a new vista from which to observe this beguiling opposition. The book presents a new perspective on the grotesque by considering it as a phenomenon which comes into being only through a negation of sorts, yet refusing to place it in a simple, normative pattern as nature's antithesis or expressive gesture. As the articles demonstrate, the grotesque is always in the process of subverting or surpassing something, always not being ideal or sufficient to either nature or a social rule, and this very negation affects its status as a tool of transformation or emancipation from norm: the grotesque figure does not represent any particular stage of development or natural state of being. As such, the grotesque hints at and hinges on something that exceeds habitual spheres of culture and communication but, as the book aims to show, this elusiveness of meaning gives no cause for analytic despair. By tracing the involutions of the grotesque with the unnatural in specific literary cases, the book evokes centuries of Western cultural history and ultimately focuses on two questions: How and why does the grotesque tend to negate nature, and how does it affect our understanding of what we see? The diverse materials and historical scope of The Grotesque and the Unnatural make the book, in its exceptional thematic unity, a valuable addition to the fields of literary and cultural studies.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://3.bp.blogspot.com/-Oamzn_UoVBA/WVjAeDMGIUI/AAAAAAAAz5o/h7j1Gpbqo2QT-P2_eulIKz12uiKlJDMkQCLcBGAs/s1600/19%2BEdwards.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="476" data-original-width="960" height="196" src="https://3.bp.blogspot.com/-Oamzn_UoVBA/WVjAeDMGIUI/AAAAAAAAz5o/h7j1Gpbqo2QT-P2_eulIKz12uiKlJDMkQCLcBGAs/s400/19%2BEdwards.jpg" width="400" /></a></div>Justin D. Edwards and Rune Graulund, <i>Grotesque</i>, New York: Routledge, 2013. Grotesque provides an invaluable and accessible guide to the use (and abuse) of this complex literary term. Justin D. Edwards and Rune Graulund explore the influence of the grotesque on cultural forms throughout history, with particular focus on its representation in literature, visual art and film. The book: presents a history of the literary grotesque from Classical writing to the present; examines theoretical debates around the term in their historical and cultural contexts; introduces readers to key writers and artists of the grotesque, from Homer to Rabelais, Shakespeare, Carson McCullers and David Cronenberg; analyses key terms such as disharmony, deformed and distorted bodies, misfits and freaks; explores the grotesque in relation to queer theory, post-colonialism and the carnivalesque.<br />
Grotesque presents readers with an original and distinctive overview of this vital genre and is an essential guide for students of literature, art history and film studies.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://4.bp.blogspot.com/-KtbNVOAcHOU/WVjBasP-UEI/AAAAAAAAz5s/V8712eIyKd0FEhBLermhS7p9N_7USTXKQCLcBGAs/s1600/20%2BConnelly.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="635" data-original-width="960" height="265" src="https://4.bp.blogspot.com/-KtbNVOAcHOU/WVjBasP-UEI/AAAAAAAAz5s/V8712eIyKd0FEhBLermhS7p9N_7USTXKQCLcBGAs/s400/20%2BConnelly.jpg" width="400" /></a></div>France Connelly, <i>The Grotesque in Western Art and Culture: The Image at Play</i>, Cambridge UP, 2014. Establishes a fresh and expansive view of the grotesque in Western art and culture, from 1500 to the present day. Following the non-linear evolution of the grotesque, Frances S. Connelly analyzes key works, situating them within their immediate social and cultural contexts, as well as their place in the historical tradition. By taking a long historical view, the book reveals the grotesque to be a complex and continuous tradition comprising several distinct strands: the ornamental, the carnivalesque and caricatural, the traumatic and the profound. The book articulates a model for understanding the grotesque as a rupture of cultural boundaries that compromises and contradicts accepted realities. Connelly demonstrates that the grotesque is more than a style, genre or subject; it is a cultural phenomenon engaging the central concerns of the humanistic debate today. Hybrid, ambivalent and changeful, the grotesque is a shaping force in the modern era.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://2.bp.blogspot.com/-EwSOS-tWfRg/WVjBrtmpeRI/AAAAAAAAz5w/1DPd13-CAhQYGFFCMxKdAWYS93LN0cm8wCLcBGAs/s1600/21%2BPop.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="249" data-original-width="236" height="320" src="https://2.bp.blogspot.com/-EwSOS-tWfRg/WVjBrtmpeRI/AAAAAAAAz5w/1DPd13-CAhQYGFFCMxKdAWYS93LN0cm8wCLcBGAs/s320/21%2BPop.jpg" width="303" /></a></div><i>Ugliness: The Non-Beautiful in Art and Theory</i>, ed. Andrei Pop and Mechtild Widrich, London and New York: I.B. Tauris, 2014. Ugliness is very much alive in the history of art. From ritual invocations of mythic monsters to the scare tactics of the early twentieth-century avant-garde, from the cabinet of curiosities to the identity politics of today, the ugly has been every bit as active as the beautiful, and often much more of a reality… Why then has it been so neglected? This book seeks to remedy this oversight through both broad theoretical reflection and concrete case studies of ugliness in various historical and cultural contexts. The protagonists range from cooks to psychoanalysts, from war prostheses to plates of asparagus, on a world stage stretching from ancient Athens to Singapore today. Drawing across disciplinary and cultural boundaries, the writers illuminate why ugliness, associated over the millennia with negative categories ranging from sin and stupidity to triviality and boredom, remains central to art and cultural practice.</div><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzi-7g7uww9-Wrdj6mnOXG5_REtYsWCPe2bWRjj5rZjBL12P5HsV9g7FIb-ra7eEKCQoaSLzEgaIsnPy0nv4_3G3yGS17_plvW9AEa1ufkgA3ycvbhobqlcr_JgIes46qfpy34XXviOXs/s1600/holy+terror.jpg"><img alt="" border="0" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5533161195529248626" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzi-7g7uww9-Wrdj6mnOXG5_REtYsWCPe2bWRjj5rZjBL12P5HsV9g7FIb-ra7eEKCQoaSLzEgaIsnPy0nv4_3G3yGS17_plvW9AEa1ufkgA3ycvbhobqlcr_JgIes46qfpy34XXviOXs/s400/holy+terror.jpg" style="width: 420px;" /></a></div><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2009/03/resources.html" target="_blank">Resources</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/09/medieval-imagination.html">Medieval Imaginatiom</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2012/09/grotto-litera-turistika.html">Les grotesques</a><br />
<a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2010/10/books-grotesque.html">The Grotesque and Its Relatives</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-79172521103889588492016-06-07T09:11:00.002-03:002020-12-06T17:11:39.761-03:00AKERMAN Y LO IMAGINARIO<span style="font-size: x-small;">Obra plástica de <a href="https://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Akerman">Mariano Akerman</a> es exhibida en la Capital Cultural del Brasil</span><br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/Z2OlSVNhRQ8mROqoOvwqeNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite"><img height="96" src="https://lh6.googleusercontent.com/-x1BGXkIB_bA/T1cOs0Tvl9I/AAAAAAAAXLE/tTOKkWUFmuc/s800/avatar_garabato.jpg" width="96" /></a><br />
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Río de Janeiro, Copacabana<br />
Espacio Alcázar - Posto 5<br />
<b><span style="color: #b6d7a8;">Mariano Akerman: Expressiones en Copacabana</span></b><br />
Pinturas y Técnicas Mixtas<br />
Junio-Julio 2016<br />
