Long Life to Death

In the Spanish language, viva la muerte is an expression of the both-and phenomenon in communication. For it means both the exclamation "long life to death!" and an equivocal idea, "live death!," meaning "feel it" or "die," or even "death is alive."

1. A 2008 creation by Julia deVille from New Zealand

Curiosity killed the cat.[1] Satisfaction brought it back.[2]


In a conversation with Peter Beard in 1975, Francis Bacon notes that discarded newspapers changing colour in the sunlight, bones and carcasses that have been in the sea or sun for a long time, gradually change into other things. There is a kind of beauty in that—a kind of magic.[3]

The magic to which Bacon vaguely refers is the deterioration and subsequent decomposition of organic matter.[4]

Unlike Bacon, who along his long career evoked that which once had been but no longer was, Julia deVille recovers that which was so that in a way will keep on being.

With this idea in mind, DeVille studies and practices the techniques of jewelers and taxidermists. Her creations frequently are the result of having combined both.

2. Four works by Julia deVille, showing a strange mixture of taxidermy and jewelry

Julia deVille’s work communicates a fascination with death and the solemn rites usually associated with it. The traditional theme of vanitas or the nineteenth-century funerary aesthetics are in this case important sources of inspiration.

DeVille explains that her output as a whole is like a memento mori, a reminder of the limited and transitory character of our lives. Thus, the artist uses elements and symbols having to do with death, because she believes it’s important to accept that sooner or later all of us are going to die. DeVille intends to provide her own answer to the fact that “our culture obsesses us with planning the future, but in doing so, we forget to enjoy the present.”[5]

Throughout her work, DeVille defies us to face such a reality and in some way also denounces the hypocrisy of society and its permanent destruction of animal life. A proof of the artist opposition to the latter is her deliberate use of “animals that only have died of natural causes.”[6]

Paradoxically, DeVille regards her creations based on dead matter are “a celebration of life, a preservation of something beautiful.”[7]

Aesthetically, Julia deVille has something in common with Francis Bacon. Like her surprising predecessor, she also detects some kind of magic and beauty in the bones and bodies of animals that are not alive anymore. Consistent with her artistic goals and somehow disquieting aesthetical principles, Cineraria is the title of the macabre solo exhibit of Julia deVille in the Sophie Gannon Gallery of Melbourne, Australia (July-August 2009).[8]

3. A view of Cineraria, the recent show held by Julia deVille in Melbourne – A complete cabinet of curiosities.

Heterogeneity characterizes the show, which includes dead beasts, funerary urns, Corinthian columns, feathers, necklaces, glass domes, skeletons, ornaments made in precious metals, eggs of considerable size, lace, glass eyes and some ruby hearts.

With its exquisitely suggestive character, the exhibit proves to be very interesting and hair-raising as well. Above all, it surprises and opens the valves of imagination. Despite the artist’s declarations, the ultimate raison d’être of Cineraria remains, at least in part, uncertain and equivocal. Karen Thompson aptly observes the exhibit awakes one’s curiosity and that it’s fascinating, but also a bit scary too [Figs. 1-2, 6, 9-10, 12, 14].[9]

4. Executed in a precious metal and recalling a crow, Silver Rook displays an admirable bone structure.

5. The skeleton of the bird contains an unexpected heart of rubies.

Such mixed emotions and feelings can be linked to a certain grotesqueness in the artworks. Indeed, the Grotesque is an aesthetical phenomenon, with a long tradition in the visual arts. Importantly, it explodes all conventional categories and disorients the spectator. Symptomatically, Victoria Mason writes of having no words to describe Julia deVille’s style,[10] one in which various incompatible elements coexist.

Visitors admire the “magical” nature of the artworks, describing them as delicate, but also disturbing.[11] An example of this is Stillborn Angel (2009), with is movingly macabre fetal position and sparrow wings.

6. DeVille, Stillborn Angel – at once macabre and moving.

Some criticism has also been expressed concerning the [perhaps] too great diversity of materials, forms and ideas present in Cineraria, not to forget the suggestion that in the future the artist should simplify the whole thing. Marcus Bunyan quotes (in capital letters) a well-known slogan by Mies van der Rohe: “less is more.”[12] But he seems to have forgotten Robert Venturi's powerful antidote to it, “less is a bore.”[13]

The artwork of Julia deVille is rich, complex and even contradictory. As a show, Cineraria has unity in its diversity and also recalls a long tradition of Baroque vanities and Victorian funerary rituals (to which deVille herself often refers).

If Julia deVille’s work conveys something a bit truculent, this is due mostly to her broad knowledge on the topic she deals with, and so eloquently, not to mention its symbols and connotations, which she knows by heart.[14]

Memento mori, ars moriendi, rigor mortis - all of them emerge in one way or another in the macabre creations of Julia deVille.

Even in Disce mori, her official website suggesting us to Learn to Die, the artist introduces her jewelry and other bizarre accessories with the help of exquisite Baroque coming from the above-mentioned vanitas tradition and its insistence on the brevity of life and the unavoidable triumph of death.

7. Michel Mosyn of Amsterdam, Cartouche in auricular style (Ohrmuschelstil or Kwabornament, Holland, seventeenth century), with an inscription added by DeVille (Disce Mori, 21.9.2009).

Such cartouches are compatible with the nature of Julia de deVille’s work: both of them are persuasive in its forms and grotesque insinuations.

Cineraria captures the attention of the public. So Leydeej, for example, appreciates the delicate, attractive appearance of each animal included in the show and prizes the DeVille’s respectful modus operandi involving a combination beauty and grace.[15]

However, there is sometimes something unsettling and even disturbing in some of the pieces DeVille exhibits. Yet, this is often counterbalanced by playfulness and humor.

8. DeVille, Infant Funerary Urn, 2009 – Existing for a second

In this context, it is important not confusing the artist’s intentions and the effect her artwork has on us.

DeVille may have a lot of respect concerning the dead beasts she works with, but this does not necessarily neutralizes the fact that some of her pieces can engender mixed responses in the viewer.