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<div style="text-align: justify;"><b><span style="color: #b6d7a8;"><i>La imagen increíble conlleva su propra verdad.</i> [...] <i>Lo imaginario no es sólo aquello que no existe, sino también todo aquello que puede volverse realidad. Por esta última razón, lo imaginario es pariente cercano de la esperanza y la alegria de vivir.</i></span></b></div><div style="text-align: right;"><span style="color: #b6d7a8; font-size: x-small;">—Akerman, en conversación con Márcia dos Santos, 2016</span></div><br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://1.bp.blogspot.com/-cxc4P-g2j4U/X806gCwBqiI/AAAAAAABnKw/RIoXxm5pkcoyO_6xcTt2bA9LAMX2aYlEgCLcBGAsYHQ/s794/Renacimiento.jpg" style="display: inline; margin-left: auto; margin-right: auto; padding: 1em 0px; text-align: center;"><img alt="" border="0" data-original-height="794" data-original-width="531" height="320" src="https://1.bp.blogspot.com/-cxc4P-g2j4U/X806gCwBqiI/AAAAAAABnKw/RIoXxm5pkcoyO_6xcTt2bA9LAMX2aYlEgCLcBGAsYHQ/s320/Renacimiento.jpg" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Renacimiento<br />
1981</td></tr></tbody></table>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/eIXj8M0PrrvOG59kMdDsatMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.googleusercontent.com/-QpQg922_aCM/S3rP3puYHiI/AAAAAAAAprA/BSBQIIA4eeUmjBTB4w16NbTSmXLR_UzrwCCo/s400/cristalino.jpg" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cristalino, Primer Movimento<br />
1985-86</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/0gtOPic_R7AKvoXJj4HfSNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.googleusercontent.com/-nqo4C2gbfgI/V1Xmp3HMQeI/AAAAAAAAuiQ/weLLPnfweIob9VtDHbaKP4SL2jFhLLNBQCCo/s400/Carnaval.JPG" width="398" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El Carnaval de los Desamparados<br />
1986</td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #b6d7a8;"><i>El carnaval de los desamparados</i> fue exhibido en la Galería RG en el Arte en 1986. La muestra, que llevaba por título "Transformaciones de fibras y cuentos dulces", tuvo lugar en el barrio de Belgrano. Fue la primera exposición individual de quien escribe. <br />
<br />
El trabajo es figurativo y presenta un mundo de ensueño. Las sinuosdades prevalecen en él. El fondo de esta obra es compartimentado y, en cierto sentido, tiende a "adherirse" a las figuras. El contacto de las figuras es en este caso importante y existe una innegable sensualidad, que no carece de ornamento. <br />
<br />
En un artículo en <i>La actualidad en el arte</i> escribió Monique Sasegur como crítica de arte porteña:<br />
</span><br />
<blockquote><span style="color: #b6d7a8;">Una primera aproximación nos habla de un dibujante que maneja la línea, el color y el espacio seguro de lo que quiere. Si buscamos una estructura formal en la obra, [ella] salta a la vista. Pero, también, hallamos una [...] temática muy fuerte. La obra de este artista posee un interesante mensaje vital. Aquí lo simple no descarta lo profundo. Las ondulantes formas de lo natural, lo vegetal, lo animal y la excelencia siempre de la figura humana, [algunas] veces [encontrándose] mimetizada en otra forma viviente, [corroboran tal aserción]. La formación teórica de Akerman descansa en su carrera de arquitecto. Todo lo demás en él es vivencia que volcará en su obra. La técnica lo lleva a una actitud preciosista y a veces irreverente: témperas, marcadores, lápiz color, collage, tintas y todo el instrumental arquitectónico, logran el efecto buscado. Uno de los objetivos es la activa participación del espectador, que sólo puede entrar en el juego plástico si suma su cuota de imaginación y fantasía. Así, los ojos picarescos de los personajes se unen a la divertida mirada del testigo, que [además] debe decidir cuál es la figura o dónde está el fondo. ¿Pero se mezclan? ¿Muy oriental o muy decorativo? Se diría ornamental, plástico y poderosamente esperanzado.</span></blockquote><span style="color: #b6d7a8;"><br />
El carnavalesco tema de esta composición no sólo implica la alegria de una celebración, sino que también alude a la condición de quienes por la vida desfilan disfrazados y portando máscaras. Pero, aunque formen parte de una comparsa del desamparo, los personajes aquí representados exponen también sensaciones y sentimientos: a través de su expresividad, actitud y contacto corporal trascienden ellos máscara y disfraz.</span></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/PVQ3SClELR9wLqGxP6QMrdMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="381" src="https://lh5.googleusercontent.com/-5IuEWxQSVHI/S3rL1iwkA5I/AAAAAAAAGp0/WobX1fMjegc/s800/importancia%2520de%2520lo%2520autentico.jpg" width="256" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La Importancia de lo Autêntico<br />
1988</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/evkY5BRUBf23ITpuySiR2NMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.googleusercontent.com/--viWrnIb0H4/SvkPALckbSI/AAAAAAAApr0/iyIqPD2Zm2oliDRd0TRXWbA6C6PzAQwuwCCo/s400/templpo%2Bde%2Binclusion.JPG" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Templo de Inclusión<br />
1987</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/X2LugN7FKwCs8meCUD79uNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="335" src="https://lh3.googleusercontent.com/-W99FH-5so5Q/S3u7qj9uTyI/AAAAAAAApr4/v6Zkmah2ERAb02dtePA8EC1Yt6L3tSokACCo/s800/941.jpg" width="416" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Irreductibles como el Agua<br />
1988</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/LZXaV_0ABfPzRifqUUt66NMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="271" src="https://lh5.googleusercontent.com/-evQ4Hz2AZTo/S3u7rDO9fSI/AAAAAAAAG6s/zQ9txQeGNDA/s800/947.jpg" width="327" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">Mucho, Mucho, Mucho Amor</span><br />
1990</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/TLhR8xf4tCCHG3tv9HhBTtMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="373" src="https://lh5.googleusercontent.com/-VTNRIDpKTPc/S3wrabZrbbI/AAAAAAAAG9I/_G6QCp4B8ws/s800/1990%2520life%2520supporter.jpg" width="255" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">Partidario de Vivir</span><br />
1990</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/9-gGNWnGfPZK0EYQqRxQLtMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh4.googleusercontent.com/-vPTAbWP57r4/S3tlrMAcKsI/AAAAAAAAk1A/rOIHNl_kmJU/s400/1990-1%2520centauro.jpg" width="295" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">Centauro</span><br />
1990</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/2NFtM2UqA1zhf0hkJwnks9MTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh5.googleusercontent.com/-mkl2-v54uYE/S3tqtZa8kyI/AAAAAAAAk1I/hMTCvMwuSHM/s400/1991-2%2520Mi%2520Jerusal%25C3%25A9n.jpg" width="284" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">Mi Jerusalén</span><br />
1991</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/DPvFw36oYWAfJiEaCr6VctMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="383" src="https://lh3.googleusercontent.com/-YM0BzCUFVdE/V1XmtDVsdCI/AAAAAAAAuiI/Y5UBm1z7-vQMkZOiDman_efzVOkrQ9v2wCCo/s400/Memoria_de_Barro.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Memoria de Barro<br />
2001</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/KTHh5zm1rcZN1flwdwZOd9MTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img src="https://lh3.googleusercontent.com/-qKqbks1P9Ws/S3wtse9csbI/AAAAAAAAr3g/rtcoOunJ0GkSGuv6l66mSueTJk0bzJbMACCo/s1600/2003%2Bcreation%2Bday.bmp" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dia de Creación<br />
2003</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/ff_syxSrYiyEbZwCyT4tvNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="518" src="https://lh3.googleusercontent.com/-Nu07Jdob4jE/V1X-wkH8qsI/AAAAAAAAulI/gyS1TQB0RxkxE2-s8GUMn-YEowDhhhlUwCCo/s400/Tierra_Prometida.jpg" width="425" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Tierra Prometida<br />
2003</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/9DSUe-ROGrn0E8aVhBoXFtMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="333" src="https://lh3.googleusercontent.com/-VVG-B1kMeUI/S3wubQF_aXI/AAAAAAAAG-A/dxx5TBh1xqs-e6comy_WHkSOuUMRgLDSwCCo/s800/2003%2Bwishfulthinking.bmp" width="244" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Sueño<br />
2003</td></tr>
</tbody></table><br />
<div style="text-align: justify;"><span style="color: #b6d7a8;">Inicialmente, <i>Sueño</i> era conocido como <i>Pensamiento Ilusorio</i>. Ello se debía a que el pensamiento ilusorio involucra la formación de ideas o creencias de acuerdo algo imaginario y placentero. Y tal sentido es aún válido para esta obra. Pero el pensamiento ilusorio por regla general carece de fundamento respecto a aquello que emana de los hechos y la realidad. Esta última premisa llevo al autor a proveer un nuevo título para la obra. Porque <i>Sueño</i> difícilmente se aparta de la realidad: al contrario, Sueño refleja y testimonia <i>precisamente</i> una <i>realidad interior</i>. Así, el nuevo título resulta apto para esta <i>Constelación Interior</i>.<br />
<br />
Error grande sería subestimar el papel de los sueños en nuestra vida. Como bien lo expresa el saber popular: "si no tienes un sueño, ¿cómo podría entonces tu sueño volverse realidad?<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/HLQ76OTUC9jzDmnkLYNru9MTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="815" src="https://lh3.googleusercontent.com/-4fcwB4ViFdg/V1X2PTrjzGI/AAAAAAAAujc/Fr1wwJlo4AIvMC586gsh3cYjcRbgfH5uQCCo/s800/Entre_el_Cielo_y_la_Tierra.jpg" width="425" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Entre el Cielo y la Tierra<br />
2016</td></tr>
</tbody></table><br />
De algún modo, la obra de arte está siempre en transformación. Así como nosotros cambiamos, también ella cambia, pues nuestra percepción de ella tiende a modificarse con el correr del tiempo. Ello a su vez suele tener un impacto sobre el proceso creativo. Realizado en 2000, <i>Pájaro pintado</i> tiene su fuente literaria de inspiración en una novela homónima de Jerzy Kosiński (<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/The_Painted_Bird"><i>The Painted Bird</i></a>, 1966), en tanto que la planta desarraigada, que se titula <i>Ser sin tierra</i>, es de 2004. Sólo en 2016 ambos trabajos son incorporados en una misma obra, <i>Entre el Cielo y la Tierra</i>. Existe un vinculo entre ambas imágenes: los contornos del humo o aroma que emerge de la planta desarraigada tienden a crear cierta continuidad respecto al difuso límite que caracteriza al fondo sobre el que el ave se recorta, posiblemente vez aspirando dirigirse desde lo oscuro hacia a la claridad. Pero ambigua es la condición del ave: ella podría no estar en vuelo. Tampoco unívoca es la naturaleza del fluido que emana de la planta. No obstante, ambos motivos hablan de seres transmigrantes. Entre el cielo y la tierra, precisamente, son ellos simultáneamente síntoma y símbolo.<br />
<br />
La conjunción del ave y la planta en una misma obra puede sugerir un diálogo con <a href="http://2.bp.blogspot.com/-M4z4XGvEVw0/Tk-a3kt2K9I/AAAAAAAAUYo/z_KSJ4qrYsM/s1600/Magritte_1948.jpg" target="_blank"><i>El sabor de las lágrimas</i></a>, óleo que René Magritte pintó en 1948. Sin embargo, la figura pintada por Magritte involucra un ser híbrido, bien arraigado al suelo, estático y resignado a ser comido por una oruga. "Entre el cielo y la tierra" presenta al ave y la planta como dos entidades claramente separadas, mas ambas aparentemente en vuelo. Los términos visuales hablan de conjunción poética: las alas extendidas son al ave lo que la raíz es a la planta. De estas dos últimas características carece el poético pero también trágico trabajo de Magritte.</span></div><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/F2zvjrdCi9ZR8pBLc-TlkNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="320" src="https://lh3.googleusercontent.com/-aYFhWDnbcxE/V1X2ObcgccI/AAAAAAAAujw/KKbtH-MUwIAsLvQk8ha8r7AHQgxdiSISwCCo/s320/Arbol_de_la_Vida.jpg" width="281" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Árbol de la Vida<br />
2004</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/vagAQa1xJA3IZYCGOgoxytMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="283" src="https://lh5.googleusercontent.com/-bGXKfDTjQ4w/S3wqCznxA0I/AAAAAAAAG8o/sYSal8PdWkM/s400/2003-5%2520creation-destruction%2520principle.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12.8px;">Princípio Creación-Destrucción</span><br />
<span style="font-size: 12.8px;">2004</span></td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/aSy9eWRu0MAFDb87FMrxgdMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh6.googleusercontent.com/-rQq0_YpL268/S3twh4tz0eI/AAAAAAAAG1Y/Kj8fuhICpV8/s400/2005%2520amistad.jpg" width="201" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Amistad<br />
2004</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/6FnVPFRkMrRvovAEcj_2S9MTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="393" src="https://lh3.googleusercontent.com/-NX_SCApUxoo/T8SfgGIOIaI/AAAAAAAAk2Q/6FrWfXEIVaM/s400/ak_008.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Paisaje Interior<br />
2004-5</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/QEKm1TYO2MRjLoYsIqz1YdMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh4.googleusercontent.com/-BuBC8Y253ug/S3rQWnqTGFI/AAAAAAAAk2Y/Sd2pAJywHaI/s400/Recuerdo.jpg" width="274" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Recuerdo<br />
2005</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/PNDt5ev382xKdLP8heB3l9MTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="399" src="https://lh5.googleusercontent.com/-qig2czPZMqY/TfxJqOd4kdI/AAAAAAAAk5Q/RznaYOHXvsU/s400/ak_010.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Las Cosas que Me Dices<br />
2010</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/Hl-LcctdVitrvYwGuKALeNMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh5.googleusercontent.com/-ujBBg8zbbt4/TfxJuiy6RBI/AAAAAAAAk5Y/cUP8Gbb-Fpk/s400/ak_015.jpg" width="229" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Idilio<br />
2011</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/NRB3Ktf_zb9-SrYZS__7EdMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.googleusercontent.com/-55Nf3DFgP8U/Vxf3BO-4amI/AAAAAAAAsM4/WC-7q9C8qAQ-5NK3xqAn4DiYhRYF_AZIQCCo/s400/Composition_II.jpg" width="305" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Composición II<br />
2012</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/u_HxmV8aoPnclWcWUT6XO9MTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="400" src="https://lh3.googleusercontent.com/-5F5uludJHWw/Vxf3RC-CXpI/AAAAAAAAsNI/ogKg0pGOHuYai8dYpMl2SY99fKovY-_GgCCo/s400/Composition_III.jpg" width="304" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Composición III<br />
2012</td></tr>
</tbody></table><br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/iTsHrxZNFX2AeTOW3XWmqdMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="298" src="https://lh3.googleusercontent.com/-0iNurGmSyew/T78x7lzlr3I/AAAAAAAAYiM/SUejL_cmChY/s400/Credo.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Credo<br />
2012</td></tr>
</tbody></table><br />
<br />
<span style="color: #b6d7a8;"><b>Expresiones en Copacabana</b></span><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/E5LHvWuPPUNlvIFvLlcindMTjNZETYmyPJy0liipFm0?feat=embedwebsite"><img height="303" src="https://lh3.googleusercontent.com/-oJSOmYLXhcQ/V1WjjrwIRaI/AAAAAAAAue4/VBOW2AAPokkfqI-OmqS2f_vo-MDw6864wCCo/s800/Copacabana_1.jpg" width="425" /></a><br />
<a href="http://akermariano.blogspot.com/2016/06/alcazar.html">Espacio Alcázar</a><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="340" marginheight="0" marginwidth="0" scrolling="no" src="//www.slideshare.net/slideshow/embed_code/key/wtqb1fH1eAnVPh" style="border-width: 1px; border: 1px solid #ccc; margin-bottom: 5px; max-width: 100%;" width="425"> </iframe> <br />