Playful and malicious are the words DeVille uses to describe her own work, to which she refers as "peacefully dark."[16]

Bacon comments that today all art has become a game with which artists entertain themselves, until death arrives. In Julia deVille's case, it is clear that does play with the Big Certainty Itself, which is Death.

Elegant and solemn, Cineraria suggests the monstrous. That is, the monstrosity of knowing that one day all of us will be dead.

Having maybe found inspiration in the poetry of Charles Baudelaire,[17] DeVille persistently invites us to explore the aesthetical possibilities offered by organic matter which is no longer alive.

9. Twentieth-first century unsettling taxidermy - Anatomy of a Rabbit, 2008

In Anatomy of a Rabbit, DeVille's "favourite" piece,[18] the upper part of the rodent’s trunk seems to have been amputated brutally. The beauty of the animal’s fur is all of a sudden interrupted to display pitilessly some bones, preciously executed in silver. From the mixture of taxidermy and jewelry emerges then a sinister figure. The rabbit looks alive, although it is as if it has escaped its own vivisection.

Right below the rabbit's head, and precisely where its throat once was, the ribcage now contains a ruby heart. Somehow it seems to have got stucked there.

10. Detail from Anatomy of a Rabbit – "the only safe thing to us is insecurity" (Ortega y Gasset).

Carrying her aesthetics from the macabre towards the Grotesque, Julia deVille is adamant in transforming dead matter into accessories of personal embellishment. For that purpose, she may use a whole bird and a bone, or a featherless chick, or just a few bones.

11. Delicate - Sparrow Brooch

12. Bird Pin

13. Bones and silver - Ring of Bones is a refined piece inspired by Bacon’s Three Studies for a Crucifixion of 1962 (right-hand panel), which is preserved in The Solomon R. Guggenheim Museum of New York.

The fur of the once majestic Malayan tiger has today been substituted by that of some cat, possibly found dead in the neighborhood.

14. Because of its size, Cat Rug (2008) may be, among other things, an ideal bathroom mat.

Often black is the beauty of Julia deVille’s works, as can be corroborated in the equine skull or the amazing egg with three legs.

15. Superb necrophilia - Black Beauty (2008) is a artwork to those who indulge themselves in Saturday night fetishism.

16. Cinerarium - A masterpiece made of Jarrah wood and sterling silver

Cinerarium is also a magnificent memento mori. In a minimalist and effective way, it reminds the viewer of the simple fact that one is born to die.

With Cinerarium, the egg-shaped object becomes a funerary urn for keeping uncertain ashes.[19] Grotesquely, the archetypal form of life acquires its opposite meaning and becomes a receptacle of death.

A double-silence, Cinerarium is the prima donna of the show, or, to recall Celan, the black milk that solemnly and systematically DeVille provides us with.

It is with works like this sophisticated receptacle, made of Jarrah wood and silver sterling, that DeVille celebrates life, in grotesque terms though.

From the information so far provided by DeVille and her followers online, it is hard to establish whether Cinerarium holds ashes or not. Were ashes in it, their nature would not be evident either: should they be the ashes of a cremated human being or the leftovers of some carbonized omelet?

It is almost impossible to know. But Cinerarium is a hermetic grotesque in its own right.

On Cinerarium, DeVille depicted a legend in silver hues. It looks like a curly band, but it has no inscription whatsoever. This cannot but open the valves of one’s imagination. Yet, it is impossible to determine the origin of the ashes tha are or will be inside the black urn, which now becomes ominous and disquieting.

Contradictory in this macabre creation is the dialogue DeVille establishes between the real convexity of the eggshell and the illusory depth of the band in silver painted on it.

This work in particular is an outstanding visual paradox. Having no inscription, the legend of Cinerarium proclaims nothing univocal, except from Death.

Unlike the Baroque Juan de Orozco y Covarrubias, contemporay Julia DeVille doesn't need to write any “QVOTIDIE MORIMVR” on the band to remind us that “En la vida está la muerte” (There is death in life).[20] Cinerarium subtly conveys this and with no words at all.

With Cinerarium and her Claw Brooches, DeVille convincingly demonstrates that she is well aware of the fact that less is more.[21]

17. Claw Brooch with Pearl – A unique taste for funerary minimalism

The rose, the beautiful rose, as Bacon liked to comment, is a dying thing.[22]

Throughout her macabre configurations, Julia deVille recalls Bacon's observation, with grace.

18. Claw Brooch with Rose – somewhere between redundancy and variation, it's still admirably minimalist

“Vanity of vanities, all is vanity” (Ecclesiastes 1:2).[23] Cineraria is an extraordinary show. With pomp and ambiguity, it proclaims " Long life to Death ! "
......................................................Mariano Akerman