<div style="margin-bottom: 5px;"><a href="https://www.slideshare.net/akermariano/expresses-em-copacabana" target="_blank" title="Expressões em Copacabana">Catálogo</a></div><br />
<a href="https://3.bp.blogspot.com/-qEYet5XCzfA/V1LTAGcuSDI/AAAAAAAAucg/g25B7X2v9hktr6Jzb4WsFk9UbBeNPg9DACLcB/s1600/LM.jpg"><img border="0" height="395" src="https://3.bp.blogspot.com/-qEYet5XCzfA/V1LTAGcuSDI/AAAAAAAAucg/g25B7X2v9hktr6Jzb4WsFk9UbBeNPg9DACLcB/s400/LM.jpg" width="425" /></a><br />
<a href="http://mariano-akerman.blogspot.com/2016/06/expresiones-en-copacabana.html" target="_blank">Ideario artístico</a><br />
<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoXU4t9UW0X6V5GZQ7gSGTJGEum6Kdi_W-_cs43YZiu2GsrN1AIlHaG4FCtO6THsmavu8rla5Y3vqfOtztiKZjM-zfDDHC_CBTyI7U3Rm_4dQrWSHPY0PJGxgsFcT2Dzl2hJeeRSu8Yqc/s1600/alegria_de_viver.JPG"><img border="0" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoXU4t9UW0X6V5GZQ7gSGTJGEum6Kdi_W-_cs43YZiu2GsrN1AIlHaG4FCtO6THsmavu8rla5Y3vqfOtztiKZjM-zfDDHC_CBTyI7U3Rm_4dQrWSHPY0PJGxgsFcT2Dzl2hJeeRSu8Yqc/s640/alegria_de_viver.JPG" width="425" /></a><br />
<a href="http://akermariano.blogspot.com/2016/04/cariocalandia.html">Alegría de Vivir en Copacabana</a>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com36tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-18332915537096876172016-05-27T08:17:00.000-03:002016-07-21T08:42:53.349-03:00Un perfil grotesco<br />
<span style="font-size: small;">Por Ro Melancolida - <i><a href="http://colission.com/diseno-y-artes-visuales/un-perfil-grotesco" target="_blank">Colission</a></i>, 26.1.2011</span><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/9Nt2f13nQYSGXvavDwyBUc9EHaJO0nTuwutOuB_MvUY?feat=embedwebsite"><img height="320" src="https://lh3.googleusercontent.com/-6n1vnm1LQ9E/V5Ct89g3g6I/AAAAAAAAuw8/b7I-Ztfcpe4kAvcOVc3ZO-kpY05bEJEzwCCo/s400/Kafka_Metamorfosis.jpg" width="400" /></a><br />
<span style="font-size: small;">Franz Kafka: <i>La metamorfosis</i></span><br />
<br />
¿Qué es lo primero que se te viene a la cabeza cuando te dicen la palabra “grotesco”? ¿Piensas en vomito, la abuela de tu amigo en ropa interior o cuando tu gata dio a luz a sus crias? ¿Qué se puede considerar grotesco?<br />
<br />
En este post responderemos esa pregunta desde un enfoque artístico. Podemos empezar con algunas palabras recurrentes en la descripción de este concepto:<br />
<br />
Fantástico<br />
Irreal/Real<br />
Insólito<br />
Antinatural<br />
Extraño<br />
<br />
Se puede describir como lo irreal creado con materiales reales y vuelve inconsistente lo que parecía familiar y sólido. Puede darse en escenarios distintos: Sobrenatural (paraíso/infierno) dónde la realidad se pierde como un sueño. O en un escenario real sin alteraciones hasta que un hecho fantástico y extraño sucede destruyendo el orden normal y habitual.<br />
<br />
La categoría de lo grotesco nunca conto con la aprobación de la estética clasicista que hacia girar el universo estético en torno a lo bello. Fue condenada como “pintarrajear los muros con monstruos en lugar pintar imágenes claras del mundo de los objetos”<br />
<br />
Lo grotesco aparece una y otra vez en la literatura y el arte, como lo prueban los ornamentos grotescos de Rafael en las galerías del Vaticano; la pintura de el Bosco y Pieter Bruegel, El viejo; la “Comedia del arte” en Italia y las estampas de Jacques Callot de sus representaciones; las comedias de Moliere, la novela prerrománica de Sterne, Vida y opiniones de Tristán Shandy; el Gargantúa y Pantagruel de Rebelais; la pintura negra y los aguafuerte de Goya …para encarnarse finalmente, de un modo ejemplar y ya más cerca de nuestro tiempo, en los cuentos de Hoffman, Edgar Allan Poe y Gogol. En tiempos más cercanos, lo grotesco se da, por ejemplo, en La metamorfosis de Kafka, la pintura surrealista de Salvador Dalí y las estampas de Kubin<br />
<br />
<b>Lo grotesco en El Bosco, Hoffmam, Poe y Gogol</b><br />
<br />
En el tríptico El jardín de las delicias de El bosco, en la parte izquierda, se representa la creación de Eva en el paraíso terrenal. Cristo, el creador, presenta a Eva con Adán. Seres extraños y fantásticos los acompañaban: rocas de formas geométricas, una palmera con una serpiente enroscada; un dragón de tres cabezas saliendo del estanque, una fuente de la vida con una media luna en lo alto y un disco que le sirve de base mostrando un ojo con una lechuza acurrucada, animales y plantas raros, etc.<br />
<br />
Todo esto se presenta con un realismo preciso y cargado de una simbología que tiene que ver con el cristianismo y la alquimia, pero su conjunto constituye un mundo extraño y absurdo, más por la extrañeza y antinaturalidad con que se presentan.<br />
<br />
La parte central del tríptico representa un conjunto de figuras desnudas, de ambos sexos, que se entregan a las delicias del amor carnal. Lo que nos interesa señalar no es tanto el desenfado con que se presenta este mundo de pecados y pecadores, así como los símbolos asociados a las figuras animales, vegetales o animales, sino la audacia al mezclar en esta presentación lo más heterogéneo.<br />
<br />
En los cuentos de Hoffman se conjugan el terror y lo maravilloso, la burla y la maldición, lo angelical y lo diabólico. Es por ello un mundo raro, desorganizado, fantástico y antinatural. Un mundo en el que lo misterioso se impone a lo claro. O como dice Hoffman “El hombre prefiere el peor de los temores a la explicación natural de aquello que, en su opinión, pertenece al mundo de los fantasmas; a ningún precio quiere satisfacerse con nuestro universo; desea ver algo que dependa de otro mundo, capaz de mantenerse sin mediación del cuerpo”<br />
<br />
En el cuento de Edgar Allan Poe La Máscara de la muerte roja (1842), al descubrir las salas que un príncipe italiano a mandado construir en una abadía a la que se ha retirado por temor a la peste, encontramos algunos elementos que nos permitirán acercarnos a una definición de lo grotesco:<br />
<br />
“Eran verdaderamente grotesca. Había mucho brillo y esplendor y mordacidad y cosas fantásticas…había figuras arabescas con los miembros torcidos y posiciones torcidas. Había engendros de delirio como se los imagina un loco. Había muchas cosas hermosas y no pocas capaces de provocar nauseas. En efecto en las siete salas deambulaban de acá para allá una enjambre de sueños. Y ellos –los sueños- se retorcían entrando y saliendo y adoptaban su color al de las salas y hacían parecer la música salvaje de la orquesta como si fuera el eco de sus pasos”<br />
<br />
La descripción de un objeto real –las salas de una abadía- se hace aquí con los elementos más irreales y fantásticos. Y en esta mezcla y confución de lo fantástico, lo bello y lo repulsivo, lo que se describe no puede ser más antinatural, arbitrario y extraño.<br />
<br />
Veamos ahora lo grotesco con una nueva faz: como parte de la realidad y mostrandose, por tanto con una envoltura realista. Es lo que hallamos en el cuento de Nikolai Gogol, La Nariz. La narración de Gogol no puede ser más realista, pero lo que se narra es algo fantástico, completamente irreal: La pérdida, búsqueda y recuperación de una nariz. Todo ello por extraño, por incomprensible, es inconsebible para el propio autor.<br />
<br />
“Por aquello del decoro, Iván Yákovlevich endosó su frac encima del camisón de dormir, se sentó a la mesa provisto de sal y dos cebollas, empuñó un cuchillo y se puso a cortar el panecillo con aire solemne. Cuando lo hubo cortado en dos se fijó en una de las mitades y, muy sorprendido, descubrió un cuerpo blanquecino entre la miga. Iván Yákovlevich lo tanteó con cuidado, valiéndose del cuchillo, y lo palpó. «¡Está duro! -se dijo para sus adentros-. ¿Qué podrá ser?»<br />
<br />
Metió dos dedos y sacó… ¡una nariz! Iván Yákovlevich estaba pasmado. Se restregó los ojos, volvió a palpar aquel objeto: nada, que era una nariz. ¡Una nariz! Y, además, parecía ser la de algún conocido. El horror se pintó en el rostro de Iván Yákovlevich. Sin embargo, aquel horror no era nada, comparado con la indignación que se adueñó de su esposa.<br />