19. Cineraria – An admirable variety of funerary urns, 2009

Notes and references
1. Curiosity killed the cat reminds us that being too curious can be dangerous: cats are curious animals and like to investigate, but their curiosity can lead them to places where they might get hurt (GoEnglish.com Idioms, retrieved 25.9.2009).
2. The Coe College Cosmos, Iowa, February 1933 (Gary Martin, The Phrase Finder, 1996).
3. Bacon, interview with Peter Beard, edited by Henry Geldzahler (New York, Metropolitan Museum of Art, Francis Bacon, Recent Paintings, March-June 1975).
4. Mariano Akerman, The Grotesque in Francis Bacon’s Paintings, 1999, pp. 14-15.
5. Julia deVille, “Artist’s Statement,” declaration published in her official website, Disce mori, retrieved 23.9.2009. According to her, the title of that website has been inspired by the inscription of a sixteenth-century piece of jewlery.
6. Ibid.: “I feel strongly about the fair and just treatment of animals and to accentuate this point I only use animals that have died of natural causes.” The artist picks up the dead bodies of birds and mice that can be found in the area she lives; she later treats them so they can be incorporated in her work.
7. Ibid.: “I consider my taxidermy to be a celebration of life, a preservation of something beautiful.”
8. Cineraria means in Latin any group or collection of funerary urns. Cinerarium is the receptacle in which are kept the ashes of a cremated corpse.
9. Karen Thompson, “Julia deVille ‘Cineraria’ at Sophie Gannon Gallery,” Melbourne Jeweller, 3.8.2009
10. “I really don't have words to describe her style but it's beautiful & (for a brief moment) sad & respectful all at once.” Victoria Mason, “I have a total art-crush,” Earl & Cookie, 30.7.2009.
11. Marcus Bunyan, “Review: ‘Cineraria’ by Julia deVille at Sophie Gannon Gallery, Richmond, Melbourne,” Art Blart, Australia, 19.8.2009
12. Ibid.: “LESS IS MORE.” Talking about architecture, Van der Rohe used that maxim to give support to the so-called machine aesthetics. What he said has nothing to do with DeVille, who deals with art and organic aesthetics, facing the supreme challenge of death. The idea that less is more has its origin in Wieland, who included in the Teutsche Merkur in January 1774: „Und minder ist oft mehr.” The expression was used once again by Robert Browning in 1855: “Well, less is more, Lucrezia.” From this emerges that Bunyan is recommending DeVille no other than the quote of the quote of the quote (Bunyan quoting Van der Rohe, who was quoting Browning, who was quoting Wieland).
13. Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture, New York: The Museum of Modern Art, 1966, chap. 2: “less is a bore.”
14. In her notes, DeVille indicates that one of her aims of Cineraria is the study of the rituals and the feeling surrounding funerary traditions from various places and times: “CINERARIA is a study of the ritual and sentiment behind funerary customs from various cultures and eras” (Art Blart). See also Disce mori, Influential Periods: “Brief History of Memento mori and Victorian Mourning Jewellery.”
15. “As I looked around the exhibition I was fascinated by the glamorous and delicate appearance of each animal in the exhibition. It seems that even in death Ms deVille can give reverence, beauty and grace to the life that the animal led.” Laydeej, “Vintage Fur & Taxidermy,” A Square Peg and a Round Hole, 29.7.2009
16. "Interview with Julia DeVille," Australian Edge, 9.1.2009; my emphasis.
17. See, for instance, Baudelaire’s poem “Une charogne” (Les Fleurs du Mal, 1857-61).
18. "Interview with DeVille," Australian Edge, 9.1.2009
19. At least one of the egg-shaped urns executed by DeVille contains real ashes: Thodey Tomb serves to preserves the actual ashes of Albert and Jean Thodey (Melbourne, Craft Victoria Gallery, Julia deVille: Ossuarium, October-November 2008).
20. Juan de Orozco y Cobarruvias, Emblemas Morales, 1589. Emblem II, IX includes the expressions “QVOTIDIE MORIMVR” and “En la vida está la muerte” (We die everyday; there is death in life).
21. See supra, text and n.10
22. For a discussion, see The Grotesque in Francis Bacon’s Paintings, pp. 47, 126 (n. 49). In Bacon’s imagery, beauty and death go pretty frequently hand in hand. See his interviews with David Sylvester (1967-68) and Melvyn Bragg (film, 1985).
23. "Vanity of vanities" has its source in the book of Ecclesiastes (הֲבֵל הֲבָלִים, HeVeL HaVaLIM; commonly translated into Latin language as Vanitas vanitatum). The poetic expression conveys the idea that nothing lasts. Vanity (or illusion) refers to everything that is empty, inconsistent and transient. It is used to stress the fragility and briefness of all human life.

Photographic creditsDisce mori, figs. 1, 4-5, 7, 9, 10-14, 17-18; Sophie Gannon Gallery, figs. 6, 14; Acidolatte, fig. 2, 8, 15-16; Art Blart, figs. 3, 6; Melbourne Jeweller, fig. 19.

For further discussion
Akerman, Mariano. "Grotesqueness in the Triptych," Efimeronte, 25.1.2008
_____. "Double-Edged" (film, 1.4.2008; clip, 17.5.2008), Imaginarium, 20.3.2009
_____. "Double-Edged" (clip, 17.5.2008), Encyclopedia.com, retrieved 30.9.2009
_____. "SER Y NO SER," Enthusiastic Despair, 1.8.2009
_____. "The Grotesque in Bacon's Paintings" (1999-2009), Enthusiastic Despair, 20.2.2009
_____. "Foam of Feeling and Existential Wasteland," Enthusiastic Despair, 21.3.2009
_____. "Resources," Imaginarium, 20.3.2009

1. Thank you. Really wonderful! It is so nice to know that my ideas can be understood through my work. Best, Julia Delville
2. Dear Mariano, Thank you for writing this. It is truly touching to see you understand my work.
A bit of information that may be of interest: Cinerarium is actually made from Jarrah (a type of wood) and is mimicking an egg. The Infant Funerary Urn however, is a real ostrich egg with ostrich plumes - in Victorian times white ostrich plumes were often used for a child's funeral.
All urns open up to place ashes inside and then hermetically seal. Thanks again - I really enjoyed reading your interpretation. Julia
3. The set of images showing artwork relating to and actually using dead animals is predominantly disconcerting and visually abhorent though no doubt, extremely creative. I am not an admirer of it - but I thank you for sharing this with me, it has expanded my horizons as far as art is concerned. Babur Kamal
4. Tu artículo, magnífico; las obras de "Cruella" de Ville, muy refinadas y sutiles. Patéticas para mí. Cómo se nota que la vida, para ella, ha perdido su sentido. Te paso una de mi autoría: "mess is lore" (para seguir el juego de los Masters). Sigue así, mi querido!

About this document. Idea, research and design: Mariano Akerman - Original text published in Knol. Initial English version: 25.9.2009 - Updated: 30.11.2011


Viva la Muerte

Link to ENGLISH version - Long Life to Death

1. Expresiva - Creación macabra de la neozelandesa Julia deVille (Wellington, 1982- )

En una conversación mantenida con Peter Beard en 1975, Francis Bacon asegura que los periódicos de desecho que cambian de color a la luz del sol, los huesos y cuerpos de animales ya no vivos y que han estado en el mar o en la arena y bajo el sol por un buen tiempo, gradualmente se transforman en otras cosas. Hay una especie de belleza en ello, una especie de magia.[1]

La magia a la que Bacon con poética vaguedad se refiere, no es otra cosa que el deterioro y ulterior descomposición de la materia orgánica.[2]

A diferencia de Bacon, quien a lo largo de su larga carrera artística solía evocar aquello que fue pero que ya no era, Julia deVille recupera aquello que fue para que de alguna manera siga siendo.