<br />
-¿Dónde has cortado esa nariz, so fiera? -gritó con ira-. ¡Bribón! ¡Borracho! Yo misma daré parte de ti a la policía. ¡Habrase visto, el bribón! Claro, así he oído yo quejarse ya a tres parroquianos. Dicen que, cuando los afeitas, les pegas tales tirones de narices que ni saben cómo no te quedas con ellas entre los dedos.<br />
<br />
Mientras tanto, Iván Yákovlevich parecía más muerto que vivo. Acababa de darse cuenta de que aquella nariz era nada menos que la del asesor colegiado Kovaliov, a quien afeitaba los miércoles y los domingos.”<br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/pw1WYNDmLJKIVn8u4mWlUQsS6q_KNejJkAk41YZh18M?feat=embedwebsite"><img height="640" src="https://lh3.googleusercontent.com/-w8Hr6712cHo/V5CwvdddjnI/AAAAAAAAuxg/Pf_LKRvgJXAeHMWLuhx2vDh4rEIKlB5BgCCo/s640/Gogol_La_Nariz_y_otros_cuentos.jpg" width="414" /></a><br />
<span style="font-size: small;">Nicolai Gogol, <i>La nariz y otros cuentos</i>, Obsidiana Press</span>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-72936851555045751692016-05-05T10:44:00.003-03:002016-05-05T11:09:25.973-03:00Self-Contradiction<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/ncIFUt3YEhtqPWuaffsWZlxbT3STB6BSybgy4Ivqkxc?feat=embedwebsite" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img height="373" src="https://lh3.googleusercontent.com/-vMJmjlmpFV8/VytCmXYcogI/AAAAAAAAuFM/5krljGcjraYrw1_9uOJWBWUmLBB0AAQfwCCo/s800/Greatest_Self_Contradiction.png" width="425" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><b>Greatest Self-Contradiction</b><br />
by Edel Rodriguez</td></tr>
</tbody></table>
<br />
Michael Kruse and Noah Weiland<br />
<a href="http://www.politico.com/magazine/story/2016/05/donald-trump-2016-contradictions-213869#ixzz47myNpuY6">Donald Trump’s Greatest Self-Contradictions</a><br />
The many, many, MANY sides of the likely Republican nominee, in his own words<br />
Politico Magazine<br />
5 May 2016<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Donald Trump likes to say that he “tells it like it is," and his blunt style has won him the Republican nomination, buoyed by voters who like feeling they know just where a candidate stands on the issues. So where does he stand? Over the past four decades Trump has talked about every imaginable subject: gun rights to germs, the nature of competition to pre-nuptial agreements, love and sex, self-promotion and politics. And on every one of those topics, he has taken positions that directly contradict exactly what he has previously said.<br />
<br />
"It’s always good to do things nice and complicated so that nobody can figure it out."(<i>The New Yorker</i>, May 19, 1997)<br />
<br />
"The simplest approach is often the most effective." (<i>Trump: The Art of the Deal</i>, 1987)<br />
<br />
"I like (and dislike) all sorts of people—winners, losers, and those in the middle!" (<i>Trump: Think Like a Billionaire</i>, 2004)<br />
<br />
"The world is a vicious and brutal place. We think we’re civilized. In truth, it’s a cruel world and people are ruthless. They act nice to your face, but underneath they’re out to kill you. … Even your friends are out to get you: they want your job, they want your house, they want your money, they want your wife, and they even want your dog. Those are your friends; your enemies are even worse!" (<i>Trump: Think Big</i>, 2007)<br />
<br />
"You never want people to think you’re a loser or a schlepper, but it’s not a good idea if they think you’re the smartest guy in the room, either." (<i>Trump: Think Like a Billionaire</i>, 2004)<br />
<br />
"I’m a thinker, and I have been a thinker. … I’m a very deep thinker." (Palm Beach, Florida, March 11, 2016)<br />
<br />
"The day I realized it can be smart to be shallow was, for me, a deep experience." (<i>Trump: Think Like a Billionaire</i>, 2004)<br />
<br />
"Don’t worry about actively promoting yourself." (<i>Trump: Think Like a Billionaire</i>, 2004)<br />
<br />
"Let people know what you’ve done. What good is it if no one knows about it? You’ve gotta be a promoter." (<i>New York Magazine</i>, December 24, 1984)<br />
<br />
"I don’t think there are two Donald Trumps. I think there’s one Donald Trump." (Palm Beach, Florida, March 11, 2016)<br />
<br />
"I think there are two Donald Trumps." (Palm Beach, Florida, March 11, 2016)<br />
<br />
"If two people dig each other, they dig each other." (Trump University “Trump Blog,” December 22, 2005).</div>
akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-31932553332066001012016-01-25T07:49:00.003-03:002016-01-25T10:46:17.199-03:00Las grotesquerías<span style="font-size: x-small;">por Mariano Akerman</span><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/dd18PEA1mbNw1Yp1Ft2K4BE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite"><img src="http://lh6.googleusercontent.com/_uxVnjqldHIE/TWDpJ4jqS2I/AAAAAAAAPpE/jEEQvhDocjs/s800/Geniol.jpg" /></a><br />
<br />
<b>1) Colecciones</b><br />
<br />
• Pinterest: The Grotesque Times<br />
https://es.pinterest.com/akermariano/the-grotesque-times/<br />
<br />
• Google Cultural Institute: The Grotesque <br />
https://www.google.com/culturalinstitute/user-gallery/6AKCT58T-kHnKQ<br />
https://www.google.com/culturalinstitute/user-gallery/the-grotesque-by-akermariano/6AKCT58T-kHnKQ<br />
<br />
• Rijksstudio: Akermariano<br />
https://www.rijksmuseum.nl/en/rijksstudio/143835--akermariano/collections<br />
<br />
<b>2) Antología</b><br />
<br />
• The Grotesque and Its Relatives<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2010/10/books-grotesque.html<br />
<br />
• Medieval Imagination<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2012/09/medieval-imagination.html<br />
<br />
• Kayser plus Bakhtin<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2012/09/kayser-plus-bakhtin.html<br />
<br />
• Thomson<br />
http://davidlavery.net/grotesque/major_artists_theorists/theorists/thomson/thomson.html<br />
<br />
• Resources<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2009/03/resources.html<br />
<br />
• Grotesco Online<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2012/11/grotesco-online.html<br />
<br />
<b>3) Investigación</b><br />
<br />
• El factor grotesco<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2013/05/el-factor-grotesco.html<br />
<br />
• A la búsqueda del factor grotesco<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2013/05/buenavista.html<br />
<br />
• The Grotesque<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2011/02/grotesque.html<br />
<br />
• The Uncanny<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2010/12/uncanny.html<br />
<br />
• Lo familiar vuelto inquietante<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2011/02/lo-familiar-vuelto-inquietante.html<br />
<br />
• La grottesca<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2011/03/la-grottesca.html<br />
<br />
• Grotesques selon l'Encyclopédie Larousse<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2010/12/grotesques-larousse.html<br />
<br />
• La tradition des grotesques<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/tradition-des-grotesques.html<br />
<br />
• De monstruos prodigios y maravillas<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2011/08/1.html<br />
<br />
• Lo Fantástico<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2014/04/lo-fantastico.html<br />
<br />
• Maniérisme: rébellion mélancholique<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/gheeraert.html<br />
<br />
• L'écriture des grotesques<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2012/12/darriulat.html<br />
<br />
• <a href="http://im-akermariano.blogspot.com/2010/11/artistic-imagination.html">Artistic Imagination</a><br />
<br />
• The Grotesque in Twentieth-Century Art<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2009/11/grotesque-painting-20th-overview.html<br />
<br />
• Fases de lo Grotesco<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2014/05/fases-de-lo-grotesco.html<br />
<br />
• The Grotesque in Bacon's Paintings<br />
http://akermariano.blogspot.com/2009/02/francis-bacon-study-of-george-dyer-in.html<br />
<br />
• Lo Grotesco en las pinturas de Bacon<br />
http://fb-akermariano.blogspot.com/2012/02/grotesco-pinturas-bacon.html<br />
<br />
• Lo Grotesco en las pinturas instintivas de Bacon<br />
http://fb-akermariano.blogspot.com/2012/02/lo-grotesco-en-las-pinturas-instintivas.html<br />
<br />
• Ser y No Ser - UB Conferences<br />
http://fb-akermariano.blogspot.com/2011/07/ser-y-no-ser.html<br />
<br />
• Ser y No Ser - BAC Lecture<br />
http://akermariano.blogspot.com/2013/09/ser-y-no-ser.html<br />
<br />
• Bakhtin: The Body Grotesque<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2011/06/deja-vu.html<br />
<br />
• Media and the Grotesque<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2013/02/grotesque.html<br />
<br />
• Multiplica las sonrisas<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2011/02/geniol.html<br />
<br />
• Jugando con fuego<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2013/06/et-le-silence-se-fait.html<br />
<br />
• Transgressing the Boundaries<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/uk.html<br />
<br />
• As You like It<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2010/10/as-you-like-it.html<br />
<br />
• Yuka Yamaguchi<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2010/11/yuka-yamaguchi.html<br />
<br />
• Correlatividad en los Sueños de Pantagruel<br />
http://hola-akermariano.blogspot.com/2014/04/fabrizio-riccardi.html<br />
<br />
• Quiebre y Derrame<br />
http://hola-akermariano.blogspot.com/2015/08/quiebre-y-derrame.html<br />
<br />
4) Index<br />
<br />
• Artists & Entries<br />
http://im-akermariano.blogspot.com/2014/03/a.htmlakermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-65872069819430268792016-01-03T19:02:00.002-03:002016-01-03T19:48:25.872-03:00My Better Half<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQkeI9YnC91RNwi4_YGfL6sI7-AvIlGyMJPrkIdk8J7MYP92OzxhzesGeSl6cg9v3oBVp81k2KZXVhTG82A7-BKLxTExcCQO95yyuD1woBh8jnLPVy9O2Tzf0Vn-_WcocXLXgKlWuIkx4/s1600/my_better_half_1.jpg" imageanchor="1"><img border="0" height="425" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQkeI9YnC91RNwi4_YGfL6sI7-AvIlGyMJPrkIdk8J7MYP92OzxhzesGeSl6cg9v3oBVp81k2KZXVhTG82A7-BKLxTExcCQO95yyuD1woBh8jnLPVy9O2Tzf0Vn-_WcocXLXgKlWuIkx4/s640/my_better_half_1.jpg" width="425" /></a><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">Introducing A Little SANDarchy. Ephemeral Art — 1st Place: MY BETTER HALF. The team of David Ducharme (Winlaw, B.C.) and Marielle Heessels (Rijen, Netherlands) crafted a stunning sand statue of the Joker and Batman playing footsie with each other at the 33rd annual Canadian Open Sandsculpting Competition in Parksville, B.C., July 2015. "We got this idea because Batman and the Joker are two sides of the same coin — one cannot live without the other," Heessels told the <i>HuffPost</i> in an email. Sculpting competitors chosen from around the world based their piece on this year's theme of "Hero vs Villain".<br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/ZX4z6jYcNjJBV7eCSNFQ5BE0JWjpagpyW_ERI5mOQsM?feat=embedwebsite"><img height="623" src="https://lh3.googleusercontent.com/-xtnd_Pi10p4/Vomclp5shYI/AAAAAAAApWM/ue_qBpdTSSE/s800-Ic42/my_better_half.jpg" width="425" /></a><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/FYTCzJs29hicuOmi3VhM2VxbT3STB6BSybgy4Ivqkxc?feat=embedwebsite"><img height="268" src="https://lh3.googleusercontent.com/-dUrGBXHjV1Q/Vomed4XqyqI/AAAAAAAApWs/vntzQLmcwmQ/s800-Ic42/my_better_half_2.jpg" width="183" /></a></div><br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/uACufKgSmSWG8AnW5Q1c61xbT3STB6BSybgy4Ivqkxc?feat=embedwebsite"><img height="627" src="https://lh3.googleusercontent.com/-_VGm4WG85f4/VomefBp8cgI/AAAAAAAApW4/n95OG42bZh8/s800-Ic42/my_better_half_3.jpg" width="425" /></a><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/30MP5olocDCscYzrz2O7q1xbT3STB6BSybgy4Ivqkxc?feat=embedwebsite"><img height="557" src="https://lh3.googleusercontent.com/-iJK4DCBfrQY/VomegJ8xyMI/AAAAAAAApXA/IE6biUk7gaw/s800-Ic42/my_better_half_4.jpg" width="425" /></a><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/I38c_2NwcUdFhnBoBVzKpVxbT3STB6BSybgy4Ivqkxc?feat=embedwebsite"><img height="558" src="https://lh3.googleusercontent.com/-b0aGgceaEic/VomehPl19EI/AAAAAAAApXI/aVdkMujfljw/s800-Ic42/my_better_half_5.jpg" width="425" /></a><br />
<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/8QhPg1QgU25jqdUyJrxmOVxbT3STB6BSybgy4Ivqkxc?feat=embedwebsite"><img height="619" src="https://lh3.googleusercontent.com/-xCrtkzrlTXU/VomeiSlXoII/AAAAAAAApXQ/FRwIv01UIV0/s800-Ic42/my_better_half_6.jpg" width="425" /></a><br />
<br />
Rhianna Schmunk, <a href="http://www.huffingtonpost.ca/2015/07/21/batman-sand-sculpture_n_7836742.html">Batman Joker Sand Sculpture Wows Parksville Sandsculpting Competition</a>, <i>The Huffington Post British Columbia</i>, 21 July 2015.</div>akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6232444932851346045.post-40556027985859809202015-08-10T22:17:00.001-03:002015-08-14T17:35:55.684-03:00Nomad Patterns<br />
<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/aYB8MMbJCntIzbFFB2tDh8s6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="300" src="https://lh3.googleusercontent.com/-W6qHEMoTTDY/VclKj0-nJSI/AAAAAAAAmp4/cR1utf4ln1c/s400-Ic42/livia_marin.jpg" width="400" /></a><br />
<br />
Livia Marin, <i>Nomad Patterns</i> | <i>Patrones nómades</i>, 2009-2012 <br />
Eagle Gallery, London<br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/ERwMdNc9JQAVKFKEdVmlO8s6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="213" src="https://lh3.googleusercontent.com/-0WHgBLk_RZg/VclKj2fMHfI/AAAAAAAAmps/_3IVzQuo9Ok/s400-Ic42/livia_marin_1.jpg" width="400" /></a><br />
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<br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/xA1RVzcVd43omoZ0WPOpk8s6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="198" src="https://lh3.googleusercontent.com/-nw5O6TGzjug/VclKrKSuEuI/AAAAAAAAmq4/zgmtd1OoNkg/s400-Ic42/livia_marin_m3.jpg" width="400" /></a><br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/HPUXmOZti6vL3jqKUE1F58s6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="300" src="https://lh3.googleusercontent.com/-e0iqv1LZ72c/VclKkV4njfI/AAAAAAAAmqI/KyypAMcie0g/s400-Ic42/livia_marin_s.jpg" width="400" /></a><br />
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<a href="http://1.bp.blogspot.com/-dK2P-S7G6f0/VclQJ9RbeWI/AAAAAAAAmuo/34iuJe775mc/s1600/Cosas_Rotas.jpg" imageanchor="1"><img border="0" height="135" src="http://1.bp.blogspot.com/-dK2P-S7G6f0/VclQJ9RbeWI/AAAAAAAAmuo/34iuJe775mc/s400/Cosas_Rotas.jpg" width="400" /></a><br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/gmFwqzVAaB8e-Uni8rmk_Ms6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="267" src="https://lh3.googleusercontent.com/-jP6ne-2m8WY/VclKrWB4HtI/AAAAAAAAmrE/1gJmuMXwpzU/s400-Ic42/livia_marin_s3.jpg" width="400" /></a><br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/N4xgnUgb0AK7NWNpUrawo8s6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="300" src="https://lh3.googleusercontent.com/-bxph2xi9KF4/VclKkj_BGPI/AAAAAAAAmqU/mtFMqbJ4yvY/s800-Ic42/livia_marin_s4.jpg" width="400" /></a><br />
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<a href="https://picasaweb.google.com/lh/photo/DPGcU6FLJK3j29xmMw-VGMs6CLoup_9aWasRRltyTHo?feat=embedwebsite"><img height="202" src="https://lh3.googleusercontent.com/-PftoQoqCy2Y/VclKkqHFe2I/AAAAAAAAmqQ/7ehKeHhQBG4/s400-Ic42/livia_marin_s1.jpg" width="400" /></a><br />
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<b>Sources</b><br />