Con tal propósito, DeVille estudia y practica los procedimientos de joyeros y taxidermistas. Sus creaciones a menudo son el resultado de la combinación de ambos.

2. Cuatro trabajos de Julia deVille - rara mezcla de taxidermia y joyería.

Hay en la obra de Julia deVille una fascinación con la muerte y los ritos solemnes que se asocian a ella. Así, el tradicional tema de vanitas o la estética mortuoria y funeraria decimonónica son en el caso de esta artista dos importantes fuentes de inspiración.

DeVille explica que su obra se asemeja a un memento mori por ser un recordatorio del carácter efímero y limitado de nuestra existencia. Emplea así elementos y símbolos que tienen que ver con la muerte dado que considera que es importante asumir el hecho de que todos moriremos algún día. DeVille intenta dar su propia respuesta al hecho que “nuestra cultura nos obsesiona planificando el futuro y, mientras hacemos esto, nos olvidamos de disfrutar el presente.”[3]

A través de su trabajo, DeVille nos obliga a confrontar tal realidad mientras de algún modo denuncia la hipocresía de la sociedad y su permanente destrucción de la vida animal. Una prueba de su singular resistencia es su deliberado empleo de “animales que sólo murieron por causas naturales.”[4]

Paradójicamente, DeVille considera que sus creaciones en orfebrería y taxidermia constituyen “un modo de celebrar la vida, una preservación de algo hermoso.”[5]

En términos estéticos, Julia deVille tiene bastante en común con Francis Bacon. Al igual que su desconcertante predecesor también ella detecta magia y belleza en los huesos y los cuerpos de animales ya no vivos.

De un modo consistente con sus objetivos artísticos y un tanto inquietantes principios estéticos, Cineraria es el título de la macabra exposición individual presentada por Julia deVille en la Sophie Gannon Gallery de Melbourne, Australia (julio y agosto de 2009).[6]

3. Wunderkammer. Vista de Cineraria, la reciente muestra de Julia deVille en Melbourne - todo un verdadero gabinete de curiosidades.

La heterogeneidad caracteriza la muestra, que incluye urnas funerarias, columnas corintias, plumas, campanas de vidrio, animales embalsamados, ornamentos en metales preciosos, esqueletos, cajas de habanos, huevos de tamaño considerable, encajes y puntillas, ojos de vidrio y rubíes engarzados en algún que otro corazón. Debido a su carácter exquisitamente sugestivo, la muestra resulta ser interesantísima pero también les pone los pelos de punta a no pocos visitantes. Por sobre todas las cosas sorprende y desconcierta, ya que su última razón de ser, al menos en parte, es incierta y equívoca. Así, no falta quien comenta que Cineraria le intrigó y fascinó, pero por otra parte que también le dio miedo.[7]

4. Ejecutado en plata y evocando un cuervo, Silver Rook presenta una admirable estructura ósea.

5. El esqueleto del ave de rapiña anida en su interior un inesperado corazón de rubíes.

Tales emociones de naturaleza mixta y sentir entremezclado son sintomáticas de que se está presente ante lo Grotesco. Porque es lo Grotesco un fenómeno estético y con una larga historia. Significativamente, rompe las categorías convencionales y desorienta al espectador. Es por eso que Victoria Mason dice no tener palabras para describir el estilo de Julia deVille, estilo en el que coexisten elementos muy variados, como son la hermosura, la tristeza y el respeto.[8]

Los visitantes admiran la naturaleza “mágica” de los trabajos a los que describen como delicados, pero también perturbadores.[9] Tal es el caso, por ejemplo, de Ángel aún por nacer (2009), con su enternecedoramente macabra posición fetal y alitas de gorrión.

6. DeVille, Ángel aún por nacer (Stillborn Angel), 2009 - macabro y enternecedor a la vez.

Se le objeta a DeVille la diversidad de materiales, formas y ideas que presenta Cineraria, se le sugiere incluso que simplifique el asunto. Marcus Bunyan no duda en citar (con imprentas mayúsculas) el conocido eslogan de Mies van der Rohe: “menos es más.”[10] Bunyan parece haber olvidado el antídoto de Robert Venturi: “menos es un aburrimiento.”[11]

La obra de Julia deVille es rica, compleja e incluso contradictoria. Como muestra, Cineraria presenta unidad en la diversidad. También evoca la larga tradición de las vanidades barrocas y las pompas fúnebres decimonónicas (a las que deVille misma a menudo suele referirse).

Y si la obra de Julia deVille tiene algo de truculento, ello se debe al gran conocimiento de su autora acerca de la siniestra temática que en ella tan elocuentemente desarrolla y cuya simbología e implicancias indudablemente conoce con lujo de detalles.[12]

Memento mori, ars moriendi, rigor mortis todos ellos raparecen de una manera u otra en las macabras creaciones de Julia deVille.

Incluso en Disce mori, su sitio oficial online y cuyo significado en latín no es otra cosa que “APRENDE A MORIR,” la artista introduce sus creaciones en joyería y otros extraños accesorios con la ayuda de refinadas y sugestivas cartelas barrocas provenientes de ya mencionada tradición europea de vanitas y su insistente hincapié sobre la brevedad de la vida y el inevitable triunfo de la muerte.

7. Michel Mosyn de Amsterdam, Cartela en estilo auricular (Kwabornament u Ornamento blando, Holanda, siglo XVII), exhibiendo una inscripción agregada por DeVille para promover sus accesorios (Disce mori, 21.9.2009).

Tales cartelas (o cartouches, como se los denomina en el lenguaje técnico) son compatibles con la naturaleza la obra de Julia de deVille: persuasivas son ambas, tanto en sus formas como en sus grotescas insinuaciones.