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<div style="text-align: justify;"><a href="http://liviamarin.com/">Livia Marin</a>. Artist's statement. Livia Marin is a London-based Chilean artist whose work has been characterized throughout by large-scale installations and the appropriation of mass-produced and mass-consumed objects. Her work was initially informed by the immediate social and political context of Chile in the 1990s that amounted to a transition from a profoundly overt disciplinary regime (given by seventeen years of dictatorship) to an economically disciplinary regime with a strongly developed neo-liberal economic agenda. She employs everyday objects to enquire into the nature of how we relate to material objects in an era dominated by standardization and global circulation. In this, the work seeks to offer a reflection on the relationship we develop with those often unseen objects that meet our daily needs. Central to the work is a trope of estrangement that works to reverse an excess of familiarity that commands the life of the everyday and the dictates of the marketplace.<br />
<br />
<a href="http://www3.uwm.edu/arts/inova/minimalism/maximinimalist/liviamarin/index.htm">Inova: The Object and Its Manifestation</a>, 2007<br />
Livia Marin. Artist Statement. Things make their Appearance. For a senior generation of progressive Chilean artists the grand narrative of their work was never in doubt. For those that came after by a generation or two the question has been more equivocal. How does one make art from the relatively banal facts of an everyday, no longer set against the backdrop of tragedy and loss: of torture and the disappeared? How does one engage with an audience in a consumerist global market place for art? These are the questions that situate the practice of my studio.<br />
If it is the role of the economist, the politician and others to consider questions of mass production, it is, perhaps, left to the artist – the artistic community – to consider and reflect on the question of mass consumption: to consider the ‘consumption' of art in a world where mass consumption has become hyper-aestheticised but equally passive: where the object is subsumed under the brand, falls under the sign of the brand, and is thereby incidental, disposable – at the very least, interchangeable. How then does an artist flag up the quidity of things in their thingyness? How does an artist create the unique that does not lose sight of the everyday that is our shared experience? Which is to say, how does an artist occupy and share a space with an audience on common terms and yet, withal, extends or heightens that experience?<br />
My work negotiates with these issues: neither to ignore them, nor to acquiesce to the economy of this marketplace, nor to parody that consumer market as a given of irresolvable difference. Yet my work does make play with the banal, the everyday, the serial production. Perhaps I can say: my work adopts the everyday when it has out-lasted its use value or its economic exchange value. That might be a starting point. Lipsticks when they have become useless stubs: disposable plastic cups, crumpled and discarded. And then there have been bottle tops and flowerpots and neglected things that no marketeer will ever make chic or sexy. There is the trace of humanity in these mere things: handled, then used up, close to exhaustion or extinction. Something of this sort of ‘mereness,' just the physical weight of things, was part of Minimalism's agenda. Their radical reduction of form, which broke with the mirroring of nature in artistic practice, left the viewer with only the narrative of a place: the “field,” as we have come to know it 1. It was as if we were thrown into a strange square world where the viewer was thrown back on his/her own resources. So then my work begins. I want to throw the viewer back into the world of the everyday: I want to present, aesthetically, the pathos of the everyday and thereby claim a certain freedom or detachment from that pathos: a different address to that pathos. <br />
I work as a sculptor. That is to say, I work within the formal discipline of manipulating objects in space. If a work succeeds it is because formal considerations have been translated into practical techniques for the manipulation of materials. My departure from traditional sculptural practice is in the materials that I use and the adaptation of existing techniques to the requirements of those materials. As we have seen, these materials are adopted from the everyday: not quite ready-mades, but something like. This in turn calls for a further departure from traditional practice that might best be thought of in terms of the difference between ‘field' and ‘perspective.' With a perspectival approach the viewer is assigned a point of view by the work itself: but it is an empty place, an ideal standpoint, without respect to who that viewer is as an individual . That perspectival point of view supposes understanding to reside in the work at the behest of the artist: in terms of its meaning, it presumes a single and one correct interpretation of the work. In a field we wander: we chose: we are “nomadic.” 2The work occurs, in that it occurs to us: it is left open, susceptible to, vulnerable to, the play of possibility in its engagement with the viewer.<br />
While I recognise that my work will inevitably be thought through discourses of ‘repetition' and ‘the serial,' my own intentions aim for something more humane, more sensual and immediate. Which brings me, finally, to an aspect of the work, El objeto y su manifestación , here at INOVA. A veil of inattention characterizes everyday life. This work seeks gradually to withdraw that veil. Here scale and the chromatic effect of the differing shade of white play their part. For what the viewer is first presented with is an overall ‘shimmer' rendering, for the moment, the individual objects indistinguishable. There is an immediate play on the senses. It is only after a further engagement in the ‘field' that the nature of the individual objects becomes apparent. Working in this way, I would like to think the work acts as a guide to meaning, interpretation, understanding and so forth rather than as the administrator of one received idea and in that way turns outwards again to the world we live in: to return a sense of value to the everyday.<br />
1 See Rosalind Krasuss' ‘Sculpture in the Expanded Field' in The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press:1986)<br />
2 See Gilles Deleuze, Diffrence and Repetition , pp.45-50, on “univocity” and “nomadic distribution” (Continuum: 2004).<br />
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<a href="http://www.itsnicethat.com/articles/2084-livia-marin-broken-things">It's Nice That</a>, 2009<br />
Hi Livia, your new show looks really interesting – can you tell us a little about what you do and why you’ve decided to exhibit the pieces you have?<br />
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I pursued an art career in Chile. I have exhibited widely both in Chile and abroad (Argentina, Brazil, Sweden, USA). I have lived and worked in London for five years and am currently completing a practiced led PhD programme at Goldsmiths College. Regarding my practice and this specific show, Broken Things, is a project I have been developing during the last two years and inquires into the issues of brokenness and recuperation. For the wall piece I’ve appropriated the museum style of restoration which pieces together existing fragments with blank sections to recover the full form of the original. The industrial production of mass-produced pottery used transfer printing for decoration.<br />
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The other works in the show somewhat parody this technique by a kind of slippage, which puts the integrity of the object in question. <br />