Cineraria captura la atención del público y no lo deja indiferente. Así Leydeej, por ejemplo, aprecia la delicada, atractiva apariencia de cada animal exhibido en la muestra y elogia la manera respetuosa en que DeVille procede en su obra, donde la belleza y la gracia se entremezclan.[13] No obstante, también se debe reconocer que hay algo inquietante y a veces hasta de perturbador en algunas de las obras exhibidas. Lo mismo vale para el hecho que de ellas subrepticiamente emana una rara especie de humor negro.

8. DeVille, Urna funeraria para infante (Infant Funerary Urn), 2009 – La alegría de vivir

Es importante no confundir las intenciones de la artista con el efecto que su obra produce. DeVille podrá mostrar todo el respeto que ella desee ante los difuntos animales con los que trabaja, pero eso no quita que su obra también produzca reacciones mixtas en el espectador.

Maliciosos son los términos que, juguetonamente, DeVille emplea para referirse a su propio trabajo, al que describe como "serenamente sombrío."[14]

Ya en los años cincuenta, Bacon comenta que el arte se ha vuelto un juego con el que el artista se entretiene, hasta que se muere. Con habilidad, Julia deVille juega con esa gran certitud que es la Parca.

Elegante y solemne, Cineraria insinúa lo monstruoso. Es decir, la monstruosidad que implica el tener plena conciencia de que tarde o temprano todos nosotros estaremos bien muertos.

Habiendo acaso hallado inspiración en la alguna poesía de Charles Baudelaire, DeVille amablemente nos invita a explorar las posibilidades estéticas y didácticas que nos ofrece la materia orgánica ya sin vida.[15]

9. Estética alucinante - Anatomía de un conejo (Anatomy of a Rabbit, 2008)

Así, en Anatomía de un conejo, obra a la que DeVille reconoce como su "favorita,"[16] la parte superior del tronco de ese roedor parece haber sido amputada con brutalidad. La belleza del pelaje del animal de golpe se interrumpe para exhibir descarnadamente sus huesos, notablemente concebidos en plata. De la mezcla de la taxidermia y la orfebrería surge entonces una figura siniestra. El animal parece estar vivo, aunque es como si hubiese escapado de su propia vivisección.

Debajo de la cabeza del conejo, precisamente donde alguna vez se encontraba su garganta, su plateada estructura ósea hoy contiene un corazón de rubíes. Es como si el que el animal se hubiese atragantado con el mismo.

10. Detalle de Anatomía de un conejo – "sólo nos es segura la inseguridad" (Ortega y Gasset).

Llevando su estética de lo macabro con rumbo hacia lo Grotesco, Julia deVille no duda en transformar la materia muerta en accesorios de embellecimiento personal. Es entonces que puede emplear un ave completa, otras desplumada y por fin sólo sus huesos.

11. Delicado - Sparrow Brooch es un prendedor con pajarito y algo más.

12. Pinche-Pichón. Bird Pin es un alfiler para ser lucido sólo en ocasiones importantes.

13. Huesos y plata - Ring of Bones es un refinado brazalete inspirado en la ronda de huesos visible en el panel derecho de los Tres estudios para una crucifixión (1962), tríptico de Bacon, hoy preservado en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York.

La piel del otrora majestuoso tigre malayo puede hoy bien ser substituida por el pellejo de algún gato del barrio.

14. Cat Rug (2008) es por su tamaño una alfombrita ideal para el baño.

Implacablemente negra es la belleza que emana de las creaciones de Julia deVille, tan a menudo admirablemente grotescas, tal como sucede con sus muy oscuros cráneo de equino reproductor y huevo de avestruz a tres patas.

15. Estética necrofílica – Black Beauty (2008), es una obra para amantes del fetichismo febril de los sábados por la noche.

16. Cinerarium - Refinamiento misterioso

Extraordinaria paradoja visual es Cinerarium, un magnífico memento mori que de un modo minimalista y eficaz nos recuerda el simple hecho de que se nace para morir.

En Cinerarium, un objeto con aspecto de huevo tiene por finalidad el contener cenizas inciertas.[17] Así, grotescamente, la forma arquetípica de la vida adquiere su sentido opuesto y sirve entonces como un auténtico receptáculo de la muerte.

Creación de doble filo, Cinerarium es la prima donna de la muestra, o recordar a Paul Celan, la leche negra del alba que—con elegancia y distinción—DeVille nos proporciona para que la bebamos mañana, tarde y noche.

Es con creaciones como su sofisticado receptáculo reciclado que DeVille celebra la vida, pero en términos categóricamente grotescos.

De la información hasta hoy provista por DeVille y sus comentaristas online, no es posible establecer si Cinerarium contiene cenizas o no. Y en caso de contenerlas, tampoco sería su origen evidente: ¿se trataría entonces de las cenizas de un difunto cremado o de los restos de algún omelette carbonizado?

Imposible saberlo. Cinerarium por lo visto es un grotesco hermético por derecho propio.

En Cinerarium, DeVille ha representado una leyenda plateada sobre una superficie convexa que evoca a una gran cáscara de huevo de avestruz. Representada en plata, la leyenda tiene forma enrulada y—grotescamente—no presenta ninguna inscripción. Se da así rienda suelta a la imaginación del espectador, al que le resulta imposible determinar qué cenizas contiene o ha de contener el ahora muy ominoso e inquietante Cinerarium negro.

Contradictorio en esta macabra creación es el diálogo que DeVille establece entre la real convexidad del exterior de la urna y la ilusoria profundidad de la plateada leyenda representada sobre esa negra superficie.

Es esta obra una extraordinaria paradoja visual, algo así como una nueva cuadratura del círculo.

Al carecer de inscripción, la leyenda de Cinerarium no proclama nada, permaneciendo la urna funeraria entonces muda. Posiblemente eso es aquí lo necesario.

A diferencia del barroco Juan de Orozco y Covarrubias, Julia DeVille parece no necesitar haber escrito en la leyenda pintada sobre su trabajo ningún “QVOTIDIE MORIMVR” para recordarnos que “En la vida está la muerte.”[18] Cinerarium efectivamente comunica tales ideas sin que para ello sea haya que acudir a la palabra escrita.

Es en Cinerarium, y también en sus Prendedores de Garra, donde DeVille convincentemente demuestra el que ella está muy al tanto de que menos es más.[19]

17. Prendedor de Garra. El gusto por lo minimalista es exquisitamente celebrado en el prendedor Garra con Perla (Claw Brooch with Pearl)

La rosa, la hermosa rosa, como solía recordarles Bacon a sus entrevistadores, es un ser que se está muriendo.[20] A través de sus macabras creaciones, Julia deVille vuelve a recordárnoslo, con análoga elegancia y sofisticación.

18. Entre la variación sobre un mismo tema y la redundancia - Prendedor Garra con Rosa (Claw Brooch with Rose)

Bien decía ya el Predicador: “vanidad de vanidades, todo es vanidad” (Eclesiastés, 1:2).[21] Esto es desde luego también válido para Cineraria, exposición que con pompa y doble filo expresa un muy original ¡viva la muerte!
.............................Mariano Akerman

19. Contenedores a elección, porque importante es que todo el mundo se sienta bien acogido – Cineraria, 2009

Notas y referencias
1. Bacon, entrevista con Peter Beard, editada por Henry Geldzahler (Nueva York, Metropolitan Museum of Art, Francis Bacon, Recent Paintings, marzo-junio 1975).
2. Mariano Akerman, The Grotesque in Francis Bacon’s Paintings, 1999, pp. 14-15
3. Julia deVille, “Artist’s Statement,” declaración publicada en su sitio oficial, Disce mori, http://www.juliadeville.com/ (23.9.2009). Según la neozelandesa, el título de su sitio online fue inspirado por la inscripción de una alhaja del siglo XVI.
4. Ibid.: “I feel strongly about the fair and just treatment of animals and to accentuate this point I only use animals that have died of natural causes.” La artista suele recolectar cadáveres de aves y ratones por el área donde ella vive y luego los emplea en su obra.
5. Ibid.: “I consider my taxidermy to be a celebration of life, a preservation of something beautiful.”
6. Cineraria es la palabra latina que designa a las urnas funerarias en su conjunto. Cinerarium es el receptáculo en el que se depositan y preservan las cenizas de un difunto cremado.
7. Karen Thompson, “Julia deVille ‘Cineraria’ @ Sophie Gannon Gallery,” Melbourne Jeweller, 3.8.2009 http://melbournejeweller.wordpress.com/2009/08/03/julia-deville-cineraria-sophie-gannon-gallery/
8. “I really don't have words to describe her style but it's beautiful & (for a brief moment) sad & respectful all at once.” Victoria Mason, “I have a total art-crush,” Earl & Cookie, 30.7.2009 http://earlandcookie.blogspot.com/2009/07/i-have-total-art-crush.html
9. Marcus Bunyan, “Review: ‘Cineraria’ by Julia deVille at Sophie Gannon Gallery, Richmond, Melbourne,” Art Blart, Australia, 19.8.2009 http://artblart.wordpress.com/2009/08/16/review-cineraria-by-julia-de-ville-at-sophie-gannon-gallery-richmond-melbourne/
10. Ibid.: “LESS IS MORE.” Van der Rohe empleó esa oración en relación a la arquitectura, deseoso de afirmar su apoyo a la Estética de la Máquina. Mas lo dicho por Van der Rohe nada tiene que ver con DeVille, quien se ocupa del arte y la estética de lo orgánico frente a ese desafío supremo que constituye la muerte. La idea de que menos es más tiene su origen en Wieland, quien la publicó en Teutsche Merkur en enero de 1774: „Und minder ist oft mehr.” La expresión fue retomada por Robert Browning en 1855: “Well, less is more, Lucrezia.” De esto resulta que lo que Bunyan le recomienda a DeVille por escrito no es otra cosa que la cita de la cita de la cita (Bunyan cita a Van der Rohe, quien a su vez citó a Browning, que por otra parte había recurrido a Wieland).
11. Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture, Nueva York: MoMA, 1966, capítulo 2: “less is a bore.”
12. En sus notas, DeVille indica que uno de los objetivos de Cineraria es el estudio de los rituales y el sentimiento que rodea a las costumbres fúnebres en diferentes culturas y épocas: “CINERARIA is a study of the ritual and sentiment behind funerary customs from various cultures and eras” (Art Blart). Véase también la “Breve historia del memento mori y la joyería de luto victoriana” que DeVille presenta en su sitio oficial (Disce mori, Influential Periods: “Brief History of Memento mori and Victorian Mourning Jewellery”).
13. “As I looked around the exhibition I was fascinated by the glamorous and delicate appearance of each animal in the exhibition. It seems that even in death Ms deVille can give reverence, beauty and grace to the life that the animal led.” Laydeej. “Vintage Fur & Taxidermy,” A Square Peg and a Round Hole, 29.7.2009 http://laydeej.blogspot.com/2009/07/vintage-fur-taxidermy.html?zx=11f1be8a40683fc8
14. Al ser entrevistada en enero de 2009; "Interview with Julia DeVille," Australian Edge, 9.1.2009, http://www.australianedge.net/2009/01/julia-deville/; mi énfasis.
15. Véase, por ejemplo, el poema de Baudelaire titulado “Une charogne,” (Les Fleurs du Mal, 1857-61).
16. "Interview with DeVille," Australian Edge, 9.1.2009
17. Al menos una de las ovoides urnas realizadas por DeVille incluye cenizas de verdad. Se trata la Tumba Thodey (Thodey Tomb, madera y plata), con las cenizas de Albert y Jean Thodey (Melbourne, Craft Victoria Gallery, Julia deVille: Ossuarium, ocubre-noviembre 2008; accedido 30.9.2009).
18. Juan de Orozco y Covarrubias, Emblemas Morales, 1589. Las líneas de su poema “En la vida está la muerte” pueden encontrarse en mi disertación "El juego de Bacon" (1999).
19. Véase supra, texto y nota 10.
20. Para una discusión, ver The Grotesque in Francis Bacon’s Paintings, pp. 47, 126 (nota 49). Belleza y muerte a menudo van de la mano en la imaginería de Bacon. Véanse también sus declaraciones al ser entrevistado por David Sylvester (Entrevistas con Francis Bacon, 1967-68) y por Melvyn Bragg (film, 1985). Para un análisis e interpretación de la imaginería baconiana, ver "Aspectos grotescos del arte de Bacon" (1999) y "El juego de Bacon."
21. Vanidad de vanidades tiene su origen en el libro del Eclesiastés. Es un genitivo hebreo con valor de un superlativo (הֲבֵל הֲבָלִים, HeVeL HaVaLIM, al que usualmente se traduce como Vanitas vanitatum en latín). Funciona como expresión poética y expresa que nada es perdurable. Vanidad (o ilusión) designa todo aquello que es vacío, inconsistente y fugaz. Se emplea para poner de relieve el carácter frágil y transitorio de la condición humana sobre la tierra.