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The sculptures are all interpretations of everyday objects – what fascinates you about them?<br />
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In broader terms, in my artwork I use themes such as the serial, repetition and estrangement of what is familiar. In this sense I have a particular interest in the everyday, specifically in the material objects that give shape to it. What fascinates me about everyday objects are the traces of humanity that are lodged in them and which it is possible to bring to the fore in art. These traces embrace both their processes of making or construction and the daily use-relationship we establish with them.<br />
<br />
In this particular show, the figure of something broken is what hinges that relationship: when something breaks it goes out of use, it can be discarded, but it might enter a new phase of signification if its owner has a strong attachment to it. It’s that moment of decision or indecision that interests me and that I try to recreate by building the object as an ambiguous figure. Within this, it is important that I have worked with mass-produced, non-noble objects, whereby things that were not important in the first place achieve a value or significance by the attachments that people form with them.<br />
<br />
How do you go about making each piece? Do you use existing objects or start from scratch?<br />
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I do both. For some pieces I build them from scratch, and others I start from alerting already existing objects. For example, the piece that it is formed by a series of broken cups, bowls and the like is a combination of both methods: the broken objects that we can recognise, are actual objects that you can get from the market, and the, so to speak, formless part of the object which is attached to it I have made from scratch. For the applied decoration I have used a number of techniques, running from silkscreen, transfer-printings, and commercially available patterns that I re-work digitally. For some objects I have repeated the existing pattern, and for others I have decorated both parts from scratch.<br />
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<a href="http://www.artishock.cl/2012/11/06/objeto-cotidiano-repeticion-y-extraneza-conferencia-de-livia-marin/">Artishock</a>, 6.11.2012<br />
La artista chilena residente en Londres, Livia Marín, ofrece hoy una conferencia que provee un recorrido visual y analítico en torno a los conceptos de repetición y extrañeza ligados al uso de objetos cotidianos en trabajos de arte, y que particularmente han caracterizado su práctica artística. La artista define su obra, a grandes rasgos, como una inquietud de transformar objetos producidos en masa con el objetivo de indagar en cómo nos relacionamos con lo material en una era dominada por la estandarización, el consumo y la circulación global. A través de una descripción y análisis de su propio trabajo, Marín dará cuenta de cómo su obra busca revertir el exceso de familiaridad que caracteriza tanto la vida del día a día como los dictados del mercado.<br />
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Christopher Jobson, Melting Ceramics by Livia Marin, <a href="http://www.thisiscolossal.com/2013/07/melting-ceramics-by-livia-marin/">thisiscolossal</a>, 17 July 2013<br />
When dropping a ceramic plate or cup we’ve all braced for the familiar sound of impact as the object explodes into a multitude of sharp fragments on the kitchen floor. Artist Livia Marin imagines a wholly different demise for ceramic bowls, cups and tea pots in this series of work titled Nomad Patterns.<br />
Inexplicably, each piece seems to melt onto a surface while strangely retaining its original printed pattern. The designs are actually a Willow Pattern motif, a pastiche of Chinese landscape decoration created by an English man in the 1790s “as if” it were Chinese. She adds via email that the objects “appear as staged somehow indeterminately between something that is about to collapse or has just been restored; between things that have been invested with the attention of care but also have the appearance of a ruin.” The 32 objects were on view at Eagle Gallery in London in 2012.<br />
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<a href="http://blog.gessato.com/2013/07/23/nomad-patterns-melting-ceramics-by-livia-marin/">gessato</a>, 7.2013<br />
In the advent of summer’s heat wave, ice cream isn’t the only thing that is melting. Artist Livia Marin explores the transformation from solid to liquid in Melting Ceramics. The cold fragile pieces are shown in mid-transition, as puddles of white porcelain decorated with Willow patterns in classic blue and burgundy details. The appearance of ruin creates a new opportunity for creation, as Marin is able to highlight the formal qualities and interiors of the ceramics by “melting away” some of each piece. The collection of bowls, cups, and tea pots in their hybrid state are fascinating in their construction and their purported liquidity.<br />
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<a href="http://paulsartworld.blogspot.com/2013/12/weight-for-showing-draft-text.html">paulasworld</a>, 12.2013<br />
Livia Marin presents objects from the series Nomad Patterns, in which the ceramic seems to have been arrested mid-melt, or knocked over only to spill instead of breaking, and then retained an improbable continuity of pastiche Chinese pattern. That poses questions of literal and metaphysical weight. Is that china or water? A destruction or a restoration? Casually playful or threatening instability? Our judgement is likely to be affected if we know that much of Marin’s work deals with breakage and repair in the context of seventeen years of oppressive dictatorship in her home country of Chile… Technically, by the way, Marin buys plain white vessels, smashes them, creates the spill, then paints the matching pattern across both.<br />
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<a href="http://freshome.com/2014/02/08/strange-art-collection-nomad-patterns-livia-marin/">freshome, 2.2014</a><br />
Nomad Patterns is a strange art collection designed by Chilean artist Livia Marin. It consists of pieces of ceramic: cups, vases and teapots – to be more specific, that melt into puddles, yet retain the original printed patterns. At the first glance, it seems a pure expression of destruction. Something like an act of dissolving a complex and unitary artwork. Naturally, after a brief analysis, one gets to understand the true significance of the alluring gesture of “damaging” the objects. The artist wanted to show that broken china can be beautiful and well, useful. The peculiar liquification defines the elaborate design.<br />
Now, imagine having such an item decorating your home. To me, this feels a little bit like an ambiguous “Alice in Wonderland” reinterpreted scene. “The objects appear as staged somehow indeterminately between something that is about to collapse or has just been restored; between things that have been invested with the attention of care but also have the appearance of a ruin.” The collection, comprising 32 items, was exhibited at Eagle Gallery in London.</div><br />
<b>Resources</b><br />
• <a href="http://liviamarin.com/">Livia Marin</a><br />
• <a href="http://hola-akermariano.blogspot.com/2015/08/quiebre-y-derrame.html">Quiebre y Derrame</a><br />
• <a href="http://www.thisiscolossal.com/2013/07/melting-ceramics-by-livia-marin/">Thisiscolossal</a><br />
• <a href="http://houseofpropellers.com/docs/livia_marin.html">House of Propellers</a><br />
• <a href="http://www.itsnicethat.com/articles/2084-livia-marin-broken-things">It's Nice that</a><br />
• <a href="http://liviamarin.com/portfolio/nature-morte/">Nature Morte 2010</a> akermarianohttp://www.blogger.com/profile/16604434704542107074noreply@blogger.com0