Créditos fotográficos. Disce mori, figs. 1, 4-5, 7, 9, 10-14, 17-18; Sophie Gannon Gallery, figs. 6, 14; Acidolatte, fig. 2, 8, 15-16; Art Blart, figs. 3, 6; Melbourne Jeweller, fig. 19.



¿No surge la obra de arte de la auténtica necesidad expresiva de su autor, quien de algún modo nos hace partícipes de su propia percepción de la realidad que lo rodea?

Marko Mäetamm, Juegos (Playground), 2006. Acuarela sobre papel, 21 x 29 cm. Una de 16. Londres, Nettie Horn, Happy End, enero 2009 - Click sobre cada imagen para agrandarla.

El arte de hoy ya no es el que era ayer. Y desde hace ya un buen tiempo que la obra de arte no tiene como fundamento medular el ser un gratificante motivo de armonía para exhibirse en el salón hogareño.

En efecto, la otrora supina necesidad neurótica de aprobación por parte del artista, aquella de complacer a todo el mundo, quedó a partir de Gustave Courbet en buena parte superada.

Claro que también hicieron lo suyo para dar una mano al respecto Matisse, Schiele, Picasso y Méret Oppenheim.

Francis Bacon fue otro notable irreverente. Cargado de ambigüedad y lucidez, su calculadamente indefinido sarcasmo juguetón logró afectar al arte como lo hace la tinta china al entrar en contacto con el agua contenida por un vaso.

Para bien o para mal, o incluso para ambos, el arte actual frecuentemente se revuelve entre la banalidad y el humor negro. Es algo alevoso. Si bien estéticamente cuestionables, algunos trabajos actuales son no obstante efectivos en lo que a abrir las válvulas de la imaginación se refiere. Un caso prominente en cuestión es Marko Mäetamm y sus Casas sangrantes, ejecutadas alrededor de 2004.

Mäetamm, Casa sangrante (Bleeding House), óleo sobre lienzo, c. 2004

Mäetamm realiza imágenes con viviendas llenas de sangre. Generalmente, ésta emana desde sus ventanas superiores. Casi como para si ser admirada, mas insistiendo en sugerir lo monstruoso, cae la sangre. Y lo hace con espectacular abundancia.

Desde el punto de vista de su delineamiento y factura gráfica, las Casas sangrantes de Mäetamm son un tanto mediocres. Sus líneas negras sobre fondos blancos recuerdan cuadernillos a ser coloreados por los niños, sólo que en el caso de Mäetamm nada hay para colorear, dado que el artista establece ya de el vamos el único color ha ser percibido por el espectador: un ordinario rojo sanguinolento perpetuo, nada más.


Estilísticamente, tampoco son sus casas una novedad. Las tipologías representadas por Mäetamm pertenecen todas ellas hoy al pasado, tanto tradicional como moderno. En efecto, las volumetrías delineadas por Mäetamm fueron en su momento todas ellas admiradas y reproducidas hasta el hartazgo.

Descontextualizadas, las inquietantes viviendas de Mäetamm desorientan al espectador.




Durante el siglo XX, Le Corbusier sostuvo que la casa era una máquina para habitar. En el siglo presente, Mäetamm nos recuerda que la casa pudo haber funcionado, pero acaso como lo hace una trituradora.


Es posible que hoy haya dejado de funcionar. Sea como fuere, hoy parece haber perdido lo que otrora bien pudo haber sido su considerable capacidad de almacenar la sangre proveniente de los misteriosos crímenes que eran cometidos en su interior...

Tan copiosa es la cantidad de sangre acumulada y contenida dentro de una vivienda de Mäetamm, que el ese fluido suele constituir no menos de las tres cuartas partes del volumen de la misma. No obstante, una vez alcanzado el o los antepechos de sus vanos superiores, la sangre comienza a rebalsar, para luego desbordar y precipitase sobre la planta baja. Allí, eventualmente puede llegar a formar un gran charco e incluso cubrir todo el lote del bien inmobiliario, amenazando con traspasar los límites del predio (Casa sangrante #1).

Con su sangre omnipresente, los bienes raíces de Mäetamm suelen conducir al espectador a formularse una pregunta: ¿por qué sangran las casas?


Parte de la respuesta se halla en el mismísimo hecho que Marko Mäetamm es un artista proveniente de un país báltico: Estonia, nación que atesora una de las más ensangrentadas historias del Viejo Continente.

Representadas por más que elementales perspectivas, las viviendas del artista estonio parecen aludir a un proyecto en estado incipiente. Pero las imágenes en cuestión hablan de una situación alarmante, ya que cada proyecto de esta serie de obras inexorablemente emana sangre. Es por eso que es posible decir que Mäetamm pinta embriones arquitectónicos desangrándose.

Proyecto en estado incipiente e irremediable fin coexisten en cada una de las Casas sangrantes. Así, los ambiguos óleos de Mäetamm sugieren en su conjunto tanto un criminal proyecto en serie como un serio proyecto criminal.

El fondo blanco sobre el que fueron delineadas las descontextualizadas Casas sangrantes podría sugerir cualquier lugar, incluyendo naturalmente a Estonia.

Mäetamm, no obstante, no hace ninguna referencia directa a ella. Se contenta con parodiar al hoy tristemente célebre sensacionalismo de los medios de (in)comunicación masiva. Exhibe entonces cada Casa sangrante con un detallado informe escrito a través del cual que las casas (el artista no) relatan relatan los acontecimientos que las han conducido al muy ensangrentado estado en el que hoy se encuentran. Es a partir de este momento que las viviendas en cuestión se muestran no sólo sangrantes sino que además pasan a ser parlantes.[1]

Testimonio visual y por escrito: Casa sangrante #4. Rotermann Salt Storage Art Center, Tallinn 2005

Testimonian entonces ellas acerca de masacres y asesinatos en serie. En primera persona singular, ellas dan a conocer diversos eventos de extrema violencia. Ellos involucran las acciones de seres perturbados, cuando no de las Casas mismas. Los procedimientos monstruosos a los que se refieren pertenecerían al campo de la ficción, de no ser por el carácter un tanto evocativo de las Casas mismas, exhibiendo todas ellas un coagulado substituto pictórico de la roja e indeleble sustancia otrora derramada durante las muchísimas salvajadas que de hecho tuvieron lugar en los Países Balticos.

En esos informes, cargadísimos de cinismo y humor negro, Mäetamm suele localizar a sus Casas sangrantes en función del país en el que ellas son exhibidas.[2] Así, ellas pueden indistintamente formar parte de Estonia o, por ejemplo, del Reino Unido.[3] Con todo, resulta casi imposible el no asociar las Casas sangrantes con la Estonia natal del artista.

Como nota Nettie Horn: “Inexorablemente coqueteando con su propia realidad, Marko Mäetamm disfruta del acto de confesarse. Su estatus como artista se encuentra ante todo [...] en [...] una serie de arreglos ficticios en los que los conflictos y dramas [de sus protagonistas siempre] terminan en actos irreversibles [...]. Sin sentirse culpable, Mäetamm manifiesta todo tipo de sentimientos-tabú y, a pesar de los tonos trágicos [de su obra], pone en evidencia un oscuro sentido del humor que recuerda [o cumple el papel de] una sátira contemporánea sobre la conducta social [alienada].”[4]

Es particularmente debido a esto último que las Casas sangrantes no son meramente autorreferenciales sino que implícitamente parecen aludir a Estonia. Conquistada tarde o temprano por daneses, alemanes, polacos, suecos y rusos desde el medioevo y hasta 1918, brevemente independiente, desde 1921 y hasta la invasión soviética de 1940, regulada a piacere por los alemanes nazificados en 1941, pero tan sólo para caer pronto de nuevo en manos de los soviéticos, desde 1944 y hasta nada más ni nada menos que 1991, la historia de ese país báltico fue un verdadero baño de sangre.

Y entre la copiosa sangre derramada en Estonia, no ha el lector de dudar que tampoco faltó aquella de sus hebreos, brutalmente allí masacrados inmediatamente después de la llegada de los alemanes en junio de 1941.


Al ver la sangrienta condición de las viviendas delineadas por Mäetamm, ¿cómo podría uno no asociarlas con las descomunales salvajadas que tuvieron lugar en su país?

Conjuntamente con sus informes y otros vídeos animados de los crímenes en serie llevados a cabo por diversos psicópatas de turno, las Casas sangrantes de Mäetamm inquietan al espectador y, a través de sus abundantes flujos metafóricos lo revuelven bien entre la ficción y la realidad. Ellas, explica Nettie Horn, “revelan, [tal] como [sucede] en un exorcismo, el miedo del artista [frente a la vida, su Lebensangst]. [...] Frente al estupor emocional que su obra produce, varias reacciones son posibles, desde una sensación de incomodidad hasta la insólita carcajada liberadora. El trabajo de Mäetamm [... demuestra que él] juega con [varios] aspectos intimidatorios y desalentadores de la vida [...], ya sean éstos [sus propios] miedos personales o ancestrales o [bien otros] que se hallan enterrados profundamente en nuestra memoria.”[5]

A través de sus Casas sangrantes, Marko Mäetamm indudablemente logra sugerir con efectividad tanto sus propias obsesiones personales como todas aquellas otras que aún no han dejado de acosar a su tierra natal.

Las pantagruelescas imágenes que Mäetamm configura y exhibe, así como también las muy mixtas reacciones que ellas producen en quienes las perciben, marcan un conmovedor triunfo de lo Grotesco.

...................................................Mariano Akerman

1. Mäetamm, "Bleeding Houses," sitio oficial online. Allí escribe: "Often I exhibit them [the Houses] together with my horrori[fi]c stories, which are [...] like told by [each one of] the [...] houses. Then the whole project is called SPEAKING HOUSES" - http://www.maetamm.net/projects/index.php?m=7&speak=1.
2. Ibid.
3. Casa sangrante #1. Manchester; #2. Phoenix; #3. Manchester; #4. London; #5. London; #6. London; #7. London; #8. Tunbridge Wells; #9. London; #10. Eastern England ("Bleeding Houses").
4. Nettie Horn, introduciendo al artista online: “Flirting inexorably with his own reality, Marko Mäetamm enjoys the act of confessing. His status as an artist is predominantly at the origin of a series of fictional “mises-en-scènes” during which conflicts and familial dramas escalate towards irreversible acts and the ultimate sentencing. Mäetamm guiltlessly manifests all sorts of taboo feelings and, despite the tragic tones, a dark sense of humour, reminiscent of a contemporary satire around social behavior, is evident” (Press-release para Londres, Nettie Horn, Happy End, enero-febrero 2009, accedido 20.9.2009).
5. Ibid.: “The presented drawings and videos openly reveal, such as an exorcism, the artist’s fear of not being able to live up to his role as head of family. Does he merely evoke his own distress when he pretends not to be strong enough to live in our world and wanting to get rid of his family? / In front of this emotional outpour, varied reactions ensue, from a feeling of unease to the unexpected and liberating laugh. Mäetamm’s work is ironically subtle; playing with the daunting aspects of life in general, whether they are personal or ancestral fears or fears which are buried deep in our memories.”

Referencias: Sitio oficial de Marko Mäetamm - Nettie Horn, Londres

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